Bienvenido a mi mundo

Bienvenido a mi mundo
gracias por la imagen a Germán Banchio

sábado, 30 de diciembre de 2017

Billy Lynn (Ang Lee, 2016) 🌟🌟🌟🌟

El cartel de la película dice "Poderosa, Cautivante, Hipnotizante". Y no es simplemente un anuncio de marketing, es verdad.
El director Ang Lee nos tiene acostumbrados a sorprendernos con sus películas. Desde "El banquete de boda" donde un chino de Taiwan residiendo en Nueva York para poder vivir sin persecuciones su homosexualidad, recibe la visita de sus padres que ignoran sus inclinaciones y debe presentarles a una "novia" armada de urgencia. Pasando por su versión de Jane Austen "Sentimiento y sensibilidad" con las estupendas actuaciones de Emma Thompson y Kate Winslet. La asombrosa "El tigre y el dragón" donde reveló a occidente la estética que el cine de Hong-Kong había desarrollado y llevó a las artes marciales chinas a un nivel de un alto desarrollo artístico. "Secreto en la montaña (Brokeback Mountain)" donde por primera vez desarrolló con humanidad una relación amorosa homosexual. En fin, toda su cinematografía es asombrosa. "Billy Lynn" no es la excepción a esta regla.
Basada en una novela de Ben Fountain y con un increíble guión de Jean-Christophe Castelli, Lee describe una escena y sólo con esta muestra es suficiente para percibir lo que se maneja alrededor de la guerra de Irak y su relación con el pueblo estadounidense.
Billy Lynn (Joe Alwyn) es un cabo de un escuadrón denominado "Bravo" que participó en una escaramuza con iraquíes. Como resultado de que alguien estuviera filmando el arrojo de Billy cuando saltó fuera del lugar donde estaban atrincherados para auxiliar a su sargento Shroom (Vin Diesel) y que el video se difundiera en los Estados Unidos, todo el escuadrón es llevado para hacer presentaciones especiales ante el público estadounidense. Sí, así como lo oyen, así es descripto con la mayor naturalidad en la película y así debe haber sido en la realidad. El sargento Dime (Garrett Hedlund) cree que Billy tiene capacidad para ser militar y lo retiene a toda costa con las amenazas de costumbre dentro de las fuerzas armadas, esas donde la valentía y el arrojo priman sobre cualquier otra aptitud. Pero Billy a sus 18 años, está absolutamente conmocionado por lo que le ha tocado vivir en Irak y, aunque no lo puede discernir, siente que algo no está bien.
Su hermana Kathryn (Kristen Stewart) aún convalesciente por haber sido atropellada por un camión, quiere convencer a Billy que no vuelva al frente, que ya ha hecho bastante y que vale mucho más hacer frente a la lucha cotidiana por sobrevivir en los Estados Unidos, que matar a gente de Irak para beneficio de las petroleras.
Pero el centro de la película está en la participación del escuadrón en un show deportivo-televisivo, donde se mezcla el futbol americano con el show de las porristas, la actuación de Destiny's Child cuando una de sus integrantes era Beyoncé y la participación del escuadrón a quien hacen vestir con ropas de fajina para parecer más reales. El dueño de toda esa superproducción es un magnate financiero interpretado por Steve Martin quien quiere contratar al escuadrón para filmar una película sobre la batalla por la que pretende pagarles una cifra irrisoria.
Como el espectador adivinará, como toda la historia está enhebrada de ironías dolorosas y sarcásticas hacia el público estadounidense, no es de asombrar que la película haya pasado sin pena ni gloria por las pantallas del mundo.
Excelente la música de Jeff y Michael Danna y la versión de "Heroes" por Scala y Kolacny Brothers, como es de destacar el montaje entre las escenas del show y la memoria de Billy de los hechos como realmente sucedieron.
Trailer en inglés
Scala ·Heroes"
Nueve puntos sobre diez por la asombrosa honestidad de Ang Lee al trasladar esta novela al cine con tanta autenticidad.

viernes, 22 de diciembre de 2017

Puente de las Artes (Eugene Green, 2004) 🌟🌟🌟🌟🌟

Eugène Green es, probablemente, el cineasta más singular de los que hacen cine en estos inicios del siglo XXI. 
Nacido en 1947 en Nueva York, hace muchos años que sólo se refiere a ese país como Barbaria y a su lengua como lengua bárbara. Así pues, la que considera su verdadera fecha de nacimiento es la de la marcha de su país de nacimiento, 1968.
A los 21 años y después de transitar por media Europa a finales de los sesenta, se nacionalizó francés y adoptó esa lengua hasta convertirse en el gran recuperador de la expresión oral y escénica del teatro francés del Grand Siècle.
Enamorado de la literatura y de la cultura portuguesa rodó en Lisboa, en portugués, A Religiosa Portuguesa (2009) basada en las cartas de sor Mariana Alcoforado; en Italia y en italiano La Sapienza (2014) y su único documental hasta el momento Hitza eginFaire la parole (2015) testimonia su amor por la lengua y la cultura vasca, a la que ya había dedicado una novela: La Bataille de Roncevaux (2009) y donde había situado uno de sus mediometrajes: Les signes (2006). Estamos pues ante un personaje de inabarcable curiosidad que, de la misma forma que ha ido desarrollando su vida por una amplia geografía, ha ido ampliando cada vez más su lenguaje expresivo, integrándolos los unos y los otros en sus experiencias sucesivas, pero teniendo siempre un tronco común, básico y fundamental: la Palabra.
En este film, Green demuestra lo que es su lenguaje cinematográfico. Utilizando una estética bizantina, sus personajes, en la mayor parte del film, hablan directamente a la cámara y eso hace que el espectador se sienta de alguna manera parte del film.
Con cuatro personajes principales, Pascal (Adrien Michaux), Christine (Camille Carraz), Sarah (Natacha Regnier) y Manuel (Alexis Louret), teje y deshace en su propio guión una filosofía de vida empapada en el mundo artístico. Christine estudia filosofía y su principal obsesión es aprobar sus examenes para mantener lo que ella llama, su dignidad. La enoja mucho la actitud de abandono de su pareja, Pascal, estudiante de literatura, quien enojado con su profesora que le ha encomendado una tesis sobre un tema que él no quiere abordar, se deja a sí mismo al sueño y la decidia. Sarah, una soprano con una voz importante, sufre las agresiones de su profesor, a quien denomina "el innombrable" (Denys Podalydes), un homosexual que no tolera el virtuosismo femenino de Sarah y la ahoga con sus críticas e insultos. Sarah quiere salir adelante, por eso se mantiene calma y se esfuerza en dar lo mejor de sí misma. Jean-Astolphe Mereville (Olivier Gourmet) es un amigo de Gui-gui (el innombrable) y nos muestra la opinión de Green sobre el amaneramiento en el mundo de las artes en una ridícula actuación de Jean-Astolphe personificando a Fedra para su taxi-boy, a quien quiere hacer su asistente. Muy bien le dice el taxi-boy, pero la tarifa del sexo sigue siendo 500.
Manuel, es la pareja de Sarah, pero élla está deshaciendo su relación en la medida que no puede manejar la situación con su profesor. Manuel se desespera por ayudarla a salir adelante.
Hay una escena, en la que Pascal asiste invitado por un amigo a una función de teatro No japonés. Es muy interesante, porque los espectadores del film no la vamos a ver sino a través de las miradas de los espectadores en el teatro, de los que el director hace un cameo constante, y de carteles que anuncian los hechos que se desarrollan en la escena. Me trajo a la memoria a la posterior obra de Abbas Kiarostami, "Shirin", en la que a través de las miradas y las reacciones de 114 actrices iraníes y Juliette Binoche, vamos a apreciar la representación del poema iraní Shirin.
En el argumento de la obra japonesa, está contado el drama que, detrás de todas las escenas hieráticas y las miradas profundas, se desarrolla en la película.
Demás está decir que el cine de Eugene Green no está hecho para todo el público. Si bien no es intelectualoide, el modo en que se presentan los hechos no es el más abordable para el gran público. Eso no quita que espectadores sensibles se sientan hipnotizados por el ritmo y la cadencia de la película.
Especial mención requiere la inclusión de "Il lamento della ninfa" del compositor barroco italiano Claudio Monteverdi. Es parte de la seducción que el film ejerce sobre los espectadores.
Por esa razón en su cine hay tantas palabras de lenguas diversas y aparecen personajes portadores de lenguas antiguas que sobreviven en su lucha por seguir siendo Palabra/Parole y no ser arrastrados hacia la Palabra/mot o, peor todavía, hacia su desaparición como lengua. Como la mujer que canta en kurdo en una de las muchas escenas mágicas. Por eso mismo tiene esa estrecha vinculación con la cultura vasca a partir de su lengua, en la que perviven los misterios más antiguos y se concreta una memoria colectiva que se remonta a tiempos inmemorables.
Por esa misma razón en su cine sólo aparece su lengua materna, el inglés, en algún momento de sarcasmo, como en la escena del australiano que quiere visitar la capilla de Sant’Ivo en La Sapienza. El inglés parece ser, únicamente, la lengua de las colonias y como tal, una lengua sin memoria y sin historia, o sea compuesta sólo de mots y no de Paroles y sin capacidad, por tanto, para convocar lo misterioso.
Trailer en francés
Lamento della ninfa
Diez puntos sobre diez para esta esplendorosa obra cinematográfica.

