Amor de perdición (Manoel de Oliveira, 1979) 🌟🌟🌟🌟🌟

Manoel de Oliveira ha sido el más prolífico e innovador director del cine europeo en toda la historia del cine. Comenzó su carrera en la época del cine mudo en los años 30 y continuó filmando hasta casi el día de su muerte en el 2015. Su obra fue reconocida en los festivales de Cannes, Berlín y Venecia con más de 50 premios internacionales. Es el maestro del surrealismo en el cine, pero más por sus trucos y estilos de narración que por la veracidad de las historias filmadas.
En esta película, condensa una miniserie de seis episodios de 45 minutos cada uno. Bueno, condensar es una manera de decir, porque la película dura 4 horas y media.
¿Es esto demasiado para la duración de una película?, todo depende del espectador. Cuando el que está viendo se deja hipnotizar por las imágenes, no hay duración promedio que sea recomendable.
La historia es una de las novelas fundamentales de la literatura ibérica. Camilo Castelo Branco, el autor, es el más leído de los autores portugueses y uno de los favoritos de Manoel de Oliveira,
En la novela el autor narra la trágica historia de un tío materno, Simon Botelho (Antonio Sequeira Lopez) cuyo amor por Teresa de Albuquerque (Cristina Hauser) fue truncado por la enemistad entre sus respectivos padres, una especie de Montescos y Capuletos, pero muchísimo más violentos que en la historia de Shakespeare.
Tadeu de Albuquerque (Henrique Viana) decide casar a su hija con su sobrino Baltazar Coutinho (Ricardo Pais) solo para separar a su hija de 18 años del novio indeseado por ser hijo de su enemigo.
Lo que al principio fue una decisión paterna, se volvió una obligación violenta, ya que de no acceder Teresa al matrimonio, sería internada en un convento.
Enterado Simon, viaja desde Coimbra, a donde está estudiando al pueblo de Teresa, pero lo aguardan asesinos sirvientes de Tadeu. Afortunadamente, sale en su defensa Joao da Cruz (Antonio Costa), quien le da refugio en su humilde herrería. La hija de Joao, Mariana (Elsa Wallencamp), será la más solícita enfermera del herido Simon y ya no lo abandonará más. Joao se torna en protector en agradecimiento al padre de Simon, juez del lugar, quien una vez lo salvó de la horca por un asesinato.
Son muchas las vicisitudes de los enamorados que se narran en la película, pero quiero hacer hincapié en el magnífico lenguaje visual utilizado por Oliveira.
La mayoría de las escenas son narradas por un relator en off y muchas veces son narradas antes que sucedan en la pantalla. Muchas veces los actores solo ponen el rostro, en el que se reflejan las emociones del personaje. La imagen es difusa y los colores son intensos  pero de colores mate.
Todo ello contribuye a crear una obra de por sí hipnótica, donde la historia que se cuenta es tan intensa que se ve a contra ritmo de las escenas lentas, con largos diálogos, la mayor parte en interiores con decorados teatrales.
En resumen. Es una obra inconmensurable y de primera calidad que debe ser vista por todo amante del cine artístico.
La muerte de Baltazar Coutinho
Diez puntos sobre diez mi calificación para esta obra maestra del cine.

Jane (Brett Morgen,2017) 🌟🌟🌟

Gracias a la aparición de más de 100 horas de valioso material fílmico que se consideraba perdido, Brett Morgen ha podido realizar este documental sobre la vida y el trabajo de la Dra. Jane Goodall teniendo como base de referencia los escritos de ella misma.
Las filmaciones fueron realizadas durante los años 60 por el fotógrafo, colaborador y luego marido de la Dra. Goodall, Hugo van Lawick,
La película sigue los pasos de Jane Goodall desde que fuera elegida para hacer la investigación sobre las conductas de los chimpancés por el Dr. Louis Leakey. El doctor Leakey la seleccionó, sin tener en cuenta que no tuviera formación académica, por su gran afición a los animales y dedicación absoluta a su trabajo, porque quería tener un estudio que le permitiera evaluar las conductas de los primeros humanoides.
La falta de "influencia científica" hizo que los estudios y observaciones de Jane Goodall fueran mucho más abiertos y directos y con una falta total de preconceptos.
El lugar elegido fue el Parque Nacional de Gombe, en Tanzania.
La película narra su frustración inicial, ya que como ella misma dice, los chimpancés la veían y huían, así que la única observación registrada era la fuga de los chimpancés.
Luego de 5 meses de observación paciente, logró que un macho al que élla llamaba David Greybeard, porque tenía la barba blanca, no huyera de élla y paulatinamente el resto de la comunidad pareció aceptarla.
Es en ese momento cuando Jane descubre que David Greybeard utiliza herramientas, ramitas a las que quita las hojas y usa para extraer termitas de agujeros del nido. Este descubrimiento, fundamental para comprender la mente de estos animales, hizo que el Dr. Leakey consiguiera el financiamiento de la National Geographic, quien también envió al fotógrafo Hugo van Lawick para registrar las observaciones de la Dra. Goodall.
Este documento es esencial para que el ser humano aprenda a acercarse al reino de la vida de nuestro planeta del que los avances tecnológicos lo separan constantemente.
Como un bonus track, está la maravillosa música de Philip Glass acompañando las secuencias de la película.

Trailer en inglés
Un cronista le preguntó "cuánto tiempo más estará asociada con los chimpancés". Jane Goodall contestó, "hasta que muera". De hecho es mensajera de la paz de las Naciones Unidas por Inglaterra.
Entrevista a Jane Goodall
Ocho puntos sobre diez es mi calificación para este excelente documental.

Noviembre (Rainer Sarnet, 2017) 🌟🌟🌟🌟🌟

"Noviembre" está basada en la novela "Rehepapp" del escritor estonio Andrus Kivirähk en una adaptación al guión hecha por el director, Rainer Sarnet.
Describe en una atmósfera entre surrealista y mágica, la vida invernal en un miserable pueblo de Estonia durante la edad media. Como dicen los personajes, "apenas si comemos raíces y polvo de las rocas".
La obsesión de los pobres habitantes es robar. Robar todo lo que puedan que les asegure algo de comida para el día siguiente.
Con éllos conviven unas criaturas pavorosas llamadas "kraat", que son el fruto resultante de darles alma a creaciones hechas de raíces, ramas secas y objetos metálicos tales como hachas, guadañas y todo tipo de herramienta cortante.
La receta para darles alma es ir a la encrucijada de dos caminos en las afueras del pueblo con tres pasas de Corinto y silbar hasta que acuda el diablo. Hacen entonces un pacto con el demonio. Sus almas a cambio del alma para su "kraat".
La escena con la que comienza la película puede llevarnos a la confusión porque muestra a un kraat robando un ternero para su patrón.
Todos los habitantes de la película tienen su historia en la película. Desde La Peste, hasta los lobos salvajes, pero destaca la historia de Liina (Rea Lest), una muchacha joven que está enamorada de Hans (Jörgen Liik). Pero este lamentablemente solo tiene lugar en su corazón para la baronesa, la hija del señor alemán del lugar (Dieter Laser).
Filmada en blanco y negro, la fotografía (excelente trabajo de Mart Taniel) acentúa los aspectos oníricos de la película. 
Este film es uno de esos raros especímenes donde se trasciende el medio de simple entretenimiento en una profunda obra de arte.
La película posee belleza en múltiples capas, desde la impresionante fotografía, la magnitud de los rostros filmados (la escena de la comunión es inolvidable), hasta la música que impregna con aires de Beethoven las escenas más bizarras de las que tenga memoria en el cine.
En fin, el espectador no se va a arrepentir de haberla visto si sucumbe, como yo lo hice, a la magia hipnótica de su fantasía.
Trailer subtitulado en inglés
Mi calificación es de diez puntos sobre diez. Creo que es imposible pedirle algo más a estas casi dos horas de magia.

Caminando (Aruitemo, aruitemo) (Hirokazu Koreeda, 2008) 🌟🌟🌟🌟🌟

La historia, escrita como así también el guión, por el director Hirokazu Koreeda, cuenta la reunión en la casa paterna de una familia en conmemoración del hermano mayor.
El padre Kyohei Yokoyama (Yoshio Harada) ya retirado, mantiene en su presencia el caracter de su profesión de médico, aunque la clínica donde ejerció se haya cerrado y el ya no profese. Aún lamenta que ninguno de sus dos hijos haya estudiado su profesión. Su mujer, Toshiko Yokoyama (Kirin Kiki) ha sido y es el alma mater de la casa y cuida muy bien de su marido, aunque las peleas seam frecuentes entre ellos.
La hija menor, Chinami Kataoka (You), hace ejercicio de un humor muy saludable y de una ironía mordaz, mientras intenta sonsacarle a su madre las recetas de comidas que guarda para sí misma. Su marido, Nobuo Kataoka (Kazuya Takahashi), también siempre de buen humor, es un inútil bueno para nada pero que afronta a la familia de su mujer con una sonrisa. Sus hijos, Mutsu y Sazuki Kataoka, son traviesos y libres como todo niño debiera ser.
El segundo hermano mayor, Ryota Yokoyama (Hiroshi Abe) es un poco el eje de la historia. El conflicto con su padre se arrastra de larga data. Ryota, contra la voluntad del padre, ha hecho de la restauración de obras de arte su profesión. Pero son frecuentes las comparaciones con lo que su hermano muerto hubiera hecho. Ryota se casó con una viuda, Yukari Yokoyama (Yui Natsukawa) que tiene un hijo de su primer marido, Atsushi Yokoyama (Shohei Tanaka), quien es y no es aceptado por sus abuelos adoptivos.
Durante casi dos horas, el director hace que la cámara gire alrededor de sus personajes, mostrándonos sus conflictos y desdichas, sus frustraciones y melancolías.
Sin lugar a dudas, es una película melancólica. El altar casero donde mora el alma de Junpei, el hijo mayor muerto, es visitado por una variedad de vecinos y amigos que concurren a la casa en conmemoración del fallecido.
En una escena memorable, Ryota con su mujer e hijo y su madre, van a visitar la tumba de su hermano. La madre vierte agua sobre la losa conmemorativa diciendo que hace falta agua para calmar la gran sed. En el camino de retorno, se cruzan con una mariposa amarilla y la madre cuenta que las mariposas amarillas son las blancas del año anterior que han podido regresar.
Con estas y muchas otras escenas intimistas, Koreeda construye una sólida historia donde las emociones brillan como estrellas en el cielo. Los espectadores no podrán sustraerse a estas ondas de dulzura agridulce con la que los personajes nos dejarán algo perplejos y pensativos.
Trailer con subtítulos en inglés
"Caminando" es sin lugar a dudas una película trascendental y una historia absorvente para todos más allá de que muestre el corazón de una familia japonesa. Diez puntos sobre diez es mi calificación.

