Bienvenido a mi mundo

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gracias por la imagen a Germán Banchio

jueves, 27 de noviembre de 2014

La esclava del amor (Nikita Mikhalkov, 1976)

Del fascinante guión escrito por Fridrikh Gorenshteyn y su hermano Andrei Konchalovski, Nikita Mikhalkov elaboró la más hermosa, romántica y sensible obra de toda su filmografía.
El título del film es el de la película muda protagonizada por la estrella Olga Nikolayevna (en la increíble y sensitiva piel de la actriz Elena Solovey). Estas películas mudas son el antecedente más directo de los telenovelones. Hechas para provocar el llanto y la almibarada reacción de los espectadores.
Sin embargo, en la actuación de Olga Nikolayevna hay algo que atrae hasta a los revolucionarios, que arriesgan el ser arrestados con tal de presenciar sus películas.
Aleksandr Aleksandrovich (el nombre del actor es exactamente este Aleksandr Aleksandrovich Kalyagin) sueña con adelgazar sin dejar de comer y con filmar mejores obras. Hay una escena que se repite, la de Alejsandr haciendo gimnasia con la rama de un árbol.
La película, que se desarrolla en 1917 en plena revolución rusa, narra la filmación en una ciudad en el sur de Rusia, de un nuevo telenovelón. El cameraman es Victor Pototsky (Rodion Nakapetov) quien disimula con su trabajo su verdadera tarea que es filmar las matanzas y atrocidades cometidas por el ejército zarista al mando de Fedotov (Konstantin Grigorev).
Fedotov odia el cine y en particular a todo el equipo de filmación y visita diariamente los sets buscando provocación.
Pero Olga Nikolayevna vive en su mundo, con sus dos hijitas y su madre. Ella sueña con reencontrarse con el actor principal, Maksakov, quien aparentemente ha desaparecido en Moscú.
El ambiente y el clima es veraniego, todo es apacible, pero como trasfondo se escucha el retumbar de la gran revolución de 1917.
El estilo de Mikhalkov es realmente deslumbrante. Pinta las escenas como si de un pintor impresionista se tratara. No hay solo planos de los protagonistas, sino que a veces, se distrae del guión y filma otras personas en apacibles escenas, otras existencias, otras realidades. Esto hace que la pantalla se dilate hasta ocupar la completa realidad, aún la no filmada y la convierte en un inmenso collage de bellas escenas, en las que, de vez en cuando, irrumpe la realidad violenta de la represión zarista.
En esta belle epoque rusa, Olga Nikolayevna se comporta como las protagonistas de sus películas, toda pasión y emoción. Declama a quien quiera oirla sus ideas y se mueve por el mundo sabiendo que porta la coronita de la realeza cinematográfica. Pero se enamora de Pototsky y él, que también está enamorado de élla, pero más de la revolución, se sirve de ella para esconder su actividad verdadera.
Es una película donde la razón queda desapercibida, ya que todo, como en la película, pasa a través de los sentimientos.
Es una dulce y tranquila comedia sobre el cine mudo donde se intercalan escenas de la realidad política rusa de los años de la revolución.
Canción y escenas
La escena del tranvía es una de las más subyugantes escenas que el cine haya producido jamás.
Diez puntos para esta excelente obra de Nikita Mikhalkov.

domingo, 23 de noviembre de 2014

Revolución (Varios Directores, 2010)