lunes, 18 de diciembre de 2017

En la vía láctea (Emir Kusturica, 2016) 🌟🌟🌟🌟🌟

Me saco el sombrero ante esta nueva genialidad de Emir Kusturica.
El director que ha legado a la historia del cine joyas como "Underground" y "Gato negro, gato blanco", vuelve recargado.
Leí en un artículo que la filmación de esta maravilla le llevó cuatro años. Pues no han sido en vano. Las imágenes que en un poco más de dos horas se acumulan en el cerebro del espectador, siempre y cuando este no sea un descerebrado, van a calar hondo en su modo de mirar y apreciar el mundo.
Evidentemente este es el camino que ha seguido Emir Kusturica, convertido ahora en el centro y alma de su película también personifica a su héroe. Es un lechero que lleva leche a los soldados bajo las bombas y balas de esa imposible guerra que significó la atomización de la Yugoslavia (la unión pan-eslava de países europeos). Viaja montado en un burro y protegido por un paraguas, con la compañía de un halcón amigo que adora posarse en su cabeza. Como un renacido Francisco de Asís, habla con los animales y se maravilla de una serpiente que bebe leche. Durante la primera media hora, la pantalla se verá habitada por imágenes delirantes, surrealistas y conmovedoras de personas y animales en medio de la guerra.
Un personaje le dice al otro, "y cómo sabes que es un halcón peregrino y no un águila" y el otro le contesta "por nuestros cuentos populares".
Esa es la inmensa sabiduría que Kusturica tiene para ofrecer al mundo y vaya si lo hace.
La novia de Kosta, el lechero, Milena (Slovoda Micalovic) está también un poco loca y salva a una vieja de las garras de un reloj de péndulo que enloquece y captura a las personas entre sus cuerdas. Según dice Kosta, es un reloj austro-húngaro.
Milena quiere casarse el mismo día que su hermano Zaga (Predrag Manojlovic) y le consigue como novia a una italiana )Monica Bellucci) que se ofrece voluntaria para el casamiento porque, sabremos después, está huyendo de los soldados de los cuerpos de paz.
Es inevitable que Kosta se enamore de la italiana y durante toda la película el espectador va a vivir sobresaltado por esta historia de amor y guerra, amor y belleza, amor y entrega.
Un homenaje a la imaginación de los seres humanos con su locura bélica y otros, que destruye todo a su paso. La muerte del burro es particularmente dolorosa y prefigura las posteriores.
En este canto desgarrador a la vida, Kusturica trata de brindarnos, como dice al principio, tres historias reales y muchas fantásticas.
La música, que es siempre un elemento primordial en sus películas, es esta vez de su hijo, Stribor Kusturica. La dirección de fotografía de Martin Sec y Goran Volarevic y el majestuoso montaje, es muy difícil enhebrar tantas imágenes fantásticas, estuvo a cargo de Svetolik Zajc.
Trailer en castellano
Es imposible ser equitativo cuando de Emir Kusturica se trata, así que no es de extrañar que mi calificación sea de 10 puntos sobre 10. Espero que muchos espectadores la encuentren tan fascinante como yo.


sábado, 16 de diciembre de 2017

La perdida ciudad de Z (James Gray, 2017) 🌟🌟🌟

Es realmente lamentable que la producción haya querido hacer pasar una película biográfica sobre el explorador británico Percival Fawcett, por una nueva versión de Indiana Jones. El título de la película ya es muy triste. Peores aún son los afiches.
Basándose en la novela de David Grann, el director escribe el guión para su película.
Lo más interesante que podría aportar la biografía de Fawcett, es su voluntad inquebrantable de encontrar esta ciudad perdida, que él mismo llamaba "Z", en el centro del Amazonas y eso está bastante bien plasmado gracias a la interesante actuación de Charlie Hunnam.
También es inquietante el espejo de la sociedad victoriana llena de prejuicios y carente de instrucción.
La primera vez, el mayor Fawcett es enviado a la selva boliviana para trazar la frontera cartográfica entre Bolivia y Brasil, porque los intereses británicos en la explotación del caucho lo requieren.
Fawcett contrata a Henry Costin (Robert Pattinson) quien se convertirá en su fiel compañero de expedición.
Hay mucho metraje dedicado a la navegación por el río Verde, que es la frontera natural entre los dos países y a las desventuras en sus encuentros con aborigenes. Metraje que a mi criterio podría haberse reducido a la mitad. En el camino por la selva, Fawcett encuentra restos de cerámica esparcidos por el suelo y esto le hace pensar en la mítica cultura desconocida por los europeos que habita, o habitó,  el corazón del Amazonas.
Pero se acaban los víveres y solo gracias a la caza eventual de un jabalí se aseguran el regreso a la civilización.
En Londres es recibido como un héroe por los habituales creadores de ilusiones de nuestra sociedad. Pero cuando en un discurso en la Sociedad Geográfica, se atreve a mencionar los restos de cerámica hallados en medio de la selva, la turbamulta se burla de sus aseveraciones. Esos indígenas son incapaces de hacer ni siquiera una olla de cerámica.
Pero a través de sus aseveraciones, la Sociedad Geográfica le encomienda una segunda expedición a la selva amazónica. Su esposa Nina (Sienna Miller) que ha dado luz a su segundo hijo Bryan durante su ausencia, pretende acompañarlo, pero Fawcett no la acepta, ya que el lugar de las mujeres es en su casa, cuidando a los hijos. En realidad gracias a las investigaciones de su mujer, Fawcett se hace de un documento histórico brasileño, donde se describe la ciudad perdida de Z.
En cambio se une a la expedición James Murray (Angus Macfadyen), cuya fama proviene de haber sido compañero de Shackleton en su espedición al polo sur. Sin embargo Murray es una desgracia para la segunda expedición. Se come todos los víveres después de huir despavorido de una aldea aborigen cuyos habitantes son antropófagos.
Esta segunda expedición termina mal para Fawcett y Costin y, además debe hacerse cargo de las acusaciones de Miller de haberlo abandonado y de las quejas de su hijo mayor Jack (Tom Holland) quien le reclama por haber dejado a la familia. Esto todo cuando recibe la carta de reclutamiento para la guerra mundial de 1914.
En medio del horror de la guerra de trincheras, el espectador cinéfilo va a tener un hermoso regalo. Como madame Kumel, una adivina que predice el futuro a los soldados, actúa nada más y nada menos que Elena Solovey (actriz favorita de Nikita Mikhalkov en sus primeras películas).
Realmente la película está muy bien filmada y todas las escenas son absolutamente creíbles, pero la duración es, a mi criterio, excesiva y solo aporta tedio al total de la obra. De todos modos, es una película interesante de ver, sobre todo para aquellos que no conozcan en detalle la vida de Percy Fawcett.
Excelente la fotografía de Darius Khondji.
Trailer subtitulado en castellano
Documental sobre Percival Fawcett
Siete puntos sobre diez es mi calificación para este interesante film.
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jueves, 14 de diciembre de 2017

Que tengas dulces sueños (Fai Bei Sogni) (Marco Bellocchio, 2016) 🌟🌟🌟🌟

Marco Bellocchio se ha convertido desde la desaparición de Federico Fellini, Michelangelo Antonioni y Luchino Visconti, en el realizador de cine más importante del cine italiano del siglo XXI.
Se ha especializado en sus filmes en indagar en la psicología familiar. Padres, hermanos e hijos pasan por su lupa y adquieren una nueva dimensión humana sin necesidad de apelar a dramatismos ni a situaciones bizarras.
En este, su último film, su personaje es Massimo (Valerio Mastandrea, Nicoló Cabras (niño) y Dario dal Pero (adolescente). Massimo ama con locura a su madre (Barbara Ronchi) y su madre a su vez juega con él todo el tiempo. Una noche, Massimo se despierta para ver salir a su padre (Guido Caprino) acompañado de otra gente y a sus padrinos (Arianna Scomegna y  Bruno Torrisi) que se hacen cargo de él diciéndole que su madre está en el hospital.
Finalmente al regresar su padre a la casa, lo lleva a hablar con el cura (Roberto de Francesco) quien le cuenta que finalmente Dios ha escuchado las plegarias de su madre y se la ha llevado al cielo.
Massimo reniega del cura y le dice que cómo sabe lo que Dios y su madre hablaban.
A pesar de su rechazo, tiene que despedir al ataúd donde se supone que está su madre, en realidad él no la ha vuelto a ver.
Esta es la tragedia de la infancia de Massimo. Vemos que en la actualidad está levantando el departamento de sus padres y nos enteramos que debe vaciarlo durante el fin de semana. Le llega un envío por correo conteniendo una caja de fósforos que perteneció a su madre. Esto le ocasiona un ataque con palpitaciones, ahogos y sudores que terminan por llevarlo al hospital en el que lo atendió telefónicamente una doctora. Finalmente encuentra a la doctora Elisa (Berenice Bejo), quien con toda calma le dice que lo que sufrió fue un ataque de pánico. Luego se lo cruza por la calle y le dice que si le vuelve a suceder que llame a un amigo o a un familiar al que lo unan lazos de afecto y él le pregunta si puede llamarla a élla.
La historia de Massimo adulto tiene varios flashbacks, de cuando fue corresponsal en Sarajevo y fotografió el cadaver de una mujer muerta mientras en otra pieza su hijo está abstraído con los jueguitos electrónicos. O de cuando presenció el suicidio de un alto industrial (Fabrizio Gifuni) que le estaba pidiendo que escribiera sus memorias.
Toda la historia está hilvanada en función de los recuerdos y emociones de su vida y, como dice en determinado momento, ahora que es más viejo que su madre cuando murió debe verlo todo de otra manera.
El espectador va a seguir los vericuetos de la odisea emotiva de Massimo y se va a involucrar irresistiblemente con el personaje.
Impecable la realización fílmica, así como la dirección de fotografía de Danielle Cipri y la banda de sonido de Carlo Grivelli.
Trailer subtitulado en castellano
Esta hermosa película merece una calificación de 8 puntos sobre 10 y no habrá espectador que quede decepcionado después de verla.