Happy End (Michael Haneke, 2017) 🌟🌟🌟🌟🌟

"Happy End", irónico y mordaz título, es una fotografía de los restos de una familia burguesa europea, los Laurent.
Comienza con Eve (Fantine Harduin) filmando con su celular a su madre en el baño y luego mostrando como un experimento qué sucede con su hamster si le da a comer las pastillas antidepresivas de su madre.
El guión de Haneke no lo muestra, pero luego el experimento de Eve continúa con su madre y con medicación anti-malaria.
Al estar internada su madre, Eve va a vivir con su padre, Thomas Laurent (Mathieu Kassovitz) quien vive en la vieja casona de la familia en Calais. En la casona también habitan el padre de Thomas, Georges Laurent (Jean-Louis Trintignant), quien tiene como único objetivo su suicidio y la hermana de Thomas, Anne Laurent (Isabelle Huppert).
Anne es la directora a cargo de la empresa familiar de construcciones, de la que también está tratando de deshacerse, luego de un desastre edilicio con derrumbe bajo investigación de la empresa de seguros. Quien estaba a cargo de la construcción era Pierre Laurent (Franz Rogowski), hijo de Anne, quien lucha a favor de los refugiados de Calais.
Thomas vive con su segunda mujer, Anais (Laura Verlinden) y su bebé de menos de un año y ya está teniendo una aventura, de la que al enterarse Eve le pide que si se va la lleve con él y no la encierre en un pensionado.
Todos dependen en la casa del que hace el papel de mayordomo, Rachid (Hassam Gancy) y de su mujer Jamila (Nabiha Akkari).
Con todos estos caracteres, Haneke construye una película suavemente cruel, donde la burguesía es retratada en toda su inútil y enfermiza decadencia.
La película es rápida, muy al estilo al que Haneke nos ha acostumbrado a lo largo de los años de su carrera como cineasta. Tiene dos o tres aciertos en cuanto a escamotear las escenas y brindar luego al espectador la continuación de la historia con contenidos que han cambiado abruptamente.
Trailer subtitulado en castellano
 Si bien es una película amena de ver, el resultado para el espectador será el desasosiego al identificar a nuestra sociedad agonizante a punto de estallar. De suicidarse como sucediera con el imperio romano en su tiempo. Diez puntos es mi calificación.

24 Frames (Abbas Kiarostami, 2017) 🌟🌟🌟🌟

Enigmática, única, fantasmagórica, plena de alegorías y mensajes ocultos tras las imágenes pero que dejan bien en claro los sentimientos del gran director iraní sobre el mundo en el que nos ha tocado vivir.
"Siempre me pregunté hasta qué punto el artista pretende representar la realidad de una escena. Los pintores capturan solo un cuadro de la realidad y nada antes o después de él.
En 24 Frames comencé con una famosa pintura, pero luego cambié a fotos que he tomado a través de los años. Incluí alrededor de cuatro minutos y medio de lo que imaginé pudo haber sucedido antes o después de cada imagen que yo había capturado. Abbas Kiarostami."
Con este sencillo prólogo, Abbas Kiarostami nos da acceso al imaginario de su mundo real.
El espectador está en todo su derecho a declararse aburrido y dejar de verla en la décima o duodécima imagen. Claro está que probablemente ya se haya perdido gran parte del mensaje implícito en lo que ha visto y ni decir del que está en las imágenes que no ha visto.
El espectador diligente, que se entregue a la película como un acto de meditación, puede que deba verla una o dos veces más hasta que la emoción del mensaje lo desborde y la hermosura de lo minimalista lo impacte en toda su plenitud.
No me queda sino recomendarla como quien recomienda escuchar la música de Richard Wagner. No tienen mucho para contar, pero están llenas de la sublime esencia de la vida.
Ultima de las 24 Frames
Nueve puntos sobre diez es mi calificación para esta obra maestra póstuma del gran director iraní Abbas Kiarostami.

Peking Opera blues (Do ma daan) (Hark Tsui, 1996) 🌟🌟🌟🌟

Una auténtica sorpresa para todo espectador que se cruce con esta película en su vida será lo amena y graciosa que puede resultar una comedia china hecha con el mejor gusto.
Es la gran comedia de aventuras china, en realidad made in Hong-Kong, con mentalidad China también, porque se muestra con gran acierto la idiosincracia de la sociedad china de esa época.
La historia de To Kok Wai, transcurre alrededor de 1920. cuando los señores de la guerra peleaban entre sí por el poder. Generales y policías de inteligencia, se protegen y se atacan. Mientras en las sombras se mueve la guerrilla de Sun Yat Sen buscando la instauración de una república democrática.
En este contexto tenemos a Tsao Wan (Lin Ching Hsie), hija del general Tsao (Kenneth Tsang) que está regresando a China desde el extranjero para unirse a las fuerzas de la guerrilla.
El guerrillero infiltrado en la casa del general Tsao, es Ling Pak (Mark Cheng), a quien por azar salva el soldado Tung Man (Kwok Koung Cheung) y que desde ese momento se une a las fuerzas de la guerrilla.
A todo esto, en la Opera de Fa Gum-Sao (Paul Chun), se está representando una opera cuyos personajes femeninos son actuados por hombres, como era costumbre en esa época. La hija de Fa Gum-Sao, Pat Neil (Sally Yeh) quiere actuar a toda costa y aprovecha cualquier oportunidad para infiltrarse en el elenco. Por otro lado, Sheung Hun (Cherie Chung) se ha hecho de una bolsa con joyas que una de las esposas del general derrocado perdió en su huída y termina en su escapatoria, escondiéndose en el teatro. Es de destacar la actuación de Cherie Chung en inúmerables situaciones cómicas.
Son incontables las situaciones graciosas y de aventura que se suceden durante 1 hora 45 minutos sin interrupción de ningún tipo y los enredos y las persecuciones se mezclan con escenas de artes marciales, como la de nuestros héroes huyendo saltando de bandera en bandera colgadas del techo.
Si bien la cinematografía no es nada excepcional, sí lo es el montaje y la continuación en el guión, porque con tantos personajes dando vueltas por la pantalla podría haber resultado confuso.
Esta es una película que resultará gratamente inolvidable para todos los espectadores que consigan verla.
Trailer
Es un acierto el haber hecho la restauración de la película original antes de ofrecerla en la versión Blu-Ray. Ocho puntos sobre diez es mi calificación.

Todos lo saben (Asghar Farhadi, 2018) 🌟🌟🌟🌟🌟

Es absolutamente inusual que un afamado director iraní ruede una película en España, con actores en su gran mayoría españoles, pero con un guión escrito por él mismo.
Por supuesto que esta historia que transmite con total veracidad la esencia de la gente de un pueblo español en las afueras de Madrid, ha sido escrita en persa. Los diálogos en el script están en persa y fueron traducidos al español.
Para complicar un poquitito más las cosas, algunos personajes son argentinos y utilizan modismos netamente argentinos.
Solamente por este esfuerzo monumental de producción la película merece los diez puntos de mi calificación. Me gustaría ver a un director argentino filmando una película en Irán, hablada en persa y con actores iraníes, digo esto, solo para contrastar y hacer tomar conciencia al lector de lo que estoy tratando de hacer comprender.
En la historia, Laura (Penélope Cruz) vuelve a su pueblo natal en España con sus dos hijos, Irene (Carla Campra) de 16 años y el varón de 7 u 8 años, desde Buenos Aires, donde reside, ya que su marido, Alejandro (Ricardo Darín), es argentino.
Regresa para asistir al casamiento de su hermana menor con un joven catalán. La llegada a la casa natal es apoteótica, digna de las mejores realizaciones españolas. Ni que decir de la boda, donde el sacerdote aprovecha la ceremonia para reclamar la ayuda económica de sus feligreses. Hasta esta nota de humor se desprende de este magnífico guión.
Es inevitable que Laura se cruce con Paco (Javier Bardem) un novio de su juventud con el cual mantiene excelentes relaciones y con su esposa Bea (Bárbara Lennie).
No puedo seguir hablando sobre la película sin cometer algún desliz que haga echar a perder el magnífico misterio de este thriller que será inolvidable para todos los espectadores.
Algo que hay que mencionar sin embargo, es la magnífica dirección de actores. Asghar Farhadi es un genial director de actores, lo ha demostrado en todas sus películas. Ahora que, una cosa es filmar a actores con los que comparte el idioma e idiosincracia y muy otra dirigir a monstruos del cine latino como son Penélope Cruz, Javier Bardem y Ricardo Darín.
Pero no son sólo ellos. Hasta el personaje más pequeño, que los hay y muchos, tienen su cuota de participación en el drama y de una manera absolutamente real.
Hay que mencionar también la calidad de las canciones incluídas en la banda sonora, que son de Javier Limón. También es excelente la dirección de cinematografía de José Luis Alcaine y el magnífico montaje de Hayedeh Safiyari.
Trailer
Diez puntos para la película, para el director y para todo el elenco de esta extraordinaria película.

