El bosque de los sueños (The sea of trees) (Gus Van Sant, 2015) 🌟🌟🌟🌟

Vemos a un hombre que deja su auto a la entrada de un aeropuerto con las llaves puestas y una tarjeta, ¿olvidada o dejada a propósito?.
El hombre embarca con destino a Japón. Llega a Tokyo y sube a un taxi, el taxi lo deja a la entrada de un bosque a los pies del Monte Fuji. Mientras va entrando vemos carteles de advertencia, ¿puede ser que el hombre haya venido hasta Japón solo para suicidarse?.
En paralelo vamos viendo detalles de la vida de Arthur Brennan (Matthew McConaughey), el hombre en cuestión. Enseñando a alumnos del colegio y luego en su casa, discutiendo con su esposa, Joan Brennan (Naomi Watts), que pareciera ser alcohólica.
Se interna en el bosque y traspasa los límites establecidos para los turistas. Más allá está el bosque donde se pierden los suicidas en la base del Monte Fuji.
Se hunde en la espesura y elige un lugar para comenzar a tomar las pastillas que lo envenenarán, pero una sombra llama su atención. Es un hombre japonés, del que más adelante conocerá el nombre, Takumi Nakawara (Ken Watanabe), que después de intentar suicidarse cortándose las venas, vaga perdido por el bosque. Arthur le indica el camino de regreso, pero al poco tiempo lo divisa cerca suyo nuevamente. Entonces se da cuenta de las muñecas heridas. Le improvisa torniquetes con la corbata del hombre y con una manga de su camisa. Y decide ayudarlo a encontrar la salida.
En varios flashbacks vamos entendiendo la relación tormentosa que tenía con su esposa y como era imposible lograr algo de comunicación entre ambos.
En el camino hacia la entrada del bosque, Arthur resbala y cae en una hondonada donde una rama le atraviesa el costado. Ahora es el turno de Takumi de ayudarlo. Le cuenta que perdió su trabajo y que ya no podía mantener a su mujer y a su hija, por eso intentó suicidarse.
Le dice los nombres de ambas y también le canta una canción de "Un americano en París", "Escalera al paraíso" y le dice el nombre en japonés de la canción.
Todos estos datos serán claves al final de la película.
No debo contar más sin entrar de lleno en el núcleo de la película.
Sobre un estupendo guión de Chris Sparling, Gus Van Sant elabora una impecable película donde la trama y la razón de ser de la película se van descubriendo de a poco, como las capas de una cebolla.
A pesar que gran parte de la película consiste en diálogos o monólogos, no se pierde la tensión en ningún momento y si bien, el argumento no apunta a espantar al espectador, todo podría ser un sueño, solo un mal sueño.
Excelentes las actuaciones de los tres protagonistas con un plus para la excelente Naomi Watts. No es un personaje fácil para interpretar y tiene muchos recovecos del espíritu que quedan excelentemente bien plasmados para la película.
El final es totalmente inesperado, aunque haya varias pistas durante el transcurso de la acción y más de un espectador dejará caer algunas lágrimas por la emoción de las revelaciones.
Trailer subtitulado en castellano
Nueve puntos sobre diez, por haber despertado inesperadamente mis emociones. Una excelente película romántica por antonomasia de Gus Van Sant.