jueves, 30 de noviembre de 2017

Ma' Rosa (Brillante Mendoza, 2016) 🌟🌟🌟🌟

Esta película encierra todo un documento histórico, político y sociológico sobre los países del tercer mundo. La historia se desarrolla en nuestros días, en Filipinas, pero como se describe para Filipinas, igual podría serlo para cualquier otro país subdesarrollado.
Creo que nunca se había visto semejante despliegue cinematográfico para contar una historia sobre los seres humanos que pasan sus vidas en medio de la pobreza, la miseria y la delincuencia de las clases bajas.
La tristeza que baña al espectador no es producto de ninguna manipulación del director, ya que no ejerce la más mínima presión para conmover a su audiencia. Simplemente describe una historia que podemos considerar como real sobre una familia que vive de un negocito de reventa de caramelos en medio de una villa miseria y que, entre otras cosas, vende también drogas. También las consumen. Están inmersos en esa realidad de las villas miseria latinoamericanas o de las poblaciones negras de los países africanos.
Un muchacho de la vecindad, para rescatar a su hermano al que han llevado detenido, (no preso, porque la policía actúa doblemente, con uniforme para los presos, sin uniforme para los detenidos ilegales a los que trata de saquear todo el dinero o los bienes de que disponen), los denuncia. En el medio de la cena de cumpleaños de Néstor (Julio Díaz) el marido de Ma' Rosa (Jaclyn Jose), irrumpen los policías en su humilde vivienda buscando las evidencias o cualquier otro bien que sea comerciable.
Los llevan detenidos, no a la comisaría, sino a las oficinas paralelas que poco tienen que envidiar a las viviendas de las villas miseria. Hasta tienen un pibe gay que les oficia de sirviente.
Con la amenaza de meterlos presos, consiguen que les den el nombre de su proveedor y también que Ma' Rosa lo cite para poder secuestrarlo.
Cuando detienen al muchacho que les provee las drogas en las oficinas paralelas, le dicen que puede hacer una llamada. Como el muchacho llama a un comisario amigo, le rompen la cabeza con un revólver.
Ya le han conseguido sacar 100.000 a este muchacho y la mujer del muchacho se compromete a entregarles 50.000 más para que lo dejen en libertad. Como quieren 200.000 en total le exijen a Ma' Rosa que junte los 50.000 faltantes.
Las peregrinaciones de los hijos de Ma' Rosa por las calles de Manila en busca de dinero es de antología. Nunca en la historia del cine se ha presentado de manera más desgarradora el desamparo de toda esta gente.
Una mención aparte para Jaclyn José. No es en vano que haya obtenido la gran Palma de Oro del festival de Cannes como mejor actriz en 2016. Su actuación es inigualable. Recomiendo a los posibles espectadores que presten atención a su rostro, manos y lenguaje corporal en las últimas escenas de la película. Es realmente conmovedor.
La dirección de Brillante Mendoza es increíble. Descubre un nuevo lenguaje cinematográfico al utilizar la iluminación eléctrica de los lugares donde filma que son terriblemente miserables, para crear una belleza desconocida en las imágenes. El ritmo de la película es también inusual. Filmada como con cámaras amateurs, persigue a los actores y a los escenarios para dar la sensación de realidad al espectador.
Trailer y clips con subtítulos en inglés
Nueve puntos sobre diez para esta excepcional realización de Brillante Mendoza.



domingo, 26 de noviembre de 2017

La cena (Oren Moverman, 2017) 🌟🌟🌟🌟

Una historia moral. Para los tiempos que corren a algunos les podrá parecer demasiado moral. Habrá quien comente que ya es anticuado presentar un dilema de este tipo para espectadores que están acostumbrados a ver en la vida real peores cosas pasar por habituales.
Sin embargo, la verdadera riqueza de este film está en cómo el director eligió contar la historia. Sobre la novela de Herman Koch, el director escribe un magnífico guión que se adapta perfectamente al estilo que eligió para su película.
No es una historia simple. Hay muchos flashbacks y escenas que se repiten ampliándose para la comprensión fílmica del espectador.
Dos adolescentes en tono de burla, prenden fuego a un cajero automático donde se ha instalado una vagabunda. La vagabunda muere quemada entre las llamas.
Son los padres de estos dos adolescentes, los que se reúnen para cenar en un restaurant 5 estrellas.
Ellos, Paul (Steve Coogan) y Stan (Richard Gere) son hermanos y hay múltiples competencias entre ambos. La esposa de Paul, Claire (Laura Linney), tiene muchas historias escondidas detrás de su afabilidad y, no sabemos porqué, en su mayoría escondidas para su marido. La esposa de Stan, Kate (Rebecca Hall) es su segunda esposa. La primera, Barbara (Chloe Sevigny) lo abandonó hace algunos años cansada de sus aventuras y de su estilo de vida.
Los diálogos no tienen desperdicio, entrevemos alguna enfermedad mental en alguno de los caracteres, pero no entendemos claramente en cuál de éllos. La mentira normalmente esconde un profundo desorden mental.
Y este es el dilema que la película plantea a los espectadores con total desvergüenza. ¿Puede un desorden mental justificar un asesinato?, ¿es que todo está permitido para los miembros de la clase dirigente?.
Las desavenencias entre los hermanos quedan en evidencia desde el primer momento. Las respuestas de Paul, que confunden toda la realidad y echan a perder la mejor de las intenciones, en realidad están ocultando una profunda paranoia que lo acompaña desde su más tierna infancia.
Por otra parte Stan, quien plantea develar todas las mentiras y hacerse cargo de las situaciones, no encuentra quién lo acompañe en su cruzada.
El espectador se va a ver envuelto en una andanada de historias sin resolver que tienen su punto cumbre en la visita de los hermanos al campo de batalla de Gettysburg, una batalla de la guerra civil que pudo cambiar el curso de la historia de los Estados Unidos.
Excepcionales son el montaje, la fotografía y los movimientos de cámara que el director pone en marcha para exacerbar las emociones.
Trailer en inglés
Ocho puntos sobre diez para está magnífica historia donde la ética brilla por su presencia o más bien por su pretendida ausencia.

viernes, 17 de noviembre de 2017

El maestro del dinero (Jodie Foster, 2016) 🌟🌟🌟🌟

Contadas veces el cine estadounidense se ha cruzado en el camino de las empresas financieras para desacreditarlas. Esta es una de las mejores logradas historias sobre una estafa financiera a los inversionistas.
Jodie Foster no es una maravillosa directora ni tampoco aporta demasiadas novedades a la cinematografía, pero sí es de destacar que en los años que lleva trabajando como directora, casi siempre se ha visto envuelta en proyectos donde la hipocresía y las falacias del sistema capitalista quedan expuestas de un modo descarnado.
La historia es simple y sencilla. Lee Gates (George Clooney) conduce un programa por televisión que es una especie de show sobre las finanzas. Allí canta, baila y asesora sobre las acciones que están en alza o las que están en baja. Habla sobre los índices y toda esa parafernalia con que el mundo del dinero engatusa a la gente común.
El show está dirigido, entre bambalinas, por Patty Fenn (la inigualable Julia Roberts) que es quien modera y aconseja a Lee sobre por dónde debe seguir y con quien debe o no meterse.
Pero el día en cuestión, un hombre se filtra en el set llevando dos cajas. Patty lo ve de refilón, pero cuando quiere acordar ya es tarde. Kyle Budwell (Jack O'Connell) ha reducido a Lee con un revolver y lo ha obligado a colocarse un chaleco que tiene una bomba en su interior. Kyle conserva el detonador en su mano izquierda y el revólver en la derecha.
Su petición es para que Lee aclare porqué estafa así a la población. Hace unos meses aconsejó comprar acciones de la empresa Ibis y hoy esa misma empresa deja en bancarrota a sus inversionistas y, todo, por un error del programa informático, según declara la corporación.
"Uno se siente contento cuando un film se atreve a decir verdades que el propio sistema oculta. No sucede muy seguido, pero hay películas hechas con valentía.
Incluso, uno se queda sin entender cómo han logrado camuflarse dentro de las redes del paradigma que las produce.
Lo cierto es que Jodie Foster, como directora de El maestro del dinero , parece hacer suyo aquel texto del gran realizador Andrei Tarkovski: “El realismo es inclinarse hacia la verdad y la verdad siempre es bella”.
Así, Jodie Foster lleva su película hacia la denuncia social como acto de sinceridad y, por eso, el film es poco creativo en términos formales: no hay ningún gesto formal o visual que nos distraiga de lo que está en juego. Aquí se busca preparar la guillotina para ajusticiar actos de corrupción del sistema.
La trama sucede en Estados Unidos, pero es trasladable a otros países. Se trata del capitalismo parasitario propio de una economía neoliberal."
Maravilla la actuación de Julia Roberts. Sin sus gestos y miradas la película no diría las mismas cosas.
George Clooney está medido y coherente con su papel, en tanto que Jack O'Connell desborda sinceridad y ejemplifica lo que un buen actor puede extraer de papeles que le brindan oportunidades.
También hay que destacar la actuación de Caitriona Balfe, como la directora de comunicaciones de la empresa Ibis.
En fin, una película excitante de principio a fin, que no tiene ningún desperdicio y que encima se permite la osadía de hacer una denuncia social del sistema neoliberal que está corrompiendo a nuestra civilización.
Por la inteligencia y honestidad, 8 puntos para "El maestro del dinero".
 


La Cabaña (Stuart Hazeldine, 2017) 🌟🌟🌟🌟

El resumen descriptivo de esta película provocó cierto rechazo de mi parte: "Un hombre pasa un fin de semana en una cabaña con Dios".
Sin embargo, después de mucho tiempo me decidí a verla.
Basada en el libro de Paul Young, Wayne Jacobsen y Brad Cummings, entre John Fusco, Andrew Lanham y Destin Daniel Cretton, escriben uno de los guiones más fascinantes de los últimos tiempos.
La historia es complicada y tiene muchos recovecos. Comienza cuando el protagonista, Mackenzie Phillips (Sam Worthington) de chico ve a su padre borracho pegando a su madre. Esto lo decide a hablar con el pastor en la iglesia y confesar que ya no tolera más la situación, lo que le vale una paliza descomunal por parte de su padre. Cuando huye de su casa, caminando se cruza con una mujer que lo invita a comer un pedazo de pastel y que le dice, un padre no debe hacer eso a sus hijos.
Luego vamos a ver a Mack mezclando estricnina en las botellas de whisky de su padre.
La historia pasa luego a la adultez de Mack. Casado con Nan (Radha Mitchell), son padres de tres hijos: Josh (Gage Munroe), Kate (Megan Charpentier) y la pequeña Molly (Amelie Eve). Nan debe cuidar a su hermana que tiene una severa depresión, así que Mack va con sus hijos a un camping junto a un lago. En el lago, Kate y Josh navegan en un bote, Kate se para para hacerse la graciosa y el bote da una vuelta de campana. Josh queda atrapado abajo del bote y Mack se echa a nadar para rescatarlo. Con respiración artificial consigue reanimarlo. Cuando ya pasó el susto, Mack busca a Molly y no está por ningún lado. Llaman a la policía, pero la búsqueda es infructuosa. En una cabaña en el bosque encuentran el vestido rojo que llevaba puesto la niña.
Mack cae en una terrible depresión. Nan que debe viajar una vez más se lleva a los hijos con élla y le advierte a Mack, perdimos una hija, no quiero perder un marido.
.Mack está limpiando la nieve de la puerta de su casa cuando advierte que en la casilla del buzón hay una nota. La nota dice, "Te esperamos a pasar el fin de semana en la cabaña. Papa.".
Papa es como Nan llama íntimamente a Dios. Mack que solo se lo ha contado a su amigo Willie (Tim McGraw), lo increpa y le dice que como puede jugar con una cosa así. Willie niega tener algo que ver con la nota. Mack finalmente decide ir a la cabaña para averiguar de qué se trata. Willie le aconseja que no vaya solo ya que puede ser una trampa del criminal. Sin embargo cuando están por salir, en la camioneta de Willie, Mack lo deja y se va. En un cruce de rutas, cuando dobla, casi lo atropella un camión. Pero Mack sigue y llega a la cabaña. Espera allí infructuosamente, finalmente decide salir a caminar por el bosque cubierto por la nieve. Un hombre joven lo invita a seguirlo hasta que en un claro se ve un resplandor, lo sigue y penetra en una zona del bosque donde mágicamente reina la primavera. Hay una casa al fondo, llega a la casa y cuando entra lo recibe una mujer negra, gorda (la maravillosa Octavia Spencer), que lo saluda como Papa y le agradece que haya aceptado la invitación. Mack niega que élla pueda ser Dios, pero ella le presenta a su hijo Jesús (Avraham Aviv Alush), quien lo guiara hasta la casa y a Sarayu (Sumire) que forman parte de su ser.
De aquí en más comienza el maravilloso y doloroso camino espiritual para Mackenzie. Durante todo el fin de semana va a aprender que ha vivido juzgando y condenando a Dios y a la humanidad, como si se tratara del juez supremo. Va a aprender que la salida está en perdonar, pero no en "yo te perdono" como una fórmula, sino como una vía para la liberación de los sentimientos de culpa y castigo de lo que se construye la condena de la vida humana.
En resumen, ¿es una película religiosa?, creo que no lo es en un sentido ritual, pero que sí lo es en un matiz más profundo de nuestro ser. Creo que aporta, a través de la ficción, mucha sabiduría al espectador y con un lenguaje claro y preciso, aunque la película esté llena de símbolos que llegan en profundidad.
Es una película necesaria para todos aquellos que buscan el sentido más básico de la vida. Pueden encontrar respuestas en esta película.
Trailer (en castellano)
Por una excelente contribución a la parte "buena" de la humanidad que está tan olvidada, 8 puntos sobre 10 es mi calificación.