Recuerdos desde Fukushima (Doris Dorrie, 2016) 🌟🌟🌟🌟

Soy un ferviente seguidor de Doris Dorrie. Su obra fílmica es para mí de gran enseñanza y sabiduría.
En esta, su última película, va a Japón, más específicamente, a Fukushima, para filmar su historia.
Con algo de homenaje a"Stalker", incursiona en la zona prohibida por la magnitud de las radiaciones.
Su "alter ego" es Marie (Rosalie Thomass), una joven alemana que viaja con sus atuendos de payasa, al Japón. Se encuentra con Moshe (Moshe Cohen) y se decepciona un poco al saber que la troupe sólo serán ellos dos.
En Fukushima los recibe Nami (Nami Kamata) quien está encargada de la organización de los eventos. Marie queda un poco decepcionada tras su primera actuación, porque no recibe aplausos de parte del público, que en su mayor parte son gente de edad.
Esta gente tuvo que abandonar sus casas que quedaban dentro de la zona y ahora habitan en refugios en las afueras de la ciudad.
Otro día, después de la actuación, Satomi (Kaori Momoi), se acerca a Marie y le pide si la puede llevar hasta su casa con una camioneta donde ha cargado varias cosas.
Cuando llegan a la casa, dentro de la zona, Satomi se dispone a descargar y le pide ayuda a Marie. Marie insiste en que vuelvan pronto porque se siente inquieta estando dentro de la zona prohibida.
Pero Satomi ha ido para quedarse.
Esa noche Marie decide volver a Alemania y sale a caminar hasta que se encuentra con Jushoku (Honsho Hasayaka) quien la invita con un trago de sake. Cuando se termina el sake de Jushoku, van hasta la tienda y allí Marie compra una botella.
Al día siguiente parte hacia la estación de trenes, pero cuando el tren parte, Marie ha permanecido en el andén y decide regresar con Satomi.
Esto es el comienzo y presentación, pero aún no se ha dicho nada sobre Marie y mucho menos sobre Satomi.
Durante su convivencia es donde los aspectos mágicos, trágicos y dolorosos aparecen. Pero eso los deberá descubrir cada espectador.
Brillante como de costumbre, brillante y sencilla, Doris Dorrie nos encanta una vez más hasta con el gato de la estación.
Trailer
Qué sucedió en Fukushima?
Nueve puntos sobre diez para esta emotiva y sencilla creación de Doris Dorrie.

Stalker (La zona) (Andrei Tarkovski, 1979) 🌟🌟🌟🌟

Siendo un ferviente admirador de la cinematografía del gran realizador ruso Andrei Tarkovski, nunca había visto antes "Stalker". En base a una historia corta de Arkady y Boris Strugatskiy y al guión preparado por ellos mismos, Tarkovski crea una historia fascinante que si bien pertenece al género de la ciencia ficción, se transforma en las manos del director en una indagación profunda en las profundidades del alma humana.
El skalter (Alekandr Kaydanovski) es un guía conocedor de la "Zona" a la que conduce a quienes quieren penetrar en las honduras del misterioso lugar.
Se supone que la "Zona" fue establecida por una nave extraterrestre y que todos los habitantes desaparecieron misteriosamente. Se cuentan diversas historias sobre el vínculo de la "Zona" con las ciencias ocultas.
El ejército ha cercado el territorio con alambre de púa y hay solo una puerta de acceso hasta la que llegan los guardias armados, pero como cita stalker, nunca se animan a ir más allá porque le tienen mucho miedo.
A pesar de la oposición de su mujer (Alisa Freyndlikh), quien le recuerda que ya ha estado preso por cinco años por internarse en la "Zona", el stalker va a conducir a un nuevo viajero a la "Zona".
El nuevo viajero resulta ser dos personas. El Escritor (Anatoly Solonitsyn) y el Profesor (Nikolai Grinko) y además una sofisticada mujer que dice ser periodista a quien el stalker manda de regreso. A pesar de la oposición inicial del stalker a conducir a más de una persona, finalmente acepta a ambos.
En el corazón de la "Zona", hay una casa y una habitación donde todo el que ingresa consigue que se cumpla su deseo más ferviente.
Con esta consigna en mente los tres viajeros inician su viaje, en el que la maestría de Tarkovski va a hacer que el espectador siga con sus miedos a cuestas e incertidumbre cada nuevo paso que dan los viajeros.
Las charlas de los viajeros son todo un tratado de filosofía sobre la vida y el destino de la humanidad.
Esta es una película considerada "maldita". Se supone que varios de los que participaron murieron de cáncer de pulmón a una edad temprana, entre ellos el director y su esposa.
La filmación también fue una historia de contratiempos, idas y vueltas y cambios de escenarios. Desde el corazón de Tadjikistán hasta los bosques de Estonia. Diversos directores de cinematografía y tres versiones de la misma película.
No creo que haya espectador que resulte inmune al hechizo del Stalker.
Trailer en inglés
Nueve puntos sobre diez para esta obra de arte de la cinematografía.

Hacia la luz (Hikari) (Naomi Kawase, 2017) 🌟🌟🌟🌟🌟

Misako (Ayame Misaki), es una joven que crea descripciones en audio para hacer las películas accesibles a la gente no vidente.
Es a través de la poesía que esta obra maestra del cine nos permite poner más atención, tanto en lo que vemos como en lo que oímos, al mundo alrededor nuestro.
La película incentiva nuevas conversaciones e inspira una ampliación en las mentes para entender mejor a los otros.
"Hikari" explora la responsabilidad, flexibilidad, esperanza y las posibilidades, aún para aquellos en la oscuridad, de ir hacia la luz.
Durante las sesiones en que Misako prueba su texto frente a un grupo de invidentes, uno de los más resistentes a sus palabras y más críticos de sus actitudes es Nakamori (Masatoshi Nagase).
Nakamori ha sido un fotógrafo exitoso con varios de sus libros conteniendo sus fotografías publicados y está perdiendo inexorablemente lo poco de vista que le queda.
Misako dolida por sus críticas, responde con la misma dureza, aunque en seguida se arrepiente.
En una de las sesiones, mientras el grupo devuelve sus opiniones a Misako, una de las asistentes le dice que con su descripción es como si la pantalla se ampliara para tener más sentidos.
Misako es, talvez, la misma directora, cuya sensibilidad hacia el mundo de las imagenes y sonidos, está más allá de lo que habitualmente, nosotros espectadores comunes, tenemos capacidad para aprehender.
Hábil artífice del cine, Naomi Kawase demuestra con cada nueva película, la profunda poesía que alberga la cultura japonesa. No es que el film se especialice en hermosas tomas o fotografías, sino que la hondura de las situaciones ahonda en la profundidad del alma del espectador.
Y si bien hay hechos para los que las palabras no alcanzan, de las descripciones verbales de Misako, se desprende una hermosura cada vez más cercana a la perfección.
"Hikari" es una película que ocupará un lugar entre los recuerdos de cada espectador, invariablemente.
Trailer subtitulado en castellano
Diez puntos sobre los diez posibles para esta obra maestra del cine.

Wonderstruck: El Museo de las Maravillas (Todd Haynes, 2017) 🌟🌟🌟🌟

Esta última obra de Todd Haynes, se diferencia de las anteriores en que el argumento no es ni bizarro ni espeluznante, pero su estilo cinematográfico está presente en cada escena filmada desde el principio de la película.
La imagen es más bien oscura, confusa y difuminada, creo que a veces hasta abusa del difuminado, pero consigue su objetivo que es atrapar al espectador que realmente tiene interés en conocer su obra.
La historia está adaptada por Brian Szelnick desde su propia novela y tiene todo lo necesario para convertirse en un laberinto de ideas donde la revelación de último minuto nos ilumina de repente la imagen cinematográfica.
Básicamente la historia sigue las fugas similares de Ben (en 1977) (Oakes Fegley) y de Rose (en 1927) (Milicent Simmons) que culminan en el Museo de Ciencias Naturales de la ciudad de Nueva York.
Ben encuentra un amigo en Jamie (Jaden Michael) que lo introduce en los recovecos del museo que él bien conoce porque es el lugar elegido por su padre para dejarlo cuando tiene trámites que hacer.
Rose por su parte, luego de huir de su madre (Julianne Moore) a quien ha venido a ver porque la extraña, entra en el Museo buscando a su hermano Walter (Cory Michael Smith).
Ben está buscando a su padre, del que su madre (Michelle Williams) nunca encontró tiempo para contarle quién era. Para eso tiene como pistas un señalador de la librería Kincaid y un folleto sobre el Museo de las Maravillas, origen del actual museo de Ciencias Naturales.
La diversión para el espectador va a comenzar cuando las cámaras de Todd Haynes se sumerjan en los dioramas y vitrinas del museo a los que utiliza como escenografías para hacer todo tipo de trucos visuales.
La búsqueda de Ben va a culminar en la librería Kincaid con su encuentro con la maravillosa Julianne Moore, que como es costumbre, nos vuelve a fascinar con su interpretación.
Creo que es muy importante citar a la maravillosa banda de sonido de Carter Burwell que mucho hace para complementar los momentos visuales del director y también al director de cinematografía Edward Lachman, sin cuyas imagenes la película carecería de sentido.
No creo que ningún espectador quede decepcionado con esta nueva obra de arte que nos brinda Todd Haynes con su actriz habitual, Julianne Moore.
Trailer subtitulado en castellano
En fin, a mi criterio Wonderstruck es una de las películas más lindas que he visto en mucho tiempo, por eso mi calificación es de nueve (9) puntos sobre diez.