Yo, Daniel Blake (Ken Loach, 2016) 🌟🌟🌟🌟🌟

Después de sufrir un ataque cardíaco, Daniel Blake (Dave Johns), un carpintero de 59 años, tiene que pelear contra los organismos del estado para conseguir una pensión por invalidez.
Los servicios de atención a los usuarios están tercerizados como está de moda en los gobiernos neo-liberales y es así como Daniel Blake debe contestar un cuestionario ridículo, donde le preguntan si tiene problemas para ponerse un sombrero o para evacuar sus intestinos, pero no por su real problema que es el cardíaco. Como en el cuestionario no llega a sumar los 15 puntos requeridos, la pensión es denegada y debe pasar a un cuarto intermedio hasta tanto lo llamen para poder reclamar el resultado.
En el mismo organismo, Daniel se cruza con Katie (Hayley Squires) una joven mujer con dos hijos a la que no le permiten firmar su requerimiento de asistencia por haber llegado tarde a la cita.
Este es el mapa de situación de esta última película del celebrado director inglés Ken Loach. Como ya es habitual, el guión ha sido escrito por Paul Laverty, con quien también hizo todo el estudio de relevamiento previo a la producción del film.
La película mereció la gran Palma de Oro en el festival de Cannes 2016 y de esta manera, la burguesía se felicita y se queda contenta de su gran amplitud de miras.
Porque "Daniel Blake" es una película donde las aguas se separan claramente mostrando las fisuras que el sistema neo-liberal ha abierto en nuestra sociedad contemporánea.
Como tal es un testimonio patente del estado de indefensión de las clases trabajadoras en un mundo donde los burócratas juegan al tenis.
Como lamentablemente hasta mi país llegó esta ola de "modernización", conozco muy bien todas las trampas y argucias que utilizan las clases dirigentes para privar de soporte a las clases bajas.
Y Ken Loach y Paul Laverty también las conocen muy bien por vivir en un país que fuera destartalado por Margaret Thatcher y los sucesivos gobiernos conservadores.
Para el espectador sensible, "Daniel Blake" es una película que le guste a uno o no, duele en el cuerpo y en el alma. Gente que no tiene siquiera para comer o para alimentar a sus hijos, pero a los que el sistema priva de soporte por haber llegado tarde a una cita.
Extraordinario documento que testifica el abandono del que están siendo objeto millones de personas en las sociedades ampliamente desarrolladas, donde el que quiere puede comprarse un IPhone o una nueva casa en el campo.
Desgarrador trailer
Yo, Daniel Blake, limpieza social
Conferencia de prensa en Cannes 2016
Tengo que dejar de lado mis instintos humanistas para calificar esta película y me resulta muy difícil hacerlo, pero considerando la impecable realización y la notable actuación de los intérpretes, le adjudico diez puntos sobre diez solo por sus valores cinematográficos. Debería agregar unos cien puntos más si tuviera en cuenta sus aspectos humanísticos.

Paterson (Jim Jarmusch, 2016) 🌟🌟🌟🌟

Jim Jarmusch es uno, por no decir el mayor, de los directores innovadores en Estados Unidos. Lo descubrí hace algunos años cuando ví "Una noche en la tierra", donde los diferentes episodios de la película se desarrollan en diversos sitios culturales. El episodio italiano es para llorar de la risa.
Sus películas pueden ser más o menos inquietantes, pero seguro que son inovadoras.
Y esta última película de Jim Jarmusch no es la excepción. Estamos hablando de Poesía, sí, con letras mayúsculas. Todo en "Paterson" es poesía.
Los personajes principales son Paterson (Adam Driver, qué tipo tan raro), su mujer Laura (Golshifteh Farahani, una dulzura iraní que debutara a los 14 años en el extraordinario film de Dariush Mehrjui, "El peral") y su perro Marvin (Nellie, a quien se recuerda en los títulos finales).
Paterson es un conductor de autobuses en la ciudad de Paterson, en el estado de New Jersey. Que su nombre coincida con el nombre de la ciudad donde nació y vive es otro de los guiños poéticos de Jim Jarmusch. Los tiempos en la película transcurren durante el curso de una semana, comenzando con el despertar de Paterson el día lunes.
Todo se desarrolla pacíficamente en la vida de este matrimonio. Laura tiene sus sueños de vender pasteles y hacerse millonaria con esa actividad, aunque luego también integra ser cantante country.
Y Paterson, escribe poemas. En un cuadernito con páginas sin rayar.
Los imagina mientras está desayunando y los comienza a escribir mientras espera el horario de salida sentado en su autobus y los sigue escribiendo durante el tiempo de su almuerzo.
Laura le pide que se los recite, pero él bastante tímidamente, rehusa hacerlo y en lugar de eso le recita poemas de William Carlos Williams, otro poeta nacido en Paterson, nada más que en este caso Jim Jarmusch se permite otra licencia poética, William Carlos Williams es real.
En las escenas en que conduce el autobus por la ciudad, el espectador ansioso está esperando que suceda algo dramático, que corte la liviandad de los días de Paterson. Pero no, Paterson observa todos los detalles a su alrededor y se divierte escuchando las conversaciones de los pasajeros.
A la noche, cuando regresa a su casa, siempre tiene que enderezar la casita del correo que aparece ladeada. Luego nos vamos a enterar el porqué en una de las escenas más cómicas de la película.
Después de cenar, Laura le pide que saque a pasear a Marvin y el camino que hace es siempre el mismo y termina con Marvin atado afuera de un bar, donde Paterson entra a tomarse una cerveza y se encuentra con una serie de personajes fantásticos.
Otro guiño de Jim Jarmush es hacia Peter Greenaway. Las líneas de los poemas que imagina Paterson aparecen escritas sobre la pantalla.
El espectador sensible que sabe apreciar la poesía de lo cotidiano va a adorar a Jim Jarmusch y esta película en particular.
Trailer
Nueve puntos sobre diez es mi calificación para esta sensible y sencilla reación de Jim Jarmusch.