domingo, 5 de noviembre de 2017

Loving Vincent (Dorota Kobiela y Hugh Welchman, 2017) 🌟🌟🌟🌟🌟

Los directores Dorota Kobiela y Hugh Welchman escribieron un guión sobre las circunstancias de los últimos días y la muerte de Vincent Van Gogh, basándose en las cartas que este escribiera a su hermano Theo.
Pero lo más importante es que concibieron la película como una increíble obra de arte. Durante seis años, sobre las actuaciones de los actores, 125 pintores trabajaron en la confección de 65.000 pinturas al óleo que son las que hacen la película. Asombroso.
Esto podría ser simplemente un dato anecdótico para los Guinness si no fuera porque el resultado final de la película lo superó y se transformó realmente en una obra de arte. Seductora, misteriosa. Hay mucha información que no es de conocimiento público sobre los últimos días de Vincent Van Gogh.
La historia comienza con el cartero Roulin (Chris O'Doud) encomendando a su hijo, Armand Roulin (Douglas Booth) entregar en mano la última carta que Vincent (Robert Gulaczyk) escribiera a su hermano Theo (Cezary Lukaszewicz), porque el correo la devuelve por no poder encontrar al destinatario. Le pide que viaje a Paris y le entregue la carta en mano a Theo. Armand no quiere encargarse, pero su padre lo convence.
Una vez en París, Armand encuentra a Pere Tanguy (John Sessions) proveedor de materiales para todos los pintores en Paris, actividad muy en boga en ese período. A través de Pere Tanguy se entera que poco tiempo después de conocerse el suicidio de Vincent, la salud de Theo decayó terriblemente hasta que finalmente murió. Le aconseja visitar al Dr. Gachet en Auvers, pueblo donde murió Vincent, que era casi un hermano para él.
Armand viaja a Auvers y es entonces cuando su vida empieza a entrelazarse con la de Vincent. En Arlés, lo detestaba y fue uno de los que firmaron para expulsarlo del pueblo luego de que el pintor se cortara la oreja, pero en Auvers empieza hasta a sentir simpatía por su genio.
El Dr. Gachet (Jerome Flynn) no está en el pueblo y va a regresar en dos o tres días, es lo que le cuenta su ama de llaves (Helen McCrory) quien evidentemente detestaba al pintor. También conoce a la hija del Dr. Gachet, Marguerite Gachet (Saoirse Ronan, quien hasta pintada consigue mover sentimientos en el espectador). Finalmente se aloja en la misma posada donde se alojaba y murió Vincent. Allí se va a enterar de muchas cosas, historias y murmuraciones pueblerinas, de la encantadora Adeline Ravoux (Eleanor Tomlinson) hija del dueño del lugar.
Muchos personajes más van a desfilar por la historia y la verdad del suicidio de Van Gogh tiende a diluirse. Como todos los hechos, este también pierde autenticidad cuando es transmitido y tiene muchas interpretaciones según las simpatías o antipatías de quien lo cuenta.
El espectador se va a ver enredado en la historia, casi un thriller, donde va a tratar infructuosamente de rescatar la verdad.
Algo curioso, las escenas de flashbacks están pintadas en blanco y negro. Hay muchos paisajes que el espectador conocedor de la obra de Van Gogh va a reconocer. La iglesia de Auvers sin ir más lejos o los campos de donde vuelan cientos de cuervos.
La música de Clint Mansell merece un párrafo aparte. Para imágenes de tal belleza solamente su música puede equilibrar los sentidos.
Creo que la mayoría de los espectadores van a sentirse subyugados con la película. Primero, porque la figura de Vincent Van Gogh es querida por todos y segundo, porque es tal el cúmulo de belleza que se respira del film que es imposible pasar por alto semejante obra de arte.
Especial de la Deutsche Welle sobre el estreno mundial
Diez puntos sobre diez es mi calificación para esta increíble realización.


lunes, 23 de octubre de 2017

Bestia (Christoffer Boe, 2011) 🌟🌟🌟

El espectador que conoce ya el estilo del director, estará esperando desde el principio de la película, guiños o señales que le indiquen cuál es la verdad entre todo lo que se está viendo en la pantalla.
No le pasarán desapercibidas las miradas de locura de Bruno (un excepcional Nicolas Bro) a su esposa Maxine (Marijana Jankovic), que podrían ser miradas de un amor exacerbado.
Como sin transisión la pareja salta del enamoramiento inicial al desapego, el espectador avisado dirá, claro, esto es lo que el personaje de Bruno imagina, o bien, porqué no el de Maxine.
La pregunta será entonces, ¿quién es la "bestia" que da título al film?. ¿Maxine o Bruno?.
Hay algunas escenas truculentas que parecen escapar de la mente enferma de Bruno, pero como en todas ellas también participa Maxine, ¿podrían provenir de una esquizofrénica Maxine?.
El caracter de Bruno va evolucionando en el transcurso de la película de ser un obsesivo a transformarse en una real bestia movida por sus pasiones más primarias.
Maxine tiene un amante, es un amigo de la pareja, Valdemar (Nicolaj Lie Kaas). Bruno les envía notas a ambos que le hace escribir a un amigo del bar para que se encuentren en una habitación de hotel. Bruno se encarga de pagar la cuenta con anticipación.
Como luego no consigue ningún tipo de confesión por parte de Maxine, su ya pequeño control de sí mismo desaparece y da lugar a un sangriento animal.
Sin embargo hay una intrigante llamada telefónica a su ¿abogado? o ¿agente inmobiliario?, diciendo que quiere ceder todos los derechos de su casa a su esposa Maxine sin que élla lo conozca. ¿Cómo cierra esto con la bestia?.
El desenlace no puede ser otro. La película ha estado caminando con paso firme y preciso hacia él. Sin embargo no deja de impactar.
Excelente performance de los actores, especialmente de Nicolas Bro. La dirección es lo que se espera de Boe y son muy buenas también tanto la dirección de fotografía de Sophia Olsson como la banda de sonido incisiva y elocuente de Sylvain Chauveau.
No es un film fácil para el espectador desprevenido, que aunque no esté buscando la séptima pata del gato, se verá golpeado constantemente por la evolución de los sucesos.
Trailer en danés
Ocho puntos sobre diez para este intrigante thriller fantasmagórico de Christoffer Boe.

martes, 17 de octubre de 2017

Una Pasión Silenciosa (Terence Davies, 2017) 🌟🌟🌟🌟

La vida personal de Emily Dickinson, considerada una de las grandes poetisas estadounidenses, continúa siendo un misterio para sus biógrafos. Nacida el 10 de Diciembre de 1830, desde muy pequeña sintió inclinación hacia la poesía, con la que conviviría por el resto de sus días.
Terence Davies escribe su historia con toda la pasión de la que es capaz y se la contagia a Cynthia Nixon quien interpreta a Emily Dickinson en su adultez.
Hay pocos poemas en el guión, este es uno de los que más me impresionaron:
...Dejamos atrás el sol poniente, mejor dicho él nos dejó atrás.
...El alba se hizo temblorosa y fría.
...Mi vestido era sólo de gasa... mi estola... sólo de tul.
...Nos detuvimos ante una casa que parecía un bulto en la tierra.
...El tejado apenas se veía... la cornisa, hundida en el suelo.
...Desde entonces han pasado siglos, y sin embargo, parece más corto que el momento
...en que presentí que las cabezas de los caballos,
...se dirigían hacia la Eternidad.
Emily describe su propio entierro. Y Terence Davies lleva las imágenes al paroxismo de la melancolía y la belleza.
El film transcurre serenamente a lo largo de la vida de Emily. Los sucesos son los hechos familiares, no hay mucho más que agregar. Sus hermanos, Vinnie (Jennifer Ehle) y Austin (Duncan Duff). Su dulce madre (Joanna Bacon) y su austero padre (Keith Carradine).
Una sensacional escena es el pasaje de los actores juveniles a los intérpretes maduros de los personajes. Tomando como pretexto el posar para una pintura, la imagen se va distorsionando (digitalmente) hasta transformarse en el intérprete adulto. Genial hallazgo del director.
La fotografía es magnífica, de Florian Hoffmeister. Cada escena está iluminada para caber en el marco de un cuadro. El tipo de encuadre e iluminación que son la marca personal de Terence Davies.
La imagen y los diálogos son todo lo que importan. Los cáusticos comentarios de Emily y de su amiga Vryling Buffam (Catherine Bailey) sobre la sociedad en la que les ha tocado vivir. El poema sobre la guerra civil es todavía hoy en día un feroz alegato en favor de la paz y contra la estupidez de la guerra.
No hay momentos vacíos en el film, quizás sí, silencios profundos, porque las escenas se desarrollan a tiempo real y no están contaminadas por la histeria televisiva. Es una película lenta, absolutamente saboreable por los amantes del cine. Pochocleros abstenerse, no la van a poder disfrutar y aún menos podrán disfrutar de los poemas.
Trailer subtitulado en castellano.
 Sensacional la interpretación de Cynthia Nixon. Mueve al personaje desde la dulzura hasta la crueldad más absoluta. Nunca imaginé que pudiera llegar a estos picos de actuación.
Ocho puntos sobre diez para esta genial obra del director británico Terence Davies.