120 pulsaciones por minuto (Robin Campillo, 2017) 🌟🌟🌟🌟🌟

Corren los primeros años de la década del 90. El SIDA ya es epidemia en todo el mundo. Sin embargo en Francia, las autoridades y la sociedad en general siguen haciendo oídos sordos a los reclamos de la comunidad de enfermos.
Este film sigue las manifestaciones y los disturbios provocados por una sociedad denominada Act Up que va tras los pasos de esa misma organización de Estados Unidos.
Irrumpen en una presentación del ministro de salud con trompetas, pitos y matracas para llamar la atención de los asistentes. Pero se les va la mano cuando le rompen una bolsa con sangre en el pecho y lo encadenan a los bastidores.
Todo esto motiva una fuerte discusión entre los integrantes del grupo. Thibaut (Antoine Reinartz) que es el director en ejercicio del grupo, condena la acción de los exaltados. Mientras que los exaltados, entre los que se encuentra Sean (Nahuel Pérez Biscayart) defienden su actitud, diciendo que ellos no tienen tiempo para hacer actos de presencia y comportarse como es debido.
Sophie (Adele Haenel) que fue quien dirigió la protesta, reconoce que Sean y los otros exaltados tienen razón, pero que deben cuidar su imagen frente al público en general.
Un recién unido al grupo, Nathan (Arnaud Valois), es atraído por la conducta de Sean y se siente atraído por él. Durante un acto en un colegio donde reparten folletería a los estudiantes, a pesar de la prohibición del director, una chica le dice a Nathan, que ella no lo necesita porque ella no es "bollera" como tú. Sean que la escucha, besa en la boca a Nathan para irritar a la adolescente.
La película tiene un guión que no tiene un segundo de desperdicio. Detrás de las vidas de los activistas, gays, lesbianas, drogadictos y hemofílicos, se esconde el terror a la muerte representada por la enfermedad.
Las críticas a la gestión de Miterrand son feroces y también hacia la actitud de los laboratorios medicinales, los que son identificados tras un Melton Pharm, nombre de fantasía, ya que siguen sin encontrar un medicamento que de resultado y no quieren dar a conocer los resultados del testeo de nuevas drogas. El AZT y el DIC ya han demostrado ser solamente paliativos y que terminan debilitando los organismos.
El film completo es un gran  documento donde se constata la intolerancia y la falta de humanidad de la sociedad en general. No solo es un documento contra el gobierno francés del momento, sino que es válido para todos los gobiernos del mundo, que solo están sentados esperando que los enfermos se mueran, ya que solo son homosexuales, prostitutas y drogadictos.
Excelente la dirección de Robin Campillo que le ganó la gran Palma de Oro del festival de Cannes y también el gran premio de FIPRESCI.
La relación amorosa entre Sean y Nathan y su final es una parte ineludible de la historia, ya que solo poniéndolo ante los ojos de los espectadores, se puede vislumbrar un poco sus sentimientos.
En una reunión donde Thibaut reclama sacar los enfermos de los hospitales en sillas de ruedas para que la gente los vea, Sean estalla diciendo, no es suficiente que me vean a mí.
Trailer subtitulado en castellano
Diez puntos sin dudar por la excelente dirección y actuación del elenco en general.

El orden divino (Petra Volpe, 2017) 🌟🌟🌟

Corre el año 1971. La sociedad occidental está en plena conmoción. Se discuten los derechos de las mujeres a abortar y a decidir por sí mismas. Menos en... Suiza, donde ni siquiera tienen derecho a votar.
Sí, la pueblerina sociedad suiza es también un patriarcado como no se ha visto ni siquiera en los países árabes.
La mujer prácticamente no tiene derecho a nada, simplemente debe acatar lo que le imponen su padre o su marido y por supuesto, aunque haya estudiado alguna carrera universitaria, debe dejarla de lado para cuidar a su marido y a sus hijos. Y en caso de divorcio es élla la que pierde todo, no hay ninguna clase de separación de bienes. Todo es propiedad del marido.
Petra Volpe escribe y dirige esta comedia, realmente dramática sobre la situación de las mujeres que transcurre en un pueblo del cantón de Berna en el año 1971.
Algunas mujeres, tímidamente han conseguido elevar la moción para que se discuta y vote sobre el derecho al voto de las mujeres. Pero está muy claro que ni siquiera las mujeres de este pueblo quieren conseguirlo. ¿La razón?, porque temen perder su lugar en la rígida sociedad machista.
Nora (Marie Leuenberger) no es para nada la excepción. Vive con su marido, su suegro y sus dos hijos varones y debe atenderlos a todos. Pero Nora quiere hacer algo más con su vida. Siempre ha deseado viajar y recorta de un diario un aviso de la empresa de viajes Kuoni, solicitando una secretaria. Cuando lo comenta con Hans (Maximilian Simonischeck), su marido, este le indica que no está para nada de acuerdo con que abandone sus deberes para con la casa y, cuando élla insiste, él le aclara, de todos modos no te lo voy a autorizar y eso es algo que se requiere, la autorización de tu marido.
Es en ese momento cuando la venda cae de los ojos de Nora y comienza a apreciar las injusticias que se cometen día a día contra las mujeres.
Su hermana Theresa (Rachel Braunschweig) tiene una hija rebelde, Hanna (Ella Rumpf) que aparentemente ha salido con cuanto muchacho hay en el pueblo. Por esa razón su padre Werner (Nicolas Ofczarek)  ha decidido prohibirle que vea a su nuevo novio y la tiene encerrada en su habitación. Hanna convence a Nora para que la acompañe a encontrarse con su novio para despedirse. Cuando se encuentra con su novio, Hanna huye con él en su moto. Nora queda completamente molesta porque la haya usado así, sin embargo cuando llega a la casa de su hermana y ve a su sobrina en un auto de policía y se entera que el padre ha decidido encerrarla en un reformatorio y que su madre no tiene ni voz ni voto, no puede menos que condenarlos a ambos.
Y así es como Nora se convierte en activista por el derecho al voto.
Conoce a Vroni (Sibylle Brunner) quien le enseña el local que fue su pub hasta que las borracheras de su marido hizo que lo perdieran y Vroni, otra vez, no pudo impedir que le quitaran su negocio, ya que ella no poseía ningún derecho.
La película va a seguir la historia de como las mujeres de este pueblo van a hacer la campaña para conseguir el derecho a voto.
En una reunión donde una sueca les presenta a la vagina, hace que las mujeres se la vean con un espejo y muchas de ellas recién se van a conocer íntimamente. Algo importante que dice la presentadora, es que la represión sexual es parte de la represión política en la que el hombre ha encerrado a las mujeres. Nora tiene que reconocer que en su vida ha tenido un orgasmo porque su marido no sabe como satisfacerla.
Es una historia llevada en ritmo de comedia pero con hechos que son vergonzosos para toda la humanidad.
Muy bien filmada y con excelentes actuaciones, vale la pena de ser vista.
Trailer hablado en castellano.
Dos datos a tener en cuenta para evaluar a la sociedad suiza. En 1981, la constitución suiza recién incluyó la igualdad de derechos entre hombres y mujeres. En 1990 fue que el último cantón (Appenzell) aprobó el derecho al voto de las mujeres.
Por la honestidad de esta película y su no disimulada posición frente a los derechos de la mujer, van 8 puntos sobre diez.

La Asesina (Nie Yinniang) (Hou Hsiao-Hsien, 2015) 🌟🌟🌟🌟🌟

En la tradición de las grandes películas históricas del cine chino, este film es tal vez el mejor logrado desde una perspectiva exclusivamente fílmica.
Paisajes increíbles fotografiados con técnicas visualmente artísticas. Interiores que, sin ser suntuosos, brindan a la vista el placer de lo hermoso. Pero, por sobre todas las cosas, la maestría de un director que nos introduce en una hipnótica aventura a otras épocas y, quizás, otras costumbres.
Nie Yinniang (Qui Shu) debido a una tortuosa historia familiar, ha sido confiada desde los diez años a una "monja", tal el término con que los chinos llamaban a estos maestros de las técnicas marciales y de la guerra. La "monja" (Sheu Fang-Shi), la ha convertido en una experta máquina de matar.
Ahora su maestra la envía de regreso a su hogar natal con un encargo especial, debe matar a su primo.
El regreso de Nie a su hogar hace que sentimientos largamente encerrados salgan a la luz y provoquen un estado de confusión en Yinniang.
Si bien el argumentode Zong Acheng, no tiene demasiada consistencia para las mentes de los espectadores occidentales, el director logra, a través de un ritmo bien lento y pesado, inducir al espectador en un mundo onírico donde la imagen se deleita filmando a través de tules o sedas o en medio de bosques donde los personajes de la acción quedan semi-ocultos en la espesura.
Además nos regala con una música esplendorosa, muy lejana de las tradicionales melodías chinas que lindan con la música moderna. Hay una escena de ballet a cargo de la mujer del gobernador, Lady Tian (Zhou Yen) y el gobernador mismo Tian Ji'an (Chang Chen) donde los sentidos del espectador se trastocan completamente.
Deleite para el espíritu y para los espectadores con expectativas de aventuras oníricas sin ser fantasiosas, esta película cumple largamente con los mandatos del buen cine: espectáculo y sentimientos.
Títulos finales
Diez puntos sin dudar para esta excalente realización del cine chino que recibiera la gran Palma del Festival de Cannes al mejor director.