La correspondencia (Giuseppe Tornatore, 2016) 🌟🌟🌟

En el año 2007, Richard LaGravenese escribió y dirigió una emotiva comedia sobre las vivencias de una mujer después de la muerte de su marido, cuando éste antes de morir ha dejado un montón de huellas para que su mujer lo recuerde. Se llamó "P.S. I love you".
Tomando exactamente el mismo tema, Giuseppe Tornatore escribe y dirige "La correspondencia". Sin tener la identificación estrepitosamente emotiva de los personajes de LaGravenese, pero con mucho más dramatismo y romanticismo que el norteamericano.
La película comienza con una escena de sexo entre dos amantes en un hotel. Son Amy Ryan (una magnífica actuación de Olga Kurylenko) y Ed Phoerum (la habitual solvencia de Jeremy Irons).
Lo que el espectador puede imaginar es que la joven lo está engañando a Ed, se disuelve en pocas escenas cuando se descubre que Ed es un astrónomo importante y que Amy lo conoció por ser estudiante de astrofísica. Hay unas pocas escenas más entre los dos. La más importante un fin de semana en Burgoventoso (Orta San Giulio, lago d'Orta en el Piemonte de Italia), un lugar extraordinariamente hermoso y fuera de lo común en películas de este tipo.
Luego Ed empieza a ser evasivo con Amy. Solo se comunican a través de Skype o de mensajes de texto.
Finalmente, asistiendo a una conferencia que debía dar Ed, Amy se entera de la verdad. Ed ha muerto en Edimburgo a principios de enero. Sin embargo élla ha recibido mensajes de él posteriores a esta fecha. Decide ir a Edimburgo a comprobarlo por sí misma.
Al final se entera en el cementerio, que fue cremado en los primeros días de enero.
De aquí en más la película va a desarrollarse en función de las vivencias ambivalentes de Amy y de los mensajes y regalos que sigue recibiendo de Ed..
Aquí suspendo la narración de la historia porque sino no tendría mucho sentido verla. Demás está decir que el oficio de Tornatore hace mucho por la película. Está excelentemente bien fotografiada y el montaje es realmente exquisito. Hay algunas escenas de película catástrofe, porque Amy también actúa en películas del estilo Hong Kong.
La música, tradicionalmente de Ennio Morricone en las películas de Tornatore, no va a dejar huellas en su historia, pero es muy buena.
Trailer
Una película deliciosa para ver, con una historia semi-repetida y con dos excelentes actores. Siete puntos sobre diez.