Con motivo del centenario de la Revolución Mexicana, los productores de IMCINE y Canana films reunieron a una decena de jóvenes directores para que se encargaran de hacer filmes cortos en los que, de alguna manera, se hablara de los cien años transcurridos desde la revolución.
El resultado es excelente. En los diez cortos, los creadores nos hablan de la frustración de un pueblo para el que la revolución aún no ha dado sus frutos o se ha transformado en otro producto para el marketing.
Ellos son, de acuerdo al orden de los cortos en la película, Fernando Eimbcke, Patricia Riggen, Gael García Bernal, Amat Escalante, Carlos Reygadás, Mariana Chenillo, Gerardo Naranjo, Rodrigo Plá, Diego Luna y Rodrigo García.
Hay algunos cortos que apasionan más que otros y la diferencia de formas y estilos se hace patente en creadores como Carlos Reygadás, cuyo "Este es mi reino" es realmente deslumbrante.
Pero cada corto tiene lo suyo. En "La bienvenida", de Fernando Eimbcke, se pinta la frustración del campesino mexicano a través del trombonista de una banda de música. Luego, Patricia Riggen, en "Lindo y querido" nos muestra la sinrazón y desapego de los inmigrantes que viven en Estados Unidos.
Gael García Bernal, a través de 4 chicos, nos habla sobre la revolución en el orden en las familias y el lugar que la religión ocupa. Amat Escalante trae el más surrealista de los cortos. En "El cura Nicolás colgado", no todo lo que se muestra es lo que parece, ni tampoco lo que se dice.
Ya mencioné a Carlos Reygadás y su "Este es mi reino", donde consigue introducir con su cámara al espectador en una orgía de destrucción, danza, música y orgía desenfrenada. Fiel retrato de una sociedad alienada.
"La tienda de Raya", de Mariana Chenillo nos devuelve a la realidad de la pobreza y la explotación del trabajador, cien años después de la revolución aún se paga a los trabajadores con vales.
Gerardo Naranjo, con "R-100" nos da una cierta explicación para la violencia. Es el corto más duro y agreste de la película.
Rodrigo Plá, en "30-30", que hace alusión a la canción revolucionaria "Carabina 30-30", donde un nieto de Pancho Villa es llevado en exhibición por un político local. Este corto es el que más cerca está del mensaje político.
Diego Luna hace en "Pacífico" una especie de melange de historia de divorcio con estafa comercial.
Finalmente, el colombiano Rodrigo García, cruza las culturas mexicana y estadounidense en "La 7th street y Alvarado" sin palabras, sin apologías, simplemente con imágenes, e imágenes muy fuertes para la sensibilidad latino americana.
Es una película francamente imperdible para quienes posean cierta afinidad con el pueblo mexicano y con los problemas de toda Latino América.
Trailer (con subtítulos)
Es toda una parábola que los trailer de esta película estén en Youtube con subtítulos en inglés. Es la justificación de toda esta película.
Ocho puntos sobre diez para "Revolución" y una mención muy especial para Carlos Reygadás.

jueves, 20 de noviembre de 2014

El Hotel del Millón de Dólares (Wim Wenders, 2000)