Rastro (Pokot) (Agnieszka Holland & Kasia Adamik, 2017) 🌟🌟🌟🌟

En base a la novela de Olga Tokarczuk, élla misma y la directora Agnieszka Holland escriben un atractivo guión donde varios estilos cinematográficos se cruzan.
La Sra. Duszesjko (Agnieszka Mandat), ingeniera civil retirada, vive en una pequeña ciudad del sur de Polonia casi en la frontera con la república Checa. Es una zona montañosa y cubierta por bosques donde aún subsisten animales salvajes tales como ciervos, jabalíes, mapaches, lobos y zorros y esto llama a los cazadores, que no respetan el calendario de caza, sino que matan todo el año, invierno bajo la nieve o verano en las verdes praderas.
La Sra. Duszesjko sufre por las matanzas de los animales. Ella siente como un holocausto para los animales las actividades de los cazadores. Un día, sus dos perras border collie desaparecen y a pesar de buscarlas por todo el bosque con la ayuda de sus alumnos, ella es profesora de inglés, no puede encontrarlas.
Simultáneamente una oleada de crímenes misteriosos sacude al pueblo. Muere el jefe de policía, un criador de zorros que a su vez regentea el casino y prostíbulo del pueblo, donde se dice que tiene encerradas a chicas de Ukrania, Bielorrusia y otros países del este. Las investigaciones de la policía caen en saco roto, porque la única evidencia son huellas de animales salvajes que aparecen cerca de los cuerpos.
Con un excelente desarrollo, las directoras de esta película, que obviamente son ecologistas, crean una película misteriosa y excitante, con zonas oscuras y personajes de miedo, como el vecino de la Sra. Duszesjko, a quien ella llama Matoga (Viktor Szborowski) porque su nombre, Swietopelk, es impronunciable.
Es un entomólogo checo, Boros Snajder (Miroslav Krobot) quien descubre el cuerpo sin vida del criador de zorros, Wnetrszac (Boris Szyc), en medio del bosque y pide ayuda a la sra. Duszesjko quien pasaba en ese momento por el camino del bosque. Entre Boros y la Sra. Duszesjko se inicia una relación que comienza cuando Boros le confiesa que cuando talan un árbol o queman sus ramas están asesinando a miles de larvas de insectos. La Sra Duszesjko es además apasionada astróloga y cree a pie juntillas en las características de las personas según su fecha de nacimiento. Esto no es de extrañar en una ferviente sagitariana como lo es Agnieszka Holland.
Trailer en castellano
Nueve puntos sobre diez para una apasionante película.

Patagonia (Marc Evans, 2010) 🌟🌟🌟

"Patagonia" es un film insólito. Hablado casi completamente en galés, narra dos historias que se desarrollan en paralelo en el film sin jamás mezclarse.
Pero todo tiene una gran base en común. La inmigración galesa que llegó a la Argentina y más concretamente a la Patagonia en lo que hoy es la provincia de Chubut, alrededor de 1865. En lo que encontraron como una meseta árida cavaron canales para llevar el agua desde el río Chubut a sus tierras y así volverlas fértiles.
Gwen (Nia Roberts) y su pareja Rhys (Matthew Gravelle) viajan a la Patagonia para concretar el trabajo que Rhys está llevando adelante, sobre documentar las capillas galesas que aún subsisten en el sur argentino. Su guía, Mateo (Matthew Rhys) comienza a tener afinidad con Gwen en los largos tiempos vacíos en los que Rhys fotografía con exposición las capillas aisladas en el territorio.
La segunda historia es acerca de Cerys (Marta Lubos) una hija de galesa y argentino, quien nunca aprendió a hablar galés por el respeto que su madre sentía hacia su padre. Cerys tiene un proyecto y es, bajo el pretexto de ir a Buenos Aires para una operación de la vista, viajar a Gales para regresar a la granja donde viviera su madre de niña. Se va a hacer acompañar por su nieto adolescente, Alejandro (Nahuel Perez Biscayart), quien ignora el real destino del viaje hasta que se ve embarcado en el avión.
Son dos epopeyas en paralelo. La de Rhys y Gwen, recorriendo el suelo patagónico en busca de las capillas galesas y la de Cerys y Alejandro, regresando a Gales para encontrar la granja donde viviera la madre de Cerys.
Es una película intensa y llena de pequeños detalles e ingredientes, como la adolescente galesa (Duffy) de la que se va a enamorar Alejandro. No creo que haya espectador que no la disfrute.
Muy bien realizada y fotografiada por Robbie Ryan, cuenta con la música de Joseph Loduca.
El excelente guión fue escrito entre Laurence Coriat y el director Marc Evans.
Trailer sin subtítulos
Ocho puntos sobre diez para esta tierna y emotiva película profundamente galesa.

Como los Beatles cambiaron el mundo (Tom O'Dell, 2017) 🌟🌟🌟🌟

Esta película es un film, excelentemente diseñado y ensamblado, con guión escrito por el mismo director, Tom O'Dell.
Lo considero como un documento excelente sobre la evolución de la sociedad occidental durante la década de los 60 del siglo pasado. Si bien todo el film se desarrolla en base a las acciones y obras que el grupo de los Beatles llevó adelante durante esta década, por otra parte década que duró su existencia como grupo, en el fondo del guión está muy bien plasmado cómo la sociedad cambió.
Considero que de no ser por los Beatles, algún otro suceso hubiera acompañado esta evolución prodigiosa que llevó, sobre todo en los países europeos, a que una sociedad paternalista dejara el protagonismo en manos de los jóvenes.
Si bien en EE.UU., la evolución fue parecida, su sociedad siempre estuvo mucho más anquilosada en manos de los poderes políticos y económicos como para permitir que la juventud respirara y de ahí se llegó a la gran represión que sufriera la cultura joven en este país.
No es casualidad que durante esta década murieran asesinados en EE.UU. John y Robert Kennedy, Malcolm X y Martin Luther King y, diez años más tarde el mismo John Lennon.
Es un documental que permite conocer los hechos más importantes de la década, de la mano de la misma evolución que los Beatles sufrieron a lo largo de esos intensos años.
Hay algunos reportajes imperdibles, como el que se le hiciera a Paul McCartney después que este contara a un periodista que había consumido LSD. Paul McCartney sostiene que es un hecho personal y que fue el periodista quien a través del medio donde trabajaba no respetó su privacidad y lo hizo público. Que él ante la pregunta concreta contestó con la verdad.
Recordemos que durante esos mismos años la justicia había encarcelado a Mike Jagger y Keith Richard por consumo de drogas.
También en el documental se nos hace conocer el cambio de los periodistas estadounidenses que en el primer viaje de los Beatles habían preguntado tonterías para obtener respuestas divertidas de parte del grupo y en el segundo tour se aferraron al comentario de John Lennon de que los Beatles eran más populares que Jesucristo. Comentario sacado de contexto y que en Inglaterra pasó como un comentario más dentro de la libertad de expresión y que pasó a ser utilizado como herramienta de extorsión y destrucción por parte de la sociedad estadounidense para afirmarse en su anquilosamiento.
De como los Beatles siempre sostuvieron su postura pacifista y enemiga de la guerra, hasta en los años en que los propios jóvenes, cansados de la represión del sistema, pedían revolución. John Lennon fue quien expresó su desacuerdo en "Revolution" y que en el tema "Revolution 9" del album blanco revela toda la realidad apocalíptica que preveía en esos días de la sangrienta guerra de Vietnam y que muy bien es aplicable a nuestro siglo XXI.
No fue casualidad que muriera asesinado en los EE.UU. donde residía.
En fin, aconsejo a todo aquel que esté interesado en conocer un poco más acerca de la década de los 60 que vea este film como un documento extraordinario.
Trailer en inglés
Si a alguien le queda dudas de la actitud de los Beatles en la cultura occidental, que considere que la canción con la que representaron al Reino Unido en el primer programa transmitido vía satélite comienza con el himno... "francés" (All you need is love).
Nueve puntos sobre diez para este excelente documental.

Una historia de locos (Robert Guediguian, 2015) 🌟🌟🌟

Filmado en blanco y negro, a la manera de un film documental, en el comienzo se narra el asesinato en Berlín de Talaat Pasha en 1921, principal responsable del genocidio armenio. Hallado culpable por la justicia turca se refugió en Alemania, país que luego negó su extradición por motivos políticos.
El asesino fue el activista armenio Saghomon Tehlirian (Robinson Stevenin) y durante su juicio vamos a escuchar testimonios de las terribles matanzas que el ejército turco cometió contra los cristianos armenios y otras minorías tales como los kurdos, que habitaban en el este de la península de Anatolia.
Finalmente y contra toda presión política, el jurado declara que si bien Tehlirian es responsable del asesinato del político turco, su veredicto final es inocente.
Con esta victoria legal, el movimiento armenio se consolida, pero van a transcurrir 60 años en que todo tipo de negociación con el estado turco va a ser inútil.
Es en los años 80 donde se desarrolla la historia de Aram (Syrus Chahidi) joven francés de origen armenio, a quien su abuela ha adoctrinado por la recuperación de las tierras ocupadas por los turcos. Aram, decide unirse al ASALA (Ejército de Liberación de Armenia) y participa en un atentado donde hacen volar el auto del embajador turco en París. Lamentablemente, un joven ciclista Gilles (Gregoire Leprince-Ringuet)  también resulta gravemente herido. Lleno de remordimientos, Aram decide dejar su ciudad natal, Marsella, donde sus padres, Hovannes Alexandrian (Simon Abkarian) y Anouch Alexandrian (Ariane Ascaride) tienen una tienda de especialidades orientales y viajar a Beirut, donde terroristas de diferentes facciones son entrenados.
La película desarrolla las historias paralelas de Aram y Gilles y al mismo tiempo nos muestra la evolución del movimiento terrorista.
Es una historia severa, pero muy bien desarrollada a pesar de la complejidad del tema abordado.
La capacidad de Robert Guediguian se vuelve a manifestar en esta historia de "locos" de la humanidad enceguecida por odios y venganzas.
Trailer subtitulado en castellano.
Siete puntos sobre diez es mi calificación para esta epopeya fílmica sobre el pueblo armenio.