sábado, 14 de octubre de 2017

Personal Shopper (Olivier Assayas, 2016) 🌟🌟🌟

Maureen (Kristen Stewart) trabaja como personal shopper de Kyra (Nora Van Waldstatten), una artista famosa que no dispone de tiempo para seleccionar y comprar el variado guardarropa que su profesión le exige.
Atención espectador. lo de "personal shopper" es una maniobra de distracción por parte del director.
Olivier Assayas quien elaboró argucias semejantes en "Las nubes de Sils Maria". Vuelve a hacerlo, pero con mayor intensidad en esta película.
Las primeras escenas nos muestran a Maureen llegando a una casa en la campaña, donde Lara (Sigrid Bouaziz) le entrega las llaves de la casa y le dice que élla no puede permanecer por motivos emotivos.
Maureen pasará toda la noche en vela, esperando... ¿qué?. Con el correr de la película nos enteraremos que lo que Maureen está esperando es una señal del otro mundo por parte de su hermano Lewis, muerto hace poco tiempo. Los hermanos eran gemelos y estaban muy unidos, sobre todo en la percepción que tenían del mundo de los espíritus. Se juraron que el primero en morir le daría una señal al superviviente.
Maureen viaja a Milán para hacer algunas compras y escucha hablar de una pintora sueca de principios del siglo XX que fue pionera en el arte abstracto. Ella consignó en su testamento que su obra permaneciera oculta al público por 30 años y juraba que eran los espíritus quienes pintaban realmente a través de su mano.
De regreso en París conoce a Ingo (Lars Eidingen) un ex-amante de Kyra, quien comenzará a enviarle extraños mensajes.
El súbito asesinato de Kyra es la gota que rebalsa el vaso de Maureen y la lleva a llamar desesperadamente a su novio que está trabajando en Mascate.
El resto de la película deberá conocerlo el espectador que tenga interés en ver esta inquietante historia de misterio, suspenso y hasta horror que Olivier Assayas creó para deleite de los espectadores inteligentes.
Trailer subtitulado en castellano
Ocho puntos sobre diez para esta interesante realización del cine francés.


jueves, 12 de octubre de 2017

Zama (Lucrecia Martel, 2017) 🌟🌟🌟🌟🌟

"Zama" es una película para los sentidos y para el subconsciente, no para razonar.
Lucrecia Martel tiene bien claro cuál es su objetivo desde su primer película: la humanidad no tiene modo de avanzar porque está literalmente engatusada por su propio laberinto.
No es casualidad que haya elegido esta novela de Antonio Di Benedetto para construir su primer film basado en un texto ajeno. De todos modos Martel escribió el guión y vaya uno a saber cómo adaptó al mundo de sus sueños este texto tan duro de digerir.
Don Diego de Zama (Daniel Giménez Cacho) es un letrado destinado por la corte española a una ciudad colonial sudamericana durante el siglo XVII. La ciudad podría ser Asunción pero no se la nombra en la película.
Esta ciudad se levanta sobre la márgen de un caudaloso río, en paisajes dignos del mejor arte surrealista.
Zama quiere ser trasladado a la ciudad de Lerma (antiguo nombre de la ciudad de Salta, donde nació y se gestó Lucrecia Martel y de donde obtiene toda su imaginería). Debe obtener la aprobación del gobernador (Daniel Veronese) para que este acceda a escribir una carta al rey de España solicitando su traslado.
Aparentemente ese pedido ya ha sido hecho tiempo atrás por Don Diego, pero sin obtener respuesta.
Recibe la visita de su amigo el Oriental, quien viene a la ciudad a ofrecer su producto a la venta, un magnífico brandy aparentemente sin comparación. Pero su amigo trae consigo la muerte, el cólera, del cual van a morir tanto él como su hijo. Hay escenas dignas de Federico Fellini en el hijo transportado sobre una silla a la espalda de un negro que hacen recordar a "Satyricon".
Lo lleva a visitar al ministro de Finanzas pero como no se encuentra es recibido por su esposa, (una magnífica Lola Dueñas, cuya sonrisa nos evoca el mundo de "Alicia"). Doña Luciana Pilares de Luenga, tal el nombre de la "ministra". Ella es una especialista en seducción y encandila totalmente a Don Diego.
Algo trastornado por la visita y por el brandy, inicia una pelea en su casa contra un violador que ataca a las niñas del dueño de la casa donde se hospeda. Está claro que aunque él manifiesta haber hecho huir al delincuente, el novio de una de las niñas huyó por su cuenta mucho antes del ataque de Don Diego. Esta escena está magistralmente armada. Como por otra parte está construído el film.
El espectador quedará hipnotizado en manos de Lucrecia Martel durante las casi dos horas de duración de la película.
El delincuente, violador y ladrón es nada más y nada menos que Vicuña Porto (Mattheus Nachtergaele) cuya identidad secreta es otra y también desconocida. Tal es así que el gobernador adquiere las orejas de Vicuña Porto cortadas después de su ajusticiamiento, en un juego de dados.
No vale la pena que detalle los infortunios que padecerá don Diego de Zama a lo largo de su vida, pero queda claro que siempre creyó en los embustes de la autoridad de turno y cuando le pidieron que embaucara le resultó imposible no decir la verdad y pagó por eso.
Esta es toda mi crónica. Es necesario reconocer el excelente trabajo de producción que debió hacer marchar parejos a los equipos de los diversos países participantes de esta obra de arte. La producción ejecutiva estuvo a cargo de Gael García Bernal y entre la más de una veintena de nombres a cargo de la producción destacan los de la productora "El Deseo" (los hermanos Almodóvar y Esther García) y Julia Solomonoff.
Una mención especial merece el director de sonido. Guido Berenblum. La conversión de sonidos de la época en manos de sintetizadores dan un carácter fantasmagórico a la película, sobre todo los sonidos de gongs.
Hay que destacar tanto la dirección de fotografía a cargo de Rui Poças como la dirección de arte de Renata Pinheiro, que lleva a alturas geniales a toda la filmación.
En cuanto a la banda de sonido, sorprende escuchar a los Indios Tabajaras, música pseudo guaraní, pseudo hawaiana.
Trailer hablado en castellano
Es muy difícil calificar una película cuando sus contenidos son tan ricos que dejan nuestras mentes embelesadas durante mucho tiempo. Decir diez puntos es decir poco.

Reportaje a Lucrecia Martel:
"...lo que decidimos desde el principio fue el uso de sonidos naturales con una cualidad un poco electrónica...
... eliminamos cualquier aparición de fuego o velas y en el trabajo con el sonido evitamos el sonido de carruajes...
... los pregones son inventados. No hay mazamorra caliente...
Luego estuvo la decisión un poco escandalosa, juvenil incluso, de incluir ese sonido de caída permanente que parece tomado de una película de ciencia ficción.
... la música que nunca había usado antes en mis películas. Los Indios Tabajaras tienen algo graciosito, aunque no sé si ellos querían ser graciosos...
En cuanto al trabajo de montaje, Martel detalla que el material en bruto duraba apenas tres horas y el primer corte unas dos, algunos minutos más que la versión final. "Cada uno tiene su teoría, pero no soy larguera. No me interesa hacer películas largas. Zama podría haber sido un pelotazo de tres o cuatro hotas, pero para mí es como un baño de inmersión, si te quedás mucho tiempo en el agua, se te empieza a arrugar la piel.


sábado, 7 de octubre de 2017

Tu nombre (Kimi No Na Wa) (Makoto Shinkai, 2016) 🌟🌟🌟🌟🌟

En sus sueños, Mitsuha se encuentra siendo un muchacho que insiste en acariciarle las tetas. Cuando su hermana la despierta, se escandaliza por ver a Mitsuha sobándose los pechos.
Pero la misma confusión tiene Taki, ya no puede distinguir sus sueños de la realidad y esa chica en la que se convierte en el mundo de los sueños, se le aparece cada vez más asiduamente.
Como una solución para poder continuar con sus vidas, Mitsuha y Taki acuerdan distanciarse.
Pero es que en la realidad no saben en dónde viven cada uno. Mitsuha habita un pueblecito rural al borde de las montañas y Taki en pleno Tokio.
La vida de cada uno de éllos está profundamente subvertida por la presencia tan real del otro en el mundo de sus sueños.
Mitsuha va al colegio donde es una buena alumna. También practica las ceremonias shintoístas junto con su abuela, aunque no la entusiasman mucho. Su padre está metido en política y Mitsuha detesta sus actividades.
Taki ya está en el colegio superior y también trabaja en un restaurant italiano, donde todos los muchachos están detrás de Okudera, la supervisora. A élla le gusta la inocencia de Taki y lo perdido que parece estar en la vida.
Cuando Taki le cuenta de la chica de sus sueños, Okudera lo incita a ir en su búsqueda. Todo lo que Taki posee para ubicar el pueblo, es un dibujo del paisaje montañoso que ha hecho recordando sus sueños.
 En la vida de Mitsuha hace su aparición el cometa Tiamat, que se verá sobre Venus en el cielo nocturno. Se está acercando peligrosamente a la tierra.
Durante la noche se ven cientos de estrellas fugaces.
Cuando Taki viaja a la región donde debería estar el pueblo de Mitsuho, le muestra su dibujo a un muchacho en un bar y este le dice que es un muy buen dibujo de Itomori. Taki le pregunta como puede llegar hasta allí y el muchacho le dice que ya no queda nada del pueblo, porque fue destruído unos años atrás por una sección del cometa Tiamat que cayó sobre el pueblo.
Ya he descripto el nudo de la intriga. Y hasta aquí llegaré.
En una hermosa y sugestiva historia escrita por el mismo Makoto Shinkai, el espectador se va a a ver hipnotizado por un animé de una belleza excepcional. La emotividad de la historia surge de la misma historia, no hay sucesos trágicos ni muertes ni nada que suponga tragedia. La caída del cometa es un hecho más de la naturaleza.
Trailer subtitulado en castellano
Diez puntos sin dudar es mi evaluación sobre esta mágica historia de seres reales pero que viven fuera de la realidad cotidiana y se deslizan por otra dimensión de la naturaleza. La recomiendo fervientemente.