"El Hotel del Millón de Dólares", muy lejos de lo que se puede suponer por el nombre, es una historia de amor, sublime, intensa y muy romántica.
Claro que también hay un misterio a resolver. Una investigación sobre un suicidio que pudo haber sido un asesinato. El inspector del FBI encargado de descubrir al asesino es el detective Skinner, interpretado por un frío y rígido Mel Gibson, como el personaje lo requiere.
El hotel que da su nombre a la película fue en sus buenos tiempos un lujoso hotel de Los Angeles, ubicado en el pleno downtown de la ciudad. Pero cuando la historia de la película se desarrolla, es un hotel de mala muerte donde los pasajeros son delirantes marginados, más bien habitantes de sus vetustas habitaciones.
Pero volvamos a la historia de amor. Crece y se desarrolla a medida que la película avanza. Tom Tom (un increíble Jeremy Davies), está ciegamente enamorado de Eloise (una mágica y etérea Milla Jovovich) y la sigue a escondidas, tímidamente, sin animarse a hablarle.
Otro personaje importante es la televisión. Lo que el canal 6 difunde es la verdad y nada más que la verdad.
La víctima se llamaba Izzy, o más bien Israel Goldkiss, interpretado unos escasos segundos por Tim Roth, pero sus gestos son inconfundibles, y era hijo de un magnate, Stanley Goldkiss, que es quien solicita al gobierno envíe un detective a investigar la muerte de su hijo, porque como él dice, un judío jamás se suicida.
Y el canal 6 de televisión pertenece a intereses opuestos a los del Sr. Goldkiss.
También hay unas presuntas pinturas en alquitrán, que son obra del indio Gerónimo (Jimmy Smits), pero como Gerónimo e Izzy compartían la habitación, la televisión supone que eran obra de Izzy y así se las da a conocer. Hasta llaman a un entendido en arte, (Julian Sands), para que las examine y dictamine. Su veredicto es que son basura, pero basura interesante y por lo tanto él se animará a venderlas.
La banda del hotel, incluídos Dixie (Peter Stormare) quien pretende haber formado parte de los Beatles, Shorty (Bud Cort), Vivien (Amanda Plummer) quien invoca ser la prometida de Izzy y Jessica (la inefable Gloria Stuart) la abuela de Eloise, piensan hacerse millonarios con la venta de los cuadros.
El detective persuade a Eloise (enferma de no se dice qué), que vaya al cuarto de Tom (que es deficiente mental), para escuchar su conversación y que Tom diga quién asesinó a Izzy.
Todo esto está basado en una historia de Bono y Nicholas Klein y muy bien hilvanado por la dirección de Wim Wenders, quien se especializa en dotar a sus películas de la fantasía y el surrealismo necesario para que parezcan realmente reales.
Cuenta con la fotografía impecable de Phedon Papamichael y la música necesaria de Bono y Brian Eno.
También en la producción participó Bono, así que entendemos que esta película le debe bastante a su sensibilidad.
El espectador no conseguirá distraerse en las 2 horas de duración de lo que está sucediendo en la película. Los gestos y movimientos de Jeremy Davies son atrapantes y seductores. La magia que irradia Milla Jovovich también y la seriedad actoral de Mel Gibson es lo que cuadra para poner un marco de lucidez a esta historia tan delirante.
The First Time - Bono and U2
Ocho puntos para esta maravillosa historia del gran Wim Wenders.

miércoles, 19 de noviembre de 2014

Jersey boys (Clint Eastwood, 2014)

Con la magnífica música de Bob Gaudio y Bob Crewe, Marshall Brickman y Rick Elice estructuraron un musical sobre la carrera del grupo The Four Seasons que viene ofreciéndose en Broadway desde el año 2005.
Para el musical se adoptó el estilo documental, con cuatro partes donde cada uno de los integrantes del grupo narra parte de su historia.
Clint Eastwood, con cero experiencia en musicales pero contando con la colaboración de Brickman y Elice en el guión, hace de esta entrañable historia un recuerdo imborrable para quienes allá por los 60's hayan bailado con la música de los Four Seasons.
Los cuatro intérpretes son John Lloyd Young interpretando a Frankie Valli, Vincent Piazza como Tommy De Vito, Erich Bergen como Bob Gaudio y Michael Lomenda como Nick Massi.
Esta película no se parece en nada a las acostumbradas versiones cinematográficas de un musical, quizás porque las canciones ilustran las diferentes etapas de la carrera de The Four Seasons y no interrumpen la trama dramática. Y por sobre todas las cosas por la excelente dirección de Clint Eastwood, quien siguiendo el ritmo sensacional de los temas, hace que la película no decaiga ni un solo minuto.
Buenísima es la recreación de los diferentes ambientes por los que va pasando la historia, nada da la impresión de tratarse de escenarios, es todo parte de la vida real de estos cuatro muchachos.
También actúa en la película el inefable Christopher Walken, recreando a un capo maffia, Gyp De Carlo que aporta su experiencia actoral al actuar como el padre protector de los muchachos.
El título de "Jersey boys", alude a que tres de éllos habían nacido y crecido en la barriada de Belleville de New Jersey, un barrio muy humilde y del que, como dice Tommy De Vito al principio, solo se sale yendo a la guerra, uniéndose a la maffia o haciéndose famoso.
La trama dramática va in crescendo de un modo imperceptible y gira de la casi comedia inicial, al drama del desenlace de la historia del grupo.
Trailer
Así como me resulta imposible sacar la música de The Four Seasons de la película sin dejarla vacía de contenido, también me es difícil calificarla. Digamos que un siete resume lo que siento por élla y como un homenaje al gran Clint Eastwood.