Desde ahora y para siempre (Dublineses) (The Dead) (John Huston, 1987) 🌟🌟🌟🌟🌟

Del libro de cuentos "Dublineses" de James Joyce, Tony Huston, hijo del director, elige la historia "Los muertos" y escribe uno de los más hermosos guiones para cine de la historia del cine.
Con este guión, el gran John Huston va a demostrar que posee el genio para plasmar en una obra intimista y llena de emociones, una película como pocas han sido vistas en la historia de Hollywood.
La historia es simple. Año 1904, víspera de año nuevo. Las hermanas Kate (Helena Carroll) y Julia (Cathleen Delany) celebran su tradicional cena de noche vieja a la que invitan a familiares y amigos. La mayoría de los invitados son alumnas de Mary Jane (Ingrid Caigie), profesora de piano, de quien no queda claro el grado de parentesco, pero que vive con las hermanas en la casa.
Los invitados de honor son su sobrino Gabriel (Donal McCaan) y su esposa Gretta (Anjelica Huston),
también Mrs. Malins (Marie Kean) y su excéntrico hijo Freddy (Donal Donnelly).
También está invitado el tenor Bartell D'Arcy (Frank Patterson) quien va a protagonizar, fuera de la pantalla, uno de los momentos más emotivos de toda la película cantando la tradicional balada irlandesa "The Lass of Augrhim" (ver "Joyas del cine").
La película transcurre enteramente durante el arrivo, el baile y la cena y consta de pequeñas historias y anécdotas que nos remontan a una época donde todavía era hermoso vivir. Muy al estilo Ingmar Bergman, John Huston nos enseña las costumbres y comportamientos que la sociedad ha perdido con el paso del tiempo.
Todo esto transmite un sentimiento de la más profunda melancolía, en los que Anjelica Huston, en la que sea probablemente su mejor actuación, nos oprime el corazón.
No es una película para los amantes de la acción, para nada. La recomiendo para aquellos que guardan como tesoros sus emociones.
Joyas del cine
Diez puntos para esta hermosa pequeña obra de arte, Canto de cisne del director John Huston.

Coherencia (James Ward Byrkit, 2013) 🌟🌟🌟🌟

Esta película es una verdadera sorpresa. Con actores y director prácticamente desconocidos, sobre una historia del director y Alex Manugian, James Ward Byrkit construye uno de los más afortunados guiones de los últimos tiempos.
La historia comienza con Em (Emily Baldoni) manejando su auto y hablando por celular con su pareja, Kevin (Maury Sterling). En determinado momento de la conversación, el celular se quiebra, literalmente el vidrio estalla como si hubiera sido alcanzado por una piedra.
Emily está yendo a encontrarse con un grupo de amigos que se reúnen a cenar en la casa de Mike (Nicholas Brendon) y Lee (Lorene Scafaria).
Emily comenta al llegar que muchas cosas extrañas pueden suceder debido a la influencia del cometa Miller que está pasando cerca de la tierra. En la visita anterior hubo muchos acontecimientos extraños.
Pero lo más extraño está aún a punto de suceder. Emily está enojada porque Amir (Alex Manugian) ha invitado a Laurie (Lauren Maher) a la cena. Laurie tuvo un asunto hace un tiempo con la pareja de Emily y le parece de muy mal gusto que haya sido incluída en la reunión.
Llegan más amigos, Hugh (Hugo Armstrong), el marido de Beth (Elizabeth Gracen) quien comenta ciertos elementos del feng-shui que ha utilizado en la casa. Por ejemplo, una puerta lateral que nunca se debe usar, porque se abre sobre el vacío.
Con una historia de lo más sorprendente, la película en ningún momento pierde el ritmo y mantiene la intriga todo el tiempo. No creo que haya espectador que quede indiferente frente a la narración.
Espectacular el manejo de cámaras, que en un ambiente único es bastante difícil de lograr sin despistar al espectador.
Trailer subtitulado en castellano
Nueve puntos sobre diez para esta extraordinaria producción.

Adios Christopher Robin (Simon Curtis, 2017) 🌟🌟🌟🌟

Con un más que interesante guión escrito por Frank Cottrell Boyce y Simon Vaughan, este film dirigido con maestría por Simon Curtis nos cuenta la ingrata vida del escritor Alan Milne y la génesis de sus libros de cuentos que tuvieron repercusión mundial con las historias de los personajes Winnie the Pooh, Tigger, Pigglet y el chico Christopher Robin.
Alan Milne (Domhnall Gleeson) es un reconocido autor de obras teatrales cuando es llamado a alistarse en el ejército para la primera guerra mundial. A su regreso, ya nunca será el mismo. Cualquier explosión lo aterroriza y enloquece.
Incapaz de escribir, convence a su mujer Daphne (Margot Robbie) de mudarse al campo, donde el espera verse liberado de la atmósfera contaminante de Londres.
Pero su incapacidad para escribir hace que su enojada mujer lo abandone en la casa de campo en compañía de su hijo pequeño, Billie Moon (Will Tilston) quien está a cargo de su nana Nun, (Kelly McDonald, con su simpático acento escocés).
Pero hasta Nun los deja debido a la enfermedad terminal de su madre y padre e hijo deben acercarse e intimar. Es así como Alan toma contacto con los peluches de su hijo, en los que su Teddy Bear ocupa un lugar primordial.
Un día, mientras visitan el zoológico, Billie conoce a un oso pardo de Winnipeg, quien por ese motivo es llamado Winnie. Y este será el nombre con el que bautizará a su peluche.
Esta es la génesis de los cuentos de Alan Milne sobre los cálidos animalitos.
Lo que no imagina es que serán un éxito que traspasará todas las barreras de su intimidad, obligando a su hijo a jugar el papel de Christopher Robin.
Es una dramática historia donde se plantean los límites de la exposición a la notoriedad pública de los niños.
Muy bien filmada y actuada con absoluta convicción. Los personajes se mueven dentro de los hábitos flemáticos británicos que en los años 30-40 impedían la manifestación de emociones y sentimientos.
Trailer subtitulado en castellano
Ocho puntos sobre diez es mi puntuación para esta dramática historia. 

Los Cuentos no Contados de Armistead Maupin (Jennifer M. Kroot, 2017) 🌟🌟🌟

Este es un film documental sobre el escritor norte-americano Armistead Maupin.
En cierto modo es casi una autobiografía, ya que es el mismo escritor quien narra aspectos de su infancia, adolescencia y su complicada madurez en San Francisco.
Nacido en el seno de una tradicional familia sureña vivió la mayor parte de sus primeros años en Charleston.
Como cabe a un sureño se enroló en las filas del partido republicano y participó de la guerra de Vietnam.
Al volver de la guerra, participó en un grupo que promovía la ayuda a Vietnam para la reconstrucción de viviendas y por esa tarea fue recibido por el presidente Richard Nixon.
Pero había un detalle que nadie conocía. Armistead era homosexual.
Hasta que se mudó a San Francisco y comenzó a escribir sus historias para el diario San Francisco Chronicle, donde su sección "Tales of the city", se constituyó en un gran éxito.
Pero el editor veía como la sección se iba poblando de personajes homosexuales, transexuales y otros tipos de "desviaciones" que un diario tradicional no debería incluir.
En este film, muy bien guionado, es el propio Armistead quien nos cuenta acerca de su viraje de tradicional republicano a liberal homosexual.
Con la participación de las actrices que luego tomaron parte en la versión televisiva de sus "Tales of the city", Laura Linney y Olimpia Dukakis y de su amigo, el actor Ian MacKellen, se narran aspectos inesperados de la personalidad del escritor.
Es un documento ameno y divertido, donde los aspectos trágicas, el SIDA por ejemplo, no se evitan pero se tratan sin melodramas innecesarios.
Prácticamente desconocido en nuestras latitudes, tanto por su obra literaria como por la versión televisiva de su página diaria, es muy interesante enterarse de lo que sucedía en los años 80 y 90 en Estados Unidos.
Trailer en inglés
Dramatización del vehículo elegido para confesar a sus padres su homosexualidad
Siete puntos es mi calificación para este interesante documental que me abrió las puertas del conocimiento a este escritor desconocido para mí hasta este momento.