Sophie y el sol naciente (Maggie Greenwald, 2016) 🌟🌟🌟

Es conocido que Estados Unidos es un país corroído por los odios raciales. No es necesario politizar demasiado, sino que es cuestión de analizar la historia de sus más de 200 años para encontrar suficientes testimonios.
Por eso es muy interesante cuando el cine se ocupa de retratar la médula de estos problemas con un pequeño ejemplo.
En la película de Maggie Greenwald basada en la novela de Augusta Trobaugh, los hechos se desarrollan en Salty Creek, un pequeño poblado de Carolina del Sur en el año 1941, poco después de haberse desencadenado la guerra mundial en Europa.
A este pueblecito, ya lo dice el refrán, pueblo chico, infierno grande, llega un autobus dejando una carga semiviva sobre un banco en la calle principal.
Las mujeres, siempre las mujeres son las encargadas de meterse en todo lo que sucede, interrogan al muchacho (Takashi Yamaguchi) que está muy malherido y todo lo que le consiguen sonsacar es "Ohta", que pareciera ser su nombre. Lo clasifican como chino y las autoridades piden a Anne Morrison (la gran Margo Martindale), que lo aloje en su casa hasta que se restablezca y pueda continuar su camino a donde quiera que fuese.
Anne se ocupa con gran solicitud de curar las heridas y alimentar al muchacho que parece estar totalmente perdido.
Una vecina de Anne, a la que Anne tiene en gran estima, pasa un día por su casa para interesarse por el estado del chino. Es Sophie Willis (Julianne Nicholson), una mujer que vive sola y que para sobrevivir pesca cangrejos. Obviamente no le teme a la vida y tiene en muy poca estima a los pobladores de Salty Creek.
Se iniciará una relación entre Ohta y Sophie, cuando él vaya a pintar al mismo lugar que elige Sophie para hacer sus cuadros. Es una relación amistosa aunque de desconfianza mutua.
A la casa de Anne se presenta Salomé (Lorraine Toussaint) a pedir empleo como ama de llaves y aunque no tiene referencias, Anne la contrata a prueba.
Este personaje pasará a ser el enlace de las diferentes situaciones que se desarrollen en más en la película.
A medida que Ohta mejora se empieza a ocupar del jardín de Anne y lo convierte en un paraíso.
Pero sucede el bombardeo a Pearl Harbor por parte de los japoneses y la entrada en guerra de los Estados Unidos.
El chino de Anne Morrison es el enemigo para el pueblo y Anne le recomienda que no salga de la casa. Su enemiga número uno es Ruth Jeffers (Diane Ladd) quien cuida a su esposo inválido y en los ratos libres se dedica a meterse en la vida de la gente, especialmente criticando la de Sophie.
La relación entre Ohta y Sophie va convirtiéndose en romance. Hay unos flashbacks que nos muestran como Sophie fue castigada de niña por tener una amiga de color.
Como podemos ver, ya están todos los ingredientes mezclados y el detonador pasa a ser cuando alguien ve a Ohta y Sophie besándose en el lugar donde pintan y Ruth Jeffers se encarga de divulgarlo a todo el pueblo.
Ohta, cuyo nombre es Grover, le confiesa a Sophie que no es chino, sino de familia japonesa, pero nacido en California. Sophie le sugiere que no se lo diga a nadie más.
La película, aunque de tintes muy románticos, no hace demasiado hincapié en la relación amorosa entre Grover y Sophie, sino que pinta con vivos colores el odio racial que llena las vidas de los habitantes de este pequeño pueblo.
Con buenas actuaciones, sobre todo la de Margo Martindale a quien el espectador avezado recordará como la cartera en una de las historias, la más emotiva quizás, de "París, je t'aime", la película se define como un excelente intento de retratar el problema subyacente en gran parte de la población de Estados Unidos. No tiene violencia, aunque hay algunas escenas que son muestras de la violencia cotidiana, por ejemplo la irrupción del comisario del pueblo en la casa de Sophie.
Trailer
Siete puntos sobre diez es mi calificación para este interesante film que fuera seleccionado para el Festival de Cine de Sundance, el más interesante de todos los que se celebran en Estados Unidos.