viernes, 29 de septiembre de 2017

El bosque de los sueños (The sea of trees) (Gus Van Sant, 2015) 🌟🌟🌟🌟

Vemos a un hombre que deja su auto a la entrada de un aeropuerto con las llaves puestas y una tarjeta, ¿olvidada o dejada a propósito?.
El hombre embarca con destino a Japón. Llega a Tokyo y sube a un taxi, el taxi lo deja a la entrada de un bosque a los pies del Monte Fuji. Mientras va entrando vemos carteles de advertencia, ¿puede ser que el hombre haya venido hasta Japón solo para suicidarse?.
En paralelo vamos viendo detalles de la vida de Arthur Brennan (Matthew McConaughey), el hombre en cuestión. Enseñando a alumnos del colegio y luego en su casa, discutiendo con su esposa, Joan Brennan (Naomi Watts), que pareciera ser alcohólica.
Se interna en el bosque y traspasa los límites establecidos para los turistas. Más allá está el bosque donde se pierden los suicidas en la base del Monte Fuji.
Se hunde en la espesura y elige un lugar para comenzar a tomar las pastillas que lo envenenarán, pero una sombra llama su atención. Es un hombre japonés, del que más adelante conocerá el nombre, Takumi Nakawara (Ken Watanabe), que después de intentar suicidarse cortándose las venas, vaga perdido por el bosque. Arthur le indica el camino de regreso, pero al poco tiempo lo divisa cerca suyo nuevamente. Entonces se da cuenta de las muñecas heridas. Le improvisa torniquetes con la corbata del hombre y con una manga de su camisa. Y decide ayudarlo a encontrar la salida.
En varios flashbacks vamos entendiendo la relación tormentosa que tenía con su esposa y como era imposible lograr algo de comunicación entre ambos.
En el camino hacia la entrada del bosque, Arthur resbala y cae en una hondonada donde una rama le atraviesa el costado. Ahora es el turno de Takumi de ayudarlo. Le cuenta que perdió su trabajo y que ya no podía mantener a su mujer y a su hija, por eso intentó suicidarse.
Le dice los nombres de ambas y también le canta una canción de "Un americano en París", "Escalera al paraíso" y le dice el nombre en japonés de la canción.
Todos estos datos serán claves al final de la película.
No debo contar más sin entrar de lleno en el núcleo de la película.
Sobre un estupendo guión de Chris Sparling, Gus Van Sant elabora una impecable película donde la trama y la razón de ser de la película se van descubriendo de a poco, como las capas de una cebolla.
A pesar que gran parte de la película consiste en diálogos o monólogos, no se pierde la tensión en ningún momento y si bien, el argumento no apunta a espantar al espectador, todo podría ser un sueño, solo un mal sueño.
Excelentes las actuaciones de los tres protagonistas con un plus para la excelente Naomi Watts. No es un personaje fácil para interpretar y tiene muchos recovecos del espíritu que quedan excelentemente bien plasmados para la película.
El final es totalmente inesperado, aunque haya varias pistas durante el transcurso de la acción y más de un espectador dejará caer algunas lágrimas por la emoción de las revelaciones.
Trailer subtitulado en castellano
Nueve puntos sobre diez, por haber despertado inesperadamente mis emociones. Una excelente película romántica por antonomasia de Gus Van Sant.

domingo, 17 de septiembre de 2017

Yo, Daniel Blake (Ken Loach, 2016) 🌟🌟🌟🌟🌟

Después de sufrir un ataque cardíaco, Daniel Blake (Dave Johns), un carpintero de 59 años, tiene que pelear contra los organismos del estado para conseguir una pensión por invalidez.
Los servicios de atención a los usuarios están tercerizados como está de moda en los gobiernos neo-liberales y es así como Daniel Blake debe contestar un cuestionario ridículo, donde le preguntan si tiene problemas para ponerse un sombrero o para evacuar sus intestinos, pero no por su real problema que es el cardíaco. Como en el cuestionario no llega a sumar los 15 puntos requeridos, la pensión es denegada y debe pasar a un cuarto intermedio hasta tanto lo llamen para poder reclamar el resultado.
En el mismo organismo, Daniel se cruza con Katie (Hayley Squires) una joven mujer con dos hijos a la que no le permiten firmar su requerimiento de asistencia por haber llegado tarde a la cita.
Este es el mapa de situación de esta última película del celebrado director inglés Ken Loach. Como ya es habitual, el guión ha sido escrito por Paul Laverty, con quien también hizo todo el estudio de relevamiento previo a la producción del film.
La película mereció la gran Palma de Oro en el festival de Cannes 2016 y de esta manera, la burguesía se felicita y se queda contenta de su gran amplitud de miras.
Porque "Daniel Blake" es una película donde las aguas se separan claramente mostrando las fisuras que el sistema neo-liberal ha abierto en nuestra sociedad contemporánea.
Como tal es un testimonio patente del estado de indefensión de las clases trabajadoras en un mundo donde los burócratas juegan al tenis.
Como lamentablemente hasta mi país llegó esta ola de "modernización", conozco muy bien todas las trampas y argucias que utilizan las clases dirigentes para privar de soporte a las clases bajas.
Y Ken Loach y Paul Laverty también las conocen muy bien por vivir en un país que fuera destartalado por Margaret Thatcher y los sucesivos gobiernos conservadores.
Para el espectador sensible, "Daniel Blake" es una película que le guste a uno o no, duele en el cuerpo y en el alma. Gente que no tiene siquiera para comer o para alimentar a sus hijos, pero a los que el sistema priva de soporte por haber llegado tarde a una cita.
Extraordinario documento que testifica el abandono del que están siendo objeto millones de personas en las sociedades ampliamente desarrolladas, donde el que quiere puede comprarse un IPhone o una nueva casa en el campo.
Desgarrador trailer
Yo, Daniel Blake, limpieza social
Conferencia de prensa en Cannes 2016
Tengo que dejar de lado mis instintos humanistas para calificar esta película y me resulta muy difícil hacerlo, pero considerando la impecable realización y la notable actuación de los intérpretes, le adjudico diez puntos sobre diez solo por sus valores cinematográficos. Debería agregar unos cien puntos más si tuviera en cuenta sus aspectos humanísticos.

viernes, 15 de septiembre de 2017

Paterson (Jim Jarmusch, 2016) 🌟🌟🌟🌟

Jim Jarmusch es uno, por no decir el mayor, de los directores innovadores en Estados Unidos. Lo descubrí hace algunos años cuando ví "Una noche en la tierra", donde los diferentes episodios de la película se desarrollan en diversos sitios culturales. El episodio italiano es para llorar de la risa.
Sus películas pueden ser más o menos inquietantes, pero seguro que son inovadoras.
Y esta última película de Jim Jarmusch no es la excepción. Estamos hablando de Poesía, sí, con letras mayúsculas. Todo en "Paterson" es poesía.
Los personajes principales son Paterson (Adam Driver, qué tipo tan raro), su mujer Laura (Golshifteh Farahani, una dulzura iraní que debutara a los 14 años en el extraordinario film de Dariush Mehrjui, "El peral") y su perro Marvin (Nellie, a quien se recuerda en los títulos finales).
Paterson es un conductor de autobuses en la ciudad de Paterson, en el estado de New Jersey. Que su nombre coincida con el nombre de la ciudad donde nació y vive es otro de los guiños poéticos de Jim Jarmusch. Los tiempos en la película transcurren durante el curso de una semana, comenzando con el despertar de Paterson el día lunes.
Todo se desarrolla pacíficamente en la vida de este matrimonio. Laura tiene sus sueños de vender pasteles y hacerse millonaria con esa actividad, aunque luego también integra ser cantante country.
Y Paterson, escribe poemas. En un cuadernito con páginas sin rayar.
Los imagina mientras está desayunando y los comienza a escribir mientras espera el horario de salida sentado en su autobus y los sigue escribiendo durante el tiempo de su almuerzo.
Laura le pide que se los recite, pero él bastante tímidamente, rehusa hacerlo y en lugar de eso le recita poemas de William Carlos Williams, otro poeta nacido en Paterson, nada más que en este caso Jim Jarmusch se permite otra licencia poética, William Carlos Williams es real.
En las escenas en que conduce el autobus por la ciudad, el espectador ansioso está esperando que suceda algo dramático, que corte la liviandad de los días de Paterson. Pero no, Paterson observa todos los detalles a su alrededor y se divierte escuchando las conversaciones de los pasajeros.
A la noche, cuando regresa a su casa, siempre tiene que enderezar la casita del correo que aparece ladeada. Luego nos vamos a enterar el porqué en una de las escenas más cómicas de la película.
Después de cenar, Laura le pide que saque a pasear a Marvin y el camino que hace es siempre el mismo y termina con Marvin atado afuera de un bar, donde Paterson entra a tomarse una cerveza y se encuentra con una serie de personajes fantásticos.
Otro guiño de Jim Jarmush es hacia Peter Greenaway. Las líneas de los poemas que imagina Paterson aparecen escritas sobre la pantalla.
El espectador sensible que sabe apreciar la poesía de lo cotidiano va a adorar a Jim Jarmusch y esta película en particular.
Trailer
Nueve puntos sobre diez es mi calificación para esta sensible y sencilla reación de Jim Jarmusch.

domingo, 10 de septiembre de 2017

La correspondencia (Giuseppe Tornatore, 2016) 🌟🌟🌟

En el año 2007, Richard LaGravenese escribió y dirigió una emotiva comedia sobre las vivencias de una mujer después de la muerte de su marido, cuando éste antes de morir ha dejado un montón de huellas para que su mujer lo recuerde. Se llamó "P.S. I love you".
Tomando exactamente el mismo tema, Giuseppe Tornatore escribe y dirige "La correspondencia". Sin tener la identificación estrepitosamente emotiva de los personajes de LaGravenese, pero con mucho más dramatismo y romanticismo que el norteamericano.
La película comienza con una escena de sexo entre dos amantes en un hotel. Son Amy Ryan (una magnífica actuación de Olga Kurylenko) y Ed Phoerum (la habitual solvencia de Jeremy Irons).
Lo que el espectador puede imaginar es que la joven lo está engañando a Ed, se disuelve en pocas escenas cuando se descubre que Ed es un astrónomo importante y que Amy lo conoció por ser estudiante de astrofísica. Hay unas pocas escenas más entre los dos. La más importante un fin de semana en Burgoventoso (Orta San Giulio, lago d'Orta en el Piemonte de Italia), un lugar extraordinariamente hermoso y fuera de lo común en películas de este tipo.
Luego Ed empieza a ser evasivo con Amy. Solo se comunican a través de Skype o de mensajes de texto.
Finalmente, asistiendo a una conferencia que debía dar Ed, Amy se entera de la verdad. Ed ha muerto en Edimburgo a principios de enero. Sin embargo élla ha recibido mensajes de él posteriores a esta fecha. Decide ir a Edimburgo a comprobarlo por sí misma.
Al final se entera en el cementerio, que fue cremado en los primeros días de enero.
De aquí en más la película va a desarrollarse en función de las vivencias ambivalentes de Amy y de los mensajes y regalos que sigue recibiendo de Ed..
Aquí suspendo la narración de la historia porque sino no tendría mucho sentido verla. Demás está decir que el oficio de Tornatore hace mucho por la película. Está excelentemente bien fotografiada y el montaje es realmente exquisito. Hay algunas escenas de película catástrofe, porque Amy también actúa en películas del estilo Hong Kong.
La música, tradicionalmente de Ennio Morricone en las películas de Tornatore, no va a dejar huellas en su historia, pero es muy buena.
Trailer
Una película deliciosa para ver, con una historia semi-repetida y con dos excelentes actores. Siete puntos sobre diez.