Isla de Perros (Wes Anderson, 2018) 🌟🌟🌟🌟🌟

Ha habido obras que han encendido luces a mi imaginación durante toda mi vida.
"Los libros de Alicia", de Lewis Carroll, la colección completa de "El Benteveo Amarillo" de Monteiro Lobato, "West Side Story" de Leonard Bernstein y Robert Wise. A todas ellas debo agregar ahora "Isla de Perros".
En esta última obra del director Wes Anderson, es tanto lo que hay de innovación que no termino de maravillarme al recordar sus imágenes.
He tenido que aguantar el olor nauseabundo del pochoclo por haber visto la película en una sala colonizada por los yanquis donde se va al cine para comer y tomar gaseosas.
He tenido que lidiar con un público irrespetuoso que se levanta de sus butacas antes de que la película termine, ya que algo muy urgente los reclama fuera de la sala o porque en sus hábitos no figura ver una película completa, ya que suponen que los títulos finales no hacen parte de la obra.
Si pudieran obviar los títulos iniciales también lo harían, pero como eso no forma parte de las costumbres pochocleras, no lo hacen.
Dejando todas esas niñerías de lado, la película "Isla de Perros" es un compendio de todo lo bueno que se puede hacer en cine. Wes Anderson vuelve con sus eternos temas de simetrías y tomas frontales, que evidentemente, en esta película aún más, remiten al arte oriental.
Pero no solo es un deleite desde el punto de vista artístico, sino que la historia es muy oportuna como retrato de la civilización donde nos toca vivir.
Esos mismos espectadores pochocleros entregarían a sus mascotas al ostracismo de una isla de la basura (basura causada por el hombre ya que de refilón se menciona algo semejante a Fukushima), si el mandatario de turno así lo dictaminara.
Pero aún así (los mismos perros lo comentan, ninguno de nuestros amos nos ha venido a buscar), todo mal puede revertirse y ese es el mensaje final de Wes Anderson. El público no toleraría un desenlace un poco más real y adecuado a las costumbres neo-liberales.
El reparto de voces es un deleite, aclaro que la única voz que identifiqué inmediatamente fue la aterciopelada voz de Scarlett Johansson. Desde Greta Gerwig dándole su voz a una estudiante de intercambio que está indignada con lo que le han hecho a los perros, hasta Bob Balaban dándole su voz a King, uno de los perros finos que rescatan a Atari (Koyu Rankin) cuando su avión se estrella contra la isla de la basura. Hasta Tilda Swinton da su voz a una bulldog francés a la que llaman Oráculo porque puede predecir el futuro. Esto es porque entiende lo que dicen en la televisión.
Ah, y no me debo olvidar de Yoko Ono poniéndole su voz a la ayudante científica Yoko Ono.
No es de extrañar que en esta isla de la basura funcionara un parque de diversiones del alcalde Kobayashi al lado de un vertedero radiactivo. Que un tsunami destruyera las instalaciones en combinación con la erupción de un volcán.
Todo está dicho y contado en Isla de Perros, un magnífico guión de Wes Anderson, Roman Coppola, Jason Schwartzman y Kunichi Nomura (quien le pone su voz al malvado alcalde Kobayashi). La música, impactante, es de Alexandre Desplat. Debería mencionar a todo el equipo de técnicos y titiriteros, porque el producto final es escelente.
Trailer subtitulado en castellano.
Entrevista a los protagonistas (en inglés sin subtítulos)
Haciendo las marionetas (en inglés, sin subtítulos)
¿Es necesario que diga cuál es mi calificación? . Diez puntos sobre diez posibles para "Isla de Perros".

Santa y Andrés (Carlos Lechuga, 2016) 🌟🌟🌟

Santa (Lola Amores) es una camarada a la que envían a vigilar a Andrés (Eduardo Martínez) durante los tres días que duren los Foros por la Paz en Santiago de Cuba.
Andrés es un prisionero político condenado por sus escritos contra el gobierno y por su homosexualidad.
Santa es una mujer de pueblo que no posee costumbres refinadas y a quien su jefe (Maikel Alexis Sanchez) tiene engañada para acostarse con ella.
Santa desconfía de Andrés y trata de no darle ocasión de entrar en su intimidad.
Andrés no se fue de Cuba cuando se fueron sus amigos escritores para estar cerca de su madre. Pero finalmente ha terminado prisionero en una cabaña en el monte donde sobrevive gracias a los dulces que prepara para vender en el pueblo. Pero en secreto, encerrado en la letrina de la cabaña, mantiene su último escrito. Sus memorias.
Durante los tres días de vigilancia, Santa aprende a estimar a Andrés y este le brinda sus pocas posesiones.
Esta es una película llena de sentimientos. Dos pobrecitos cuyas emociones los segregan de la gente se encuentran para disfrutar de las pequeñas cosas.
No hay mucho más que decir. El posible espectador tendrá que descubrir por sí mismo la magia de esta historia.
La dirección es excelente y no hay escena desperdiciada. También son para celebrar las actuaciones, ajustadas, sin desbordes, reales.
De la banda de sonido rescato esa hermosa poesía anónima "El colibrí y la flor" que canta Yolanda Milanés.
Trailer
El Colibrí y la Flor
Siete puntos sobre diez es mi calificación para esta excelente película cubana.

Rostros y ciudades (Visages, villages) (Agnes Varda + JR, 2017) 🌟🌟🌟🌟

Agnes Varda hace gala de su creatividad una vez más a sus casi 90 años. JR es un fotógrafo muralista que la ha asombrado con sus obras. Esto es las fotos que JR toma las revela a tamaños gigantescos y eso le permite crear murales.
Juntos ponen en marcha un proyecto de ir sin rumbo fijo, descubriendo uno tras otro los lugares queridos por éllos para encontrarse con gente, fotografiarla y dejar sus retratos murales pegados sobre sus casas o ciudades.
Esto que parece a primera vista ser de una simpleza tal vez graciosa o divertida, por las artes de Agnes Varda se convierte en una película amena y emotiva, donde la simplicidad de las gentes y de sus lugares, cobran la mayor importancia para la percepción de los espectadores despiertos y dispuestos a dejarse llevar.
Con cada entrevista, la memoria se apodera de cada encuentro y así sean cabras o estibadores del puerto de Le Havre, no hay espacios vacíos de contenidos.
A medida que transcurre la película, la medida emocional va creciendo, hasta que se produce un desborde emotivo que sacude a la misma Agnes Varda. No entiendo como puede actuar un desborde emocional y estarse filmando al mismo tiempo y ser absolutamente sincera y real.
Carente de paisajes grandilocuentes, los recuerdos se transorman en imagenes y las imagenes en recuerdos. JR es su contrapunto perfecto. El mantiene en equilibrio a esta viejecita del pelo a dos colores para que no trastabille en medio de sus historias emotivas.
Creo que hasta el espectador más prosaico se verá obligado a dejarse llevar por los recorridos de estos quijotes del arte.
Trailer
Nueve puntos sobre diez para este mágico documental de la genial Agnes Varda.

Madera noruega (Noruwei no mori) (Tran Anh Hung, 2010) 🌟🌟🌟🌟🌟

Sobre la premiada novela de Haruki Murakami, el exquisito director vietnamita Tran Anh Hung escribe el guión y dirige esta película.
Siguiendo la adolescencia de Watanabe (Ken'ichi Matsuyama) Tran Anh Hung despliega una vez más la magia de sus imágenes para obtener una joya de belleza sin igual.
En los 60, Watanabe comparte su vida con la pareja que hacen Naoko (Rinko Kikuchi) y su amigo Kizuki (Kengo Kora). El es unos años menor que éllos pero los sigue en sus juegos y diversiones. Pero imprevistamente Kizuki se suicida. Se encierra en un auto al que ha coinectado con una manguera al caño de escape.
Watanabe huye de la situación y se traslada a estudiar a Tokio. Allí lo saca de su vida replegada en los libros su compañero de estudios, Nagasawa (Tetsuji Tamayama) quien lo inicia en la vida nocturna, las bebidas y las putas. Sin embargo Nagasawa tiene su novia, Hatsumi (Eriko Hatsune), quien lo ama de veras y le perdona sus traiciones.
Un día, Watanabe se encuentra con Naoko por la calle. Allí se inicia una sucesión de caminatas y charlas entre Naoko y Watanabe. Finalmente, el día del cumpleaños 21 de Naoko, Watanabe lo celebra yendo a su departamento y terminan teniendo relaciones sexuales. Allí Watanabe descubre que Naoko aún era virgen y le pregunta como es que no tuvo relaciones con Kizuki. Esta pregunta desata una reacción tempestuosa por parte de Naoko y dejan de verse.
Un día en una cafetería, una muchacha se sienta a su mesa y Watanabe le pregunta si se conocen de algún lugar. Midori (Kiko Mizuhara), tal el nombre de la muchacha, le contesta que cursaron juntos unas materias en la facultad. Sin embargo la relación con Midori es difícil. Ella tiene novio en su ciudad natal y Watanabe no puede olvidar a Naoko.
Finalmente recibe una carta de Naoko invitándolo a visitarla en el lugar donde está internada. Es una residencia en las montañas. Allí lo recibe Reiko Ishida (Reika Kirishima) que es quien cuida de Naoko. Le advierte que su visita debe desarrollarse bajo normas muy estrictas. No pueden estar solos en la habitación, siempre élla los acompañará. También debe respetar las actividades de Naoko en la huerta y en sus estudios musicales.
Finalmente Naoko le dice a Watanabe el porqué ella y Kizuki nunca tuvieron sexo. Siempre algo sucedía que lo evitaba, por alguna razón nunca lograron concretarlo.
Tal el panorama de Watanabe cuando está por cumplir sus 21 años y estas son las personas que lo rodean y entre quienes la historia se escribirá.
Todo embellecido por la fotografía maravillosa de paisajes de ensueño, por la belleza continua de las imagenes y por la música de Jonny Greenwood que sumerge al espectador en la magia interna con la que Tran Anh Hung diseña sus películas.
La dirección de cinematografía es de Lee Ping Bin y buena parte de la magia se debe a su pericia. Pero las imagenes son del mundo al que Tran Anh Hung nos tiene acostumbrados.
Trailer en castellano
Diez puntos sin dudar para esta bellísima delicia visual de Tran Anh Hung. 