Toni Erdmann (Maren Ade, 2016) 🌟🌟🌟🌟

Maren Ade, una joven directora alemana, escribió y dirigió esta extraña comedia que por azar de los azares se volvió un éxito total para los cines de culto.
Describe en tiempo casi real, la historia de Ines Conradi (Sandra Hüller), una joven ejecutiva totalmente absorvida por su trabajo, que consiste en asesorar empresas para conseguir la tercerización de los servicios principales. Esto es trasladar a países del este europeo los costos de mano de obra.
Como consultora es quien pone la cara para los trabajadores que resulten despedidos.
Está trabajando en Bucarest, pero hace un viaje relámpago a Alemania donde aprovecha para visitar a su madre y allí se cruza con su padre Winfried (Peter Simonischeck). Este personaje es quien inicia la película, haciéndole una broma al hombre del correo que le lleva una caja para entregar, haciéndose pasar por su hermano Toni del que dice, recién acaba de salir de la cárcel donde estuvo por enviar cartas bomba.
Cuando se cruza con Ines en la casa de su mujer, está pintado de zombi por haber participado en un número musical en un colegio. El argumento no explica las razones.
Para ir tuvo que dejar a su anciano y ciego perro Willi en la casa de su madre, que está tan vieja como el perro. Le dice a Ines que vaya a ver a su abuela, pero élla ya no dispone de tiempo y tiene que tomar el vuelo de regreso a Bucarest.
Un buen día, Winfried se aparece por el departamento de Ines en Bucarest. Le dice que era hora de que se tomara vacaciones. La relación entre padre e hija es más bien tirante. Ella solo encuentra interés en las reuniones y presentaciones que debe llevar a cabo por su trabajo y él insiste en hacerle chistes y bromas que descolocan a ambos. Cada uno continúa haciendo su rutina de vida diaria sin tener en cuenta al otro.
Finalmente Winfried, luego de algunas metidas de pata, anuncia que regresa y efectivamente Ines lo ve subir a un taxi.
Pero al día siguiente reaparece en un cocktail de su trabajo vestido con una peluca y unos dientes postizos y diciendo que es Toni Erdmann, coaching de importantes figuras, entre ellas del dueño de la empresa que su hija está tratando de tercerizar.
De allí en adelante, Toni va a interferir pasivamente en todas las actividades de su hija, buscando el modo de restablecer sus vínculos afectivos.
El espectador va a disfrutar de las desenfadadas actuaciones de Toni Erdmann y las reacciones de su hija Ines, pero la más brillante de todas es cuando aparece vestido con una máscara búlgara en la fiesta nudista de cumpleaños de Ines. Dejo ese traje abierto a la intriga del lector.
Simpática, humana y ferozmente satírica de las relaciones humanas en nuestra vida cotidiana, "Toni Erdmann" es uno de los mejores descubrimientos que el espectador inteligente puede hacer en el mundo del cine.
Muy acertada la elección de los principales intérpretes porque con ellos los personajes cobran vida verdadera.
Trailer subtitulado en castellano
Un abrazo en el parque
Mi puntuación, antes que varíe mi opinión, es de nueve puntos sobre diez.

Animales nocturnos (Tom Ford, 2016) 🌟🌟🌟🌟

Este tipo de películas, thriller, tiempos imprecisos, memorias que no son tales, crímenes violentos, consiguen dejarme en trance. Aún tengo la pantalla de mi mente llena de imágenes que van y vienen superponiéndose.
Es la segunda película que dirige Tom Ford cuya profesión es realmente diseñador de modas.
La primera la realizó hace ocho años y se llamó "A single man", (Un hombre soltero), donde Colin Firth interpretaba a un hombre cuya pareja gay había muerto recientemente. También es una maravilla de memorias, recuerdos y que sigue los vericuetos de una mente dolorida que no puede reponerse de una gran conmoción.
En "Animales nocturnos" encontramos a Susan (Amy Adams), una realizadora de arte, cuyo marido la engaña y élla se entera al poco tiempo de comenzar la película. Susan recibe por correo el draft de la novela que ha escrito su ex-marido Edward Sheffield (Jake Gyllenhaal). La novela se titula "Animales nocturnos" y en algún pasaje Susan va a reconocer que Edward decía que élla era un animal nocturno, La novela le está dedicada.
Susan que se ha quedado sola el fin de semana por un presunto viaje de negocios de su marido, en otra secuencia veremos qué tipo de negocios y Susan se enterará también por casualidad de su infidelidad, se dispone a leer la novela.
Inmediatamente la imagen en la película se transforma en la novela, donde el auto de Tony Hastings, al que la mente de Susan imagina como Edward, es embestido por un auto conducido por tres delincuentes. Las escenas se tornan muy violentas, el espectador debe recordar que esa no es la película sino la novela que lee Susan.
Bobby Andes (Michael Shannon) es el inspector de policía que se encargará de llevar adelante la investigación de los sucesos. Es un hombre consumido por el cáncer que sabe que va a morir muy pronto. Otra vez, espectador, recordar que esto sucede en la novela que Susan está leyendo en la película de Tom Ford.
Quien no se haya confundido con este último párrafo está preparado para ver este film y disfrutarlo del principio a fin.
Excelentes actuaciones de Amy Adams, Jake Gyllenhaal y Michael Shannon. En un pequeño papel, el de la madre de Susan, aparece Laura Linney cuya mirada es absolutamente inconfudible.
También es excelente la actuación de Aaron Taylor-Johnson, personificando a Ray Marcus, uno de los delincuentes psicópatas.
La música de Abel Korzeniowski es realmente impactante y muy buena la dirección de fotografía de Seamus McGarvey, sobre todo en las escenas nocturnas y del amanecer en el desierto.
Trailer subtitulado en castellano.
Nueve puntos sobre diez para un inolvidable film de Tom Ford.