martes, 18 de noviembre de 2014

La verdad oculta (The whistleblower) (Larysa Kondracki, 2010)

Es importante por lo concisa, la definición de Larysa Kondracki sobre su película.
"La verdad oculta, es la historia de Kathryn Bolkovac, una policía estadounidense miembro del cuerpo de paz, que denunció la implicación de la ONU en el tráfico de mujeres tras la guerra de Bosnia".
Y "la verdad oculta", sigue estando oculta. Uno de los acusados por Kathryn Bolkovac al frente de la organización privada DynCorp que se contrata para garantizar la paz en la región, siguió trabajando para el gobierno estadounidense en las guerras de Afghanistán e Irak.
La gente común puede ser que algo haya oído sobre la trata de blancas organizada por los cuerpos de paz de las Naciones Unidas, pero no lo ha hecho consciente. Como sólo se trata de prostitutas. Pero ignoran todo lo referente al estado de esclavitud en que caen estas muchachas, la violencia que el sistema ejerce sobre éllas y cómo los organismos de protección de los estados las ignora y aún más, las presiona a que no abran la boca.
La actuación de Rachel Weisz como Kathryn Bolkovac, tiene mucho que ver con el impacto que causa esta película sobre el espectador. Es su composición del personaje sobre una persona real lo que la vuelve tan cruda y sobrecogedora.
El guión del film sigue, con las lógicas reducciones de tiempos y personas, la experiencia real que le tocó vivir a Kathryn Bolkovac como miembro de los cuerpos de paz.
Madeleine Rees (la mágica Vanessa Redgrave) le presta atención a Kathryn cuando consigue que por primera vez en la historia de Bosnia, una mujer musulmana sea escuchada por la justicia al denunciar los malos tratos a los que su marido la somete y condene al marido. Le pide que se haga cargo de la oficina de Control de los Derechos Humanos de los cuerpos de paz.
Y Kathryn lo hace. Lo que nunca podría haber adivinado es que los responsables de mantener la paz en la convulsionada Bosnia serían quienes promovieran los mayores abusos a los derechos humanos, sus propios jefes y compañeros.
Hasta la persona que tiene a su cargo la repatriación de los extranjeros, Laura Lavinia (magnífica Monica Bellucci), cierra los ojos como la mítica justicia ante los hechos consumados de la trata de blancas y se ampara en las reglas.
Es una película difícil de ver, no es grata, no tiene escenas románticas ni dulces. La mayoría de las situaciones son duras y llenas de crueldad. Pero por eso mismo la película sacude al espectador. ¿Es posible que esto haya sucedido en nuestro mundo?, ¿es posible que aún siga sucediendo? son las preguntas que asaltan a las conciencias alarmadas.
En la que es, por ahora, su única película, Larysa Kondracki demuestra tener la sensibilidad necesaria para hacer que lo que la cámara registra se convierta en realidad ante los ojos del espectador inteligente.
Hay que destacar la actuación de Roxana Condurache, una modelo rumana, en el papel de la adolescente Raya, en manos de los traficantes y también de David Strathairn, como Peter Ward, a cargo de los Asuntos Internos del cuerpo de paz.
Trailer
“La verdad oculta” es una demoledora denuncia narrada con total realismo, que acusa directamente a la ONU de comportarse como ejércitos de ocupación y admitir los peores actos de barbarie con cobertura diplomática. Imprescindible. Diez puntos es mi calificación para esta reconfortante lección de humanidad.