El Peso de la Ley (Fernán Mirás, 2017) 🌟🌟🌟🌟

En base a un guión elaborado sobre hechos reales, Fernán Mirás y Roberto Gispert elaboran una extraordinaria película que brilla como una estrella fugaz en el opaco firmamento del cine argentino.
En su primera película como director, Fernán Mirás muestra lo que es capaz de hacer.
En un oscuro pueblito de provincia donde el comisario (Daniel La Rosa) es autoridad, ley y patrón de los habitantes, dos empleados de la municipalidad, El Gringo (Daniel Lambertini) y Manfredo (Fernán Mirás) salen borrachos del bar del pueblo.
Al día siguiente, el hermano de Manfredo lo lleva a la comisaría para denunciar que fue violado por el Gringo Gómez. La intención del hermano es quedarse con la casa del Gringo pero no sabe que la casa ya no es de él porque el comisario tiene la hipoteca que el Gringo es incapaz de pagar.
El comisario, además de la casa, quiere quedarse con la mujer del Gringo (Jorgelina Aruzzi).
El expediente armado en la comisaría recae en la fiscalía de la Dra. Rivas (María Onetto) quien está muy ocupada conectándose con influencias para conseguir el puesto de juez ya que al irse los militares quedarán varios puestos libres. Así que el escrito lo escribe su ayudante y pide una pena exorbitante de 12 años para el Gringo.
Por otro lado la defensora ad honorem es la Dra. Gloria Soriano (Paola Barrientos en una excelente actuación) quien trabaja en un sótano de mala muerte cubierta por expedientes con la ayuda de su secretario Santi (Darío Barassi). Lo que le llama la atención es la exageración de la pena pedida por la fiscal y, además, por primera vez en su carrera, piensa que va a poder defender a un inocente.
Lo primero que intenta es hablar con el juez de la causa, el juez Ferrera (Darío Grandinetti), pero lo hace en una mala situación, ya que el juez le está comprando ropa a su "amiguito". Sin embargo desliza la idea de la exageración de la pena pedida. Pero resulta que la fiscal Rivas es amiga íntima del juez. Cuando intenta abordarla, la fiscal, que fuera su profesora en la universidad, la descalifica y ningunea.
No le queda otra a la Dra. Gloria, que irse hasta Escondido, el pueblito donde sucedieron los hechos para tratar de averiguar algo de la verdad con los testigos. No sabe que la fiscal Rivas está en connivencia con el comisario.
Con todos estos datos, la historia que la película cuenta, se vuelve un thriller de la realidad social y judicial en Argentina, donde los pobres firman denuncias que no saben leer presionados por la policía.
Una excelente historia, excelentemente contada y que tendrá al espectador en vilo durante la hora y 40 minutos de duración.
Los actores, de primera calidad, abordan sus personajes con una maestría insólita para los espectadores. Quizás sea la primera incursión de Fernán Mirás en un rol diferente a los que acostumbra a hacer, pero todo vale ya que siendo el director puede elegir.
La dirección musical de Cecilia Pugliese es muy importante para lograr el clima que el director quiso para su película.
Trailer
Avant-premier de la película
"Lo realmente difícil es defender a un inocente y no poder probarlo".
Ocho puntos sobre diez para una muy buena primera realización de Fernán Mirás.
 

El grito de las hormigas (Faryad Moorcheha) (Mohsen Makhmalbaf, 2006) 🌟🌟🌟🌟🌟

Una pareja iraní, élla (Mahnour Shadzi) creyente en búsqueda de la verdad y él (Mahmoud Chocrollahi) absolutamente descreído y ateo, van en luna de miel a la India. Ella escuchó hablar de un gurú, El Hombre Perfecto, que transforma la vida de quienes acuden en su ayuda y quiere encontarse con él..
Pocas veces he visto una película con argumento de ficción que enseñe tanto a las almas como esta.
En el primer viaje en tren por India, se encuentran con un periodista del sur de la India que viaja en ese tren con el propósito de encontrar a un hombre del que se dice que detiene al tren con la mirada.
Cuando el tren encuentra al viejo, éste está sentado en las vías del tren con los brazos en alto. El maquinista no puede hacer otra cosa sino detener el tren. El viejo les cuenta que hace años, viajando, se quedó dormido en las vías del tren y cuando llegó el tren tuvo que frenar la marcha. Son los maquinistas quienen detienen el tren, no mi mirada, pero no puedo irme porque la gente que me rodea aprovecha la detención del tren para vender alimentos a los pasajeros. Yo querría volver a ver a mis hijos, pero no me dejan ir.
Luego, en una ruta desierta viajan en un taxi cuyo conductor les prometió llevarlos a conocer al "Hombre Perfecto". Hay una mosca dentro del taxi y el conductor decide regresar para devolverla al lugar donde subió. Mientras tanto canta una canción para distraer a la mosca. Ellos deciden bajar del taxi e ir caminando, pero el conductor les dice que caminando matarán muchas hormigas.
Una hormiga muerta, dos hormigas muertas, tres hormigas muertas, ¿escuchará Dios los gritos de sus hormigas?.
Caminando se cruzan con un pastor que les promete llevarlos a la casa del "Hombre Perfecto". Cuando le preguntan si cree en Dios, el pastor contesta que Dios está en cada uno.
La búsqueda continuará y no voy a decir aquí el resultado.
Solo quisiera contar lo que una niña le lee a élla en un barco en el río Ganges:
"He cruzado los siete mares, subí las siete colinas, bajé todos los valles, atravesé las poderosas llanuras, atravesé todas las ciudades, estuve por todo el mundo y cuando volví a casa me daba vergüenza ver todo este mundo en una pequeña gota de rocío en la hoja de una planta en mi jardín."
Maravillosa historia del director, Mohsen Mahkmalbaf,  cuya imaginación desbordante enciende la película con los increíbles escenarios y personajes de la India.
Muy buena la banda de sonido de Craig Pruess. 
Trailer hablado en inglés 
Diez puntos sin dudar para esta genial producción del gran director iraní Mohsen Makhmalbaf. 

Una pastelería en Tokio (An) (Naomi Kawase, 2015) 🌟🌟🌟🌟

Utilizando el lenguaje poético de las artes japonesas, Naomi Kawase compone una sinfonía a la vida que será realmente inolvidable para los espectadores.
No exenta de amarguras ni de dolores, pero repleta de la hermosura que el universo exhibe a nuestro paso.
Sentaro (Masatoshi Nagase), tiene un puestito donde prepara y cocina sus "panqueques" con dulce de porotos colorados, los dorayaki. Al amanecer se levanta y comienza la preparación de los panqueques.
Un día aparece por el negocio una viejecita pidiendo empleo. Es la Sra. Tokue (Kirin Kiki). Sentaro no la quiere allí, entonces le dice que sólo podría pagarle 600 yenes, a lo que la Sra. Tokue responde, eso es mucho, 300 yenes estaría bien. Sentaro le regala un dorayaki pero mantiene su negativa.
Todo esto es contemplado por Wakana (Kyara Uchida) una estudiante sin recursos económicos quien va al negocito de Sentaro con el pretexto de comer un dorayaki, para recibir un paquete con los panqueques que salieron mal.
Al día siguiente regresa la Sra Tokue y le comenta que si bien el panqueque estaba bien hecho, el dulce de porotos colorados no. Y le deja una bandejita con el dulce preparado por ella como muestra.
Sentaro primero lo tira, pero luego decide probarlo y lo encuentra exquisito, así que al día siguiente cuando la Sra. Tokue regresa se lo dice y le propone que trabaje con él para hacer el dulce que él está comparndo a una tienda.
Los dorayaki con el dulce preparado por la Sra. Tokue, pasan a ser todo un éxito y al día siguiente al abrir el kiosko hay cola esperando.
La mujer del dueño del puestito (Myoko Asada) aparece una noche para decirle a Sentaro que esa mujer que ha tomado es una leprosa. Al verificar su dirección comprueban que es la del leprosario. Le dice que tiene que echarla de inmediato y desinfectar todo el lugar.
Wakana también le pregunta porqué tiene las manos deformes y la Sra. Tokue contesta vagamente que es por una enfermedad que tuvo de niña.
Wakana averigua en la biblioteca y un compañero del colegio le dice que recién en 1996 se encontró la cura para la enfermedad de Hansen. Hasta entonces recluían a los enfermos en campos de concentración de los que no podían salir. Todas las cosas que hubieran tocado o usado eran quemadas.
Estos son los elementos que Naomi Kawase extrae de la novela de Durian Sukegawa para escribir un guión extraordinario.
Particularmente hipnóticos son los parlamentos de la Sra.Tokue con imagenes de cerezos en flor o el follaje de los árboles. La pintura japonesa en todo su esplendor. El sonido de las hojas sacudidas por el viento impregna gran parte de la película.
Las historias son tristes y dolorosas y la falta de empatía del pueblo japonés queda bastante clara, no solo por el aislamiento de los enfermos, sino también con la prohibición de tener mascotas en los departamentos humildes. Wakana tiene un canario de contrabando, pero un vecino que lo descubre denuncia a su familia ante el administrador del edificio. Tampoco Sentaro puede cuidarlo porque en su edificio también están prohibidas las mascotas. Así que Wakana se lo lleva a la Sra. Tokue al leprosario. Toda una alegoría.
A pesar de todo esto, Naomi Kawase desarrolla una película que será inolvidable para todos los espectadores con sensibilidad. Es importante la música del francés David Hadjadj y fundamental la cinematografía de Shigeki Akiyama.
Una curiosidad: Kyara Uchida (Wakana) es la nieta en la vida real de Kirin Kiki,
Trailer subtitulado en castellano
Nueve puntos sobre diez para este placer para el espíritu de la japonesa Naomi Kawase,