La llegada (Denis Villeneuve, 2016) 🌟🌟🌟🌟🌟

Louise Banks (Amy Adams) está por dar comienzo a su clase de Lingüística refiriéndose a los orígenes del portugués en el reino de Galicia, cuando una de las poquísimas alumnas asistentes le pide si por favor puede encender el televisor en un canal de noticias.
Una extraña nave ha descendido hace 40 minutos en Montana, aún no se sabe de qué origen es. Luego mencionan que similares descensos se han informado en China, 2 en Rusia, Pakistán, Venezuela, Australia, un total de 12 naves han descendido sobre la tierra.
La clase se suspende y Louise vuelve a su casa cruzando los vacíos jardines universitarios.
En su casa, los recuerdos de su hija vuelven a su mente. Recuerdos que quizás no pertenezcan al pasado, pero que dejan a Louise absolutamente estupefacta.
El teléfono la saca de su meditación. Es su madre preguntándole qué tiene que hacer. "Mamá, cuántas veces te he dicho que no mires ese canal de noticias".
"Tras los sucesos del martes, el presidente declaró el estado de emergencia y ha enviado 5000 guardias al estado de Montana. Siguen aumentando las compras de combustible, agua y comida."
Al amanecer Louise despierta por un gran ruido y luces en el jardín de su casa. Es el Coronel G.T. Weber (Forest Whitaker) quien viene en búsqueda de la doctora Banks. "hace dos años usted hizo unas traducciones de farsi para el ejército que acabaron rápidamente con los insurgentes", "ustedes acabaron con los insurgentes" aclara la doctora Banks. "Usted encabeza la lista de traductores y aún tiene dos años en el SSBI por lo que tiene acceso a archivos de alto secreto. Quiero que me traduzca algo. Y el coronel reproduce un audio en su notebook donde se escucha a alguien preguntar "Porqué están aquí", "Nos pueden entender", "De donde vinieron". Las respuestas parecen ser unos extraños ruidos sin ninguna conexión. La doctora pregunta, ¿cuántos hablan?, dos contesta el coronel. "¿Como empezaría a traducir esto?", "es imposible traducir desde un archivo de audio" contesta la doctora.
Y es así como es trasladada en un helicóptero por el ejército a la base en Montana, cerca de donde la nave ha descendido. Junto con élla viaja el Dr. Ian Donnelly (Jeremy Renner) físico y matemático.
Basada en el relato "Story of your life" de Ted Chiang trasladado al guión cinematográfico por Eric Heisserer, Denis Villeneuve hace que el cine evolucione una vez más en la búsqueda de una verdad cosmogónica.
Desde "2001, Odisea del Espacio", que no encontrábamos en la historia cinematográfica un relato tan profundo de las motivaciones de la mente y sus juegos con el tiempo y el espacio.
Es impecable como se han resuelto los mil y un inconvenientes que una película de ciencia ficción implica. Desde el acceso a la nave interplanetaria hasta el contacto con los aliens. La capacidad de Ted Chiang en Xenolingüística hace que todo el relato cobre veracidad. Desde el corazón de los problemas humanos frente a lo desconocido, hasta la gramática del lenguaje de los alien.
Es una película sobria y lenta, donde los efectos especiales están reducidos a su mínima expresión, pero donde todo lo que se narra pareciera estar surgiendo de la realidad.
Puede que no todos los espectadores puedan llegar a comprender del todo los profundos significados de esta película salvo si liberan su intuición, pero todos van a comprender su desarrollo. Aunque el final, que es el principio, los desconcierte.
Trailer
La verdad oculta tras la película
Exepcional la banda de sonido de Johan Johanssonn y muy buenos todos los aspectos técnicos del film. Diez puntos quedan cortos para puntuar mi comprensión de los efectos de este film, que aún andan trabajando por mi cabeza.