martes, 11 de noviembre de 2014

El hada ignorante (Ferzan Ozpetek, 2001)

La historia de "El hada ignorante" comienza con Antonia (Margherita Buy) y Massimo (Andrea Renzi) recorriendo las galerías de una exposición de arte y jugando a tener un affaire amoroso cuando en realidad son marido y mujer desde hace 15 años.
Luego vemos aspectos de sus respectivos trabajos, élla como médica especialista en SIDA y él como ejecutivo de publicidad. Recorremos el suntuoso departamento donde viven con una criada y, cuando él sale de su trabajo y élla le está diciendo a un paciente sobre cómo afrontar el hecho de ser seropositivo, dos autos atropellan a Massimo y Massimo muere.
La historia se vuelve hacia Antonia. Cómo afrontar el hecho de estar sola, como deshacerse de los objetos de Massimo y, entre estos objetos, un cuadro proveniente de su oficina, revela en la dedicatoria, una relación oculta de Massimo desde hace 7 años. La dedicatoria está firmada crípticamente "el hada ignorante".
Antonia decide buscar a la amante secreta de Massimo y descubren el remito con el que llegó la pintura a su oficina. Va al domicilio de la Srta. Mariani y la recibe Serra (Serra Yilmaz) quien le dice que la Srta. Mariani duerme durante el día porque trabaja de noche en el mercado central. Que la vaya a ver al puesto del mercado o que vuelva el domingo al mediodía.
Cuando vuelve el domingo al mediodía la recibe Michele (Stefano Accorsi) rodeado de sus amigos y amigas, guys, travestis y lesbianas, quien le dice que va a ser imposible que encuentre a la Srta. Mariani y que si no lo ve es porque no lo quiere ver.
Antonia se va pero vuelve abriendo la puerta con la llave que Massimo tenía. Michele entonces le confiesa que él fue el amante de Massimo durante los últimos 7 años.
La historia da otra vuelta de tuerca y se centra en los amigos de Michele, en sus pequeñas y tristes historias. Lo que Antonia quiere descubrir es qué fue lo que hizo a su marido tener una relación con Michele y sin darse cuenta, élla misma inicia una relación con Michele y el mundo que lo rodea.
En un film estupendamente filmado, una historia libre como el aire se cuela por entre nuestros dedos y nos permite, por una hora y un poco más, espiar en la historia de esta gente marginada que se protegen entre éllos al amparo de la terraza del departamento de un ser excepcional como es Michele.
No voy a contar más sobre la historia porque pretendo que ustedes, espectadores inteligentes que leen los posts de mi blog, la vean y extraigan sus propias conclusiones.
Es una película agradable, serena y alegre dentro de lo que es posible en la vida diaria.
Las actuaciones son todas buenas. Rescato los gestos de Serra Yilmaz.
Trailer
Ocho (8) puntos sobre diez para "El hada ignorante".

domingo, 9 de noviembre de 2014

Brillo de luna (Luna papa) (Bakhtyar Khudojnazarov, 1999)