Sophie y el sol naciente (Maggie Greenwald, 2016) 🌟🌟🌟

Es conocido que Estados Unidos es un país corroído por los odios raciales. No es necesario politizar demasiado, sino que es cuestión de analizar la historia de sus más de 200 años para encontrar suficientes testimonios.
Por eso es muy interesante cuando el cine se ocupa de retratar la médula de estos problemas con un pequeño ejemplo.
En la película de Maggie Greenwald basada en la novela de Augusta Trobaugh, los hechos se desarrollan en Salty Creek, un pequeño poblado de Carolina del Sur en el año 1941, poco después de haberse desencadenado la guerra mundial en Europa.
A este pueblecito, ya lo dice el refrán, pueblo chico, infierno grande, llega un autobus dejando una carga semiviva sobre un banco en la calle principal.
Las mujeres, siempre las mujeres son las encargadas de meterse en todo lo que sucede, interrogan al muchacho (Takashi Yamaguchi) que está muy malherido y todo lo que le consiguen sonsacar es "Ohta", que pareciera ser su nombre. Lo clasifican como chino y las autoridades piden a Anne Morrison (la gran Margo Martindale), que lo aloje en su casa hasta que se restablezca y pueda continuar su camino a donde quiera que fuese.
Anne se ocupa con gran solicitud de curar las heridas y alimentar al muchacho que parece estar totalmente perdido.
Una vecina de Anne, a la que Anne tiene en gran estima, pasa un día por su casa para interesarse por el estado del chino. Es Sophie Willis (Julianne Nicholson), una mujer que vive sola y que para sobrevivir pesca cangrejos. Obviamente no le teme a la vida y tiene en muy poca estima a los pobladores de Salty Creek.
Se iniciará una relación entre Ohta y Sophie, cuando él vaya a pintar al mismo lugar que elige Sophie para hacer sus cuadros. Es una relación amistosa aunque de desconfianza mutua.
A la casa de Anne se presenta Salomé (Lorraine Toussaint) a pedir empleo como ama de llaves y aunque no tiene referencias, Anne la contrata a prueba.
Este personaje pasará a ser el enlace de las diferentes situaciones que se desarrollen en más en la película.
A medida que Ohta mejora se empieza a ocupar del jardín de Anne y lo convierte en un paraíso.
Pero sucede el bombardeo a Pearl Harbor por parte de los japoneses y la entrada en guerra de los Estados Unidos.
El chino de Anne Morrison es el enemigo para el pueblo y Anne le recomienda que no salga de la casa. Su enemiga número uno es Ruth Jeffers (Diane Ladd) quien cuida a su esposo inválido y en los ratos libres se dedica a meterse en la vida de la gente, especialmente criticando la de Sophie.
La relación entre Ohta y Sophie va convirtiéndose en romance. Hay unos flashbacks que nos muestran como Sophie fue castigada de niña por tener una amiga de color.
Como podemos ver, ya están todos los ingredientes mezclados y el detonador pasa a ser cuando alguien ve a Ohta y Sophie besándose en el lugar donde pintan y Ruth Jeffers se encarga de divulgarlo a todo el pueblo.
Ohta, cuyo nombre es Grover, le confiesa a Sophie que no es chino, sino de familia japonesa, pero nacido en California. Sophie le sugiere que no se lo diga a nadie más.
La película, aunque de tintes muy románticos, no hace demasiado hincapié en la relación amorosa entre Grover y Sophie, sino que pinta con vivos colores el odio racial que llena las vidas de los habitantes de este pequeño pueblo.
Con buenas actuaciones, sobre todo la de Margo Martindale a quien el espectador avezado recordará como la cartera en una de las historias, la más emotiva quizás, de "París, je t'aime", la película se define como un excelente intento de retratar el problema subyacente en gran parte de la población de Estados Unidos. No tiene violencia, aunque hay algunas escenas que son muestras de la violencia cotidiana, por ejemplo la irrupción del comisario del pueblo en la casa de Sophie.
Trailer
Siete puntos sobre diez es mi calificación para este interesante film que fuera seleccionado para el Festival de Cine de Sundance, el más interesante de todos los que se celebran en Estados Unidos.




jueves, 7 de septiembre de 2017

Toni Erdmann (Maren Ade, 2016) 🌟🌟🌟🌟

Maren Ade, una joven directora alemana, escribió y dirigió esta extraña comedia que por azar de los azares se volvió un éxito total para los cines de culto.
Describe en tiempo casi real, la historia de Ines Conradi (Sandra Hüller), una joven ejecutiva totalmente absorvida por su trabajo, que consiste en asesorar empresas para conseguir la tercerización de los servicios principales. Esto es trasladar a países del este europeo los costos de mano de obra.
Como consultora es quien pone la cara para los trabajadores que resulten despedidos.
Está trabajando en Bucarest, pero hace un viaje relámpago a Alemania donde aprovecha para visitar a su madre y allí se cruza con su padre Winfried (Peter Simonischeck). Este personaje es quien inicia la película, haciéndole una broma al hombre del correo que le lleva una caja para entregar, haciéndose pasar por su hermano Toni del que dice, recién acaba de salir de la cárcel donde estuvo por enviar cartas bomba.
Cuando se cruza con Ines en la casa de su mujer, está pintado de zombi por haber participado en un número musical en un colegio. El argumento no explica las razones.
Para ir tuvo que dejar a su anciano y ciego perro Willi en la casa de su madre, que está tan vieja como el perro. Le dice a Ines que vaya a ver a su abuela, pero élla ya no dispone de tiempo y tiene que tomar el vuelo de regreso a Bucarest.
Un buen día, Winfried se aparece por el departamento de Ines en Bucarest. Le dice que era hora de que se tomara vacaciones. La relación entre padre e hija es más bien tirante. Ella solo encuentra interés en las reuniones y presentaciones que debe llevar a cabo por su trabajo y él insiste en hacerle chistes y bromas que descolocan a ambos. Cada uno continúa haciendo su rutina de vida diaria sin tener en cuenta al otro.
Finalmente Winfried, luego de algunas metidas de pata, anuncia que regresa y efectivamente Ines lo ve subir a un taxi.
Pero al día siguiente reaparece en un cocktail de su trabajo vestido con una peluca y unos dientes postizos y diciendo que es Toni Erdmann, coaching de importantes figuras, entre ellas del dueño de la empresa que su hija está tratando de tercerizar.
De allí en adelante, Toni va a interferir pasivamente en todas las actividades de su hija, buscando el modo de restablecer sus vínculos afectivos.
El espectador va a disfrutar de las desenfadadas actuaciones de Toni Erdmann y las reacciones de su hija Ines, pero la más brillante de todas es cuando aparece vestido con una máscara búlgara en la fiesta nudista de cumpleaños de Ines. Dejo ese traje abierto a la intriga del lector.
Simpática, humana y ferozmente satírica de las relaciones humanas en nuestra vida cotidiana, "Toni Erdmann" es uno de los mejores descubrimientos que el espectador inteligente puede hacer en el mundo del cine.
Muy acertada la elección de los principales intérpretes porque con ellos los personajes cobran vida verdadera.
Trailer subtitulado en castellano
Un abrazo en el parque
Mi puntuación, antes que varíe mi opinión, es de nueve puntos sobre diez.

miércoles, 6 de septiembre de 2017

Animales nocturnos (Tom Ford, 2016) 🌟🌟🌟🌟

Este tipo de películas, thriller, tiempos imprecisos, memorias que no son tales, crímenes violentos, consiguen dejarme en trance. Aún tengo la pantalla de mi mente llena de imágenes que van y vienen superponiéndose.
Es la segunda película que dirige Tom Ford cuya profesión es realmente diseñador de modas.
La primera la realizó hace ocho años y se llamó "A single man", (Un hombre soltero), donde Colin Firth interpretaba a un hombre cuya pareja gay había muerto recientemente. También es una maravilla de memorias, recuerdos y que sigue los vericuetos de una mente dolorida que no puede reponerse de una gran conmoción.
En "Animales nocturnos" encontramos a Susan (Amy Adams), una realizadora de arte, cuyo marido la engaña y élla se entera al poco tiempo de comenzar la película. Susan recibe por correo el draft de la novela que ha escrito su ex-marido Edward Sheffield (Jake Gyllenhaal). La novela se titula "Animales nocturnos" y en algún pasaje Susan va a reconocer que Edward decía que élla era un animal nocturno, La novela le está dedicada.
Susan que se ha quedado sola el fin de semana por un presunto viaje de negocios de su marido, en otra secuencia veremos qué tipo de negocios y Susan se enterará también por casualidad de su infidelidad, se dispone a leer la novela.
Inmediatamente la imagen en la película se transforma en la novela, donde el auto de Tony Hastings, al que la mente de Susan imagina como Edward, es embestido por un auto conducido por tres delincuentes. Las escenas se tornan muy violentas, el espectador debe recordar que esa no es la película sino la novela que lee Susan.
Bobby Andes (Michael Shannon) es el inspector de policía que se encargará de llevar adelante la investigación de los sucesos. Es un hombre consumido por el cáncer que sabe que va a morir muy pronto. Otra vez, espectador, recordar que esto sucede en la novela que Susan está leyendo en la película de Tom Ford.
Quien no se haya confundido con este último párrafo está preparado para ver este film y disfrutarlo del principio a fin.
Excelentes actuaciones de Amy Adams, Jake Gyllenhaal y Michael Shannon. En un pequeño papel, el de la madre de Susan, aparece Laura Linney cuya mirada es absolutamente inconfudible.
También es excelente la actuación de Aaron Taylor-Johnson, personificando a Ray Marcus, uno de los delincuentes psicópatas.
La música de Abel Korzeniowski es realmente impactante y muy buena la dirección de fotografía de Seamus McGarvey, sobre todo en las escenas nocturnas y del amanecer en el desierto.
Trailer subtitulado en castellano.
Nueve puntos sobre diez para un inolvidable film de Tom Ford.