Bakhtyar es un realizador nacido en Tadjikistán, una de las ex repúblicas socialistas soviéticas. "Luna papa" está filmada completamente en un pueblo de Tadjikistán, Khujand (ver imágenes en el enlace adjunto),
La magia de esta comedia surrealista es tan grande que no podemos saber si realmente la vida es así es Tadjikistán o es algo soñado por el realizador.
La anécdota es sencilla, Mamlakat (Chulpan Khamatova, la joven actriz tártara de Good bye Lenin) es una joven de 17 años que vive con su padre Safar y su hermano Nasreddin (Moritz Bleibtreu, sí, el actor alemán que corría con Lola), deficiente mental. Luego de avanzada la película nos enteraremos que su deficiencia es producto de haber estado en la guerra de Afghanistán.
Safar mantiene a su familia criando conejos y chivos. Desde la muerte de su esposa, Safar se ha vuelto un poco más excéntrico y celoso de sus hijos.
Mamlakat sueña con ser actriz y la llegada al pueblo de la compañía teatral (viajan en un avión), le daría oportunidad de conocer a los actores y ofrecerse como aprendiz, pero llega tarde. El viaje con su padre a un pueblo vecino para vender conejos se malogra cuando la policía, que viaja en un tanque amarillo, intenta quedarse con los conejos y Safar rapta al jefe de la banda.
Pero un actor sigue a Mamlakat en la oscuridad y con falsas promesas (le dice que conoce a Tot Cruise), la seduce. Esa aventura nocturna va a desencadenar el resto de la película una vez que Mamlakat se de cuenta que está embarazada.
La película está contada por el hijo aún no nato, desde el vientre de su madre. Prestar atención a sus descripciones porque contienen las claves del argumento.
Deliciosa comedia dramática, no pierde oportunidad de anotar detalles surrealistas a la historia como el vuelo del techo de la casa, donde se ha refugiado Mamlakat para escapar de la persecución de la gente del pueblo, propulsado por dos ventiladores de techo, que es sencillamente mágico.
También la muerte de su padre y su novio estando a punto de casarse, provocada por un toro que cae del cielo.
Toda la magia de las historias orientales está implícita en esta película desde el viaje a Samarcanda, buscando al actor responsable del embarazo, hasta las razzias destructivas por el pueblo de Nasreddin cuando sueña ser avión.
Toda la película brilla por sí misma. Las escenografías, los caballos corriendo por las calles del pueblo en rebaño. Las actuaciones son magníficas, nos convencen de la realidad de lo que se cuenta.
Las actuaciones de Mamlakat como parte del grupo "La huerta", donde baila y canta vestida de zapallito.
El espectador curioso va a quedar subyugado por la magia visual de "Luna Papa" y no se va a poder desprender de sus imágenes durante un largo tiempo.
Daler Nasarov - Loneliness (Banda de sonido)
Merecidos 10 puntos para "Brillo de luna" o "Luna papa".

viernes, 7 de noviembre de 2014

La mirada del hijo o Madre e hijo (Pozitia Copilului) (Calin Peter Netzer, 2013)

El cine rumano se ha convertido en los últimos diez años el que películas de más alta calidad humanista produce. Evidentemente toda una generación de realizadores han tenido la oportunidad de poder expresarse libremente sin tener que contar historias de dictadura ni de la guerra ni de la pobreza como clichés.
Esta película es un caso típico de autopsia de las relaciones humanas.
¿Es una madre quien debe solucionar todos los problemas de sus hijos?, ¿qué papel les queda en sus vidas a los hijos?, ¿hasta qué edad deben los hijos seguir escuchando a sus padres?.
Por encima de la anécdota formal de un accidente de tránsito que causa la muerte de un chico de 14 años, la película gira alrededor de que Cornelia Keneres (una brillante interpretación de Luminita Gheorghiu), ha perdido contacto con su único hijo Barbu (Bogdan Dumitrache) y encuentra la ocasión de volver a recuperar su influencia sobre él por el accidente en el que Barbu ha atropellado a un chico, causándole la muerte.
Dónde empieza y termina el amor maternal y dónde la manipulación de una persona sobre otra.
En diálogos brillantes, Cornelia expone su dramática situación ante su cuñada Olga Cerchez (Natasa Raab), quien más tarde tendrá la lucidez suficiente para llevarla a la comisaría donde está detenido Barbu.
También los diálogos con su marido Rasa (Florin Zamfirescu), quien frente al desborde emocional de su mujer intenta traer la lógica y la cordura a la situación.
Y finalmente, la charla con su aborrecida nuera Carmen (Ilinca Goia), de la que sabemos por su charla con Olga que "ni siquiera mueve un dedo para levantar su plato de la mesa", donde le propone un pacto de cooperación y se entera de los problemas íntimos de la pareja.
La visita a la casa de los padres del chico muerto, donde apela a su veta dramática para intentar convencerlos que no lleven a juicio a su hijo.
Pero por sobre todas las cosas, a pesar del guión melodramático, la película no cae en ningún momento en el melodrama. No hay escenas que inviten a la angustia, ni al llanto, ni siquiera a la emoción.
La vivisección de los personajes es cordial, pero seca de humor o emotividades.
La entrevista con un testigo del accidente para intentar que cambie su declaración, es una obra maestra de manipulación política, certera y fallida al mismo tiempo.
Las casi dos horas de duración pasan inadvertidas por el gentil uso que el director hace de las cámaras y de los ambientes. La fotografía es impecable y también el uso de canciones populares para ilustrar momentos de escasa tensión.
 Trailer
El Oso de Oro del festival de Berlín 2013 le fue otorgado al director con toda justicia. Yo no tengo premios que otorgar, pero si mi calificación significa algo para el espectador, se lleva los diez puntos sobre diez con toda justicia.

lunes, 3 de noviembre de 2014

La mentira infame (The children's hour) (William Wyler, 1961)

William Wyler es un director de grandes super producciones, entre ellas Ben-Hur y Funny girl. Pero esta es una película diferente. Es aún diferente para el cine de Hollywood.
"La mentira infame" está basada en una obra de Lillian Hellman, pero la traslación al cine dista mucho de ser teatral. De todos modos lo importante es lo que se cuenta y cómo se lo cuenta.
Karen (Audrey Hepburn) y Martha (Shirley McLaine) fueron compañeras de colegio y juntas y con mucho esfuerzo han podido crear una escuela para niñas con internado.
Una de las niñas, bastante problemática, es Mary (Karen Balkin), quien promueve la desobediencia y no con técnicas sutiles sino apelando a lo que haga falta para salirse con la suya.
Como los retos no tienen ninguna consecuencia en sus hábitos, las maestras apelan a medidas disciplinarias como obligarla a cambiar de cuarto para proteger a sus eventuales compañeras.
El novio de Karen, Joe (James Garner), es el médico al que acuden cuando surge algún problema de salud y Mary es especialista en desmayos y ataques cardíacos. Pero Joe tiene bien catalogada a Mary quien es en efecto su prima.
La tía de Martha, Lily (Miriam Hopkins) es una descerebrada que no tiene pelos en la lengua para calificar a su sobrina de anormal delante de sus alumnas.
Cuando su abuela viene a buscarla, Mary no tiene mejor idea que inventarle una relación homosexual entre las maestras y la abuela, (Fay Bainter), se agarra de sus palabras y las divulga por todo el pueblo. Como consecuencia, los padres retiran a sus hijas de la escuela.
Cuánto daño puede llegar a causar una mentira y, aunque luego se desacredite, la mancha que ha esparcido ya no se limpiará nunca más. Esto es lo que esta película (y obviamente la obra de Lillian Hellman), sostiene.
La fuerza dramática de los hechos está llevada con cuidado y sin grandes escenas dramáticas. La maldad infantil es equivalente a la maldad anciana de la abuela de Mary.
Joe, que las ha defendido hasta las últimas consecuencias, finalmente es obligado por Karen a preguntarle si es verdad o no lo que se afirma y aunque élla diga que no es verdad, la duda queda en su mente. La mentira contagia y empaña hasta las relaciones más limpias. Es uno de los peores daños de la humanidad y esta película, del gran William Wyler, lo deja bien en claro.
Es insólito que una productora de Hollywood haya financiado esta película y también es lógico que luego la haya escondido. No está muy bien dar rienda suelta a la verdad.
Y mucho menos en cine.
Escena
Siete puntos sobre diez para esta excelente realización norteamericana.