lunes, 4 de septiembre de 2017

La llegada (Denis Villeneuve, 2016) 🌟🌟🌟🌟🌟

Louise Banks (Amy Adams) está por dar comienzo a su clase de Lingüística refiriéndose a los orígenes del portugués en el reino de Galicia, cuando una de las poquísimas alumnas asistentes le pide si por favor puede encender el televisor en un canal de noticias.
Una extraña nave ha descendido hace 40 minutos en Montana, aún no se sabe de qué origen es. Luego mencionan que similares descensos se han informado en China, 2 en Rusia, Pakistán, Venezuela, Australia, un total de 12 naves han descendido sobre la tierra.
La clase se suspende y Louise vuelve a su casa cruzando los vacíos jardines universitarios.
En su casa, los recuerdos de su hija vuelven a su mente. Recuerdos que quizás no pertenezcan al pasado, pero que dejan a Louise absolutamente estupefacta.
El teléfono la saca de su meditación. Es su madre preguntándole qué tiene que hacer. "Mamá, cuántas veces te he dicho que no mires ese canal de noticias".
"Tras los sucesos del martes, el presidente declaró el estado de emergencia y ha enviado 5000 guardias al estado de Montana. Siguen aumentando las compras de combustible, agua y comida."
Al amanecer Louise despierta por un gran ruido y luces en el jardín de su casa. Es el Coronel G.T. Weber (Forest Whitaker) quien viene en búsqueda de la doctora Banks. "hace dos años usted hizo unas traducciones de farsi para el ejército que acabaron rápidamente con los insurgentes", "ustedes acabaron con los insurgentes" aclara la doctora Banks. "Usted encabeza la lista de traductores y aún tiene dos años en el SSBI por lo que tiene acceso a archivos de alto secreto. Quiero que me traduzca algo. Y el coronel reproduce un audio en su notebook donde se escucha a alguien preguntar "Porqué están aquí", "Nos pueden entender", "De donde vinieron". Las respuestas parecen ser unos extraños ruidos sin ninguna conexión. La doctora pregunta, ¿cuántos hablan?, dos contesta el coronel. "¿Como empezaría a traducir esto?", "es imposible traducir desde un archivo de audio" contesta la doctora.
Y es así como es trasladada en un helicóptero por el ejército a la base en Montana, cerca de donde la nave ha descendido. Junto con élla viaja el Dr. Ian Donnelly (Jeremy Renner) físico y matemático.
Basada en el relato "Story of your life" de Ted Chiang trasladado al guión cinematográfico por Eric Heisserer, Denis Villeneuve hace que el cine evolucione una vez más en la búsqueda de una verdad cosmogónica.
Desde "2001, Odisea del Espacio", que no encontrábamos en la historia cinematográfica un relato tan profundo de las motivaciones de la mente y sus juegos con el tiempo y el espacio.
Es impecable como se han resuelto los mil y un inconvenientes que una película de ciencia ficción implica. Desde el acceso a la nave interplanetaria hasta el contacto con los aliens. La capacidad de Ted Chiang en Xenolingüística hace que todo el relato cobre veracidad. Desde el corazón de los problemas humanos frente a lo desconocido, hasta la gramática del lenguaje de los alien.
Es una película sobria y lenta, donde los efectos especiales están reducidos a su mínima expresión, pero donde todo lo que se narra pareciera estar surgiendo de la realidad.
Puede que no todos los espectadores puedan llegar a comprender del todo los profundos significados de esta película salvo si liberan su intuición, pero todos van a comprender su desarrollo. Aunque el final, que es el principio, los desconcierte.
Trailer
La verdad oculta tras la película
Exepcional la banda de sonido de Johan Johanssonn y muy buenos todos los aspectos técnicos del film. Diez puntos quedan cortos para puntuar mi comprensión de los efectos de este film, que aún andan trabajando por mi cabeza.

martes, 29 de agosto de 2017

Metamorfosis (Christophe Honore, 2014) 🌟🌟🌟

"Las Metamorfosis" es un poema en 15 libros del poeta romano Ovidio. Cuenta la historia del mundo desde su creación hasta la deificación de Julio César combinando con absoluta libertad la mitología con la historia. Fue terminado en el año 8 de nuestra era.
Christophe Honoré elige algunas de las historias para dibujar en una película el mundo mitológico griego trasladado a personas de nuestros días, pero no demasiado.
Las diferentes historias tienen como hilo conductor a la joven Europa (Amira Akili). En la primera de las historias vemos como Júpiter (Sebastien Hirel) le cuenta la historia de la seducción de Io (Coralie Rouet) y como, para ocultarla de la celosa Juno (Melodie Richard), la convierte en una dulce vaca.
Juno, que no tiene un pelo de tonta, decide regalar la vaca a Argos (Vincent Massimino) el de los 1000 ojos y Júpiter para rescatar a Io debe matar a Argos. Cuando Juno lo descubre muerto, toma todos sus ojos y los arroja al aire y se convierten en la cola de un pavo real.
En las siguientes historias, Europa se va a cruzar con Baco (Damien Chapelle) y con las violentas bacantes, quienes matan todo a su paso y por último con el poeta Orfeo (George Babluani), la persecución de sus discípulos y su descenso a los infiernos en búsqueda de su amada.
Hay muchas historias hilvanadas con el método de las Mil y Una Noches, o sea que no termina una historia porque da comienzo la próxima.
Así por la película desfilarán Narciso (Arthur Jacquin), Hermafrodito (Julien Antonini) y Atalante (Vimala Pons) entre muchos otros.
Las historias tienen como marco escenográfico un extenso bosque del tipo de la foresta griega y los actores se mueven de uno a otro escenario de modo absolutamente espontáneo.
Un encantador divertimento para el espectador que ame la mitología griega y le guste el cine de Christophe Honoré, ya que su ambientación con personas actuales le agrega un poco de magia a los personajes y le quita el acartonamiento de las leyendas.
Trailer (hablado en francés)
Siete puntos sobre diez para esta interesante y diferente producción francesa.

Largo Domingo de Noviazgo (Jean-Pierre Jeunet, 2004) 🌟🌟🌟🌟🌟

Sobre la novela de Sebastien Japrisot y con guión propio y de Guillaume Laurant, Jean-Pierre Jeunet construye en su peculiar estilo de ritmo y cinematografía, un excepcional film que quedará en la memoria de todos cuantos hayan tenido oportunidad de verlo.
Jean-Pierre Jeunet ("Amelie", "Delicatessen", entre otras) elige a su actriz favorita, Audrey Tatou, para personificar a Mathilde y su hermosa y desgarrante historia de amor.
Huérfana a muy corta edad, 5 años, porque sus padres murieron en el "accidente del autobus 44", así tal como lo menciona la película fue criada por sus tíos (Dominique Pinon y Chantal Neuwirth). Luego tuvo poliomelitis lo que le costó una cojera permanente y una pierna casi totalmente inmóvil.
Pero la película comienza contándonos de como el sábado 6 de enero de 1917, cinco soldados condenados a muerte fueron escoltados por las trincheras al frente del Somne.
El primero, 2124, era carpintero y lo llamaban Bastoche (Jerome Kircher) y estaba enamorado de una bonita pelirroja,  Veronique Passavant (Julie Depardieu). El segundo, 4077, había sido soldador de los trenes estatales y lo apodaban Six-Sous (Denis Lavant). El tercero, Benoit Notre-Dame (Clovis Cornillac) era un campesino de Dordoña y había matado a un oficial porque pateaba a los muertos aunque nadie se enteró nunca. El cuarto, número 7328, había sido reclutado en Córcega y se llamaba Ange Bassignano (Dominique Bettenfeld) y según todos los que lo conocían no era ningún ángel. Tina Lombardi (Marion Cotillard) había trabajado para él de puta. Lo habían condenado a cinco años de prisión. En 1916 le dieron a elegir entre seguir preso o ir al frente. El quinto, era un "neguillon", apodo que les asignaban a los de su generación. Cumplía 20 años y estaba totalmente aterrorizado desde que una bomba estalló frente a él y lo regó con los restos del soldado con el que había estado hablando. Este último era Manech (Gaspard Ulliel) con quien Mathilde estaba comprometida.
Todos estaban condenados a muerte por haber atentado contra sí mismos para provocar la baja del ejército.
La condena era largarlos fuera de las trincheras al territorio conocido como la tierra de nadie, entre las trincheras francesas y alemanas y que murieran como perros.
Mathilde no se resigna a pensar que Manech pueda haber muerto y en 1920 recibe una carta de una monja del hospital de Rennes, donde le dice que un paciente quiere verla. Es el cabo que escoltó a los condenados hasta la trinchera conocida como Bingo Crepuscular. Celestin Poux (Albert Dupontel), le entrega a Mathilde una caja conteniendo cartas y fotos de los condenados para que las haga llegar a sus familiares. También le cuenta que un cabo, Benjamín Gordes (Jean-Pierre Darrousin) abrazó a Bastoche y lo obligó a quitarse las botas alemanas que usaba para que los alemanes no lo acusaran de matar a un alemán. La mujer de Gordes (Jodie Foster), debería saber sobre éllos.
Leyendo las cartas Mthilde se convence aún más de que Manech no está muerto y con la ayuda de su albacea Pierre-Marie (André Dussolier) y a pesar de la oposición de sus tíos, viaja a Paris para buscar entre los documentos del ejército alguna pista sobre el destino de Manech. También decide contratar a un detective privado Germain Pire (Ticky Holgado) para que encuentre a los familiares.
Al mismo tiempo, Tina Lombardi, se hace cargo de asesinar a todos los que fueron responsables de la muerte de su querido corso.
Con todos estos actores y todas estas historias entrelazadas, Jean-Pierre Jeunet construye una epopeya inconmensurable sobre el horror de la guerra y el poder del amor.
La música de Angelo Badalamenti pone el condimento exquisito para convertir a este film en uno de los más hermosos que se hayan visto. Pero por sobre todas las cosas, es el arte inigualable de Jean-Pierre Jeunet quien construye esta genial película.
Trailer doblado al castellano
Diez puntos sobre diez para "Largo domingo de noviazgo" y espero que los posibles espectadores disfruten realmente de esta hermosa historia de amor y